Un vistazo al arte desde el punto de vista de la Primera Colectiva 2008 / Débora Zamora
Sé que llama la atención, es demasiado llamativa. Esta pintura fue una de las piezas más interesantes que pude ver, pues quize tratar de comprender porque el autor querria hacer algo así, ¿por qué las formas?¿Por qué esos colores tan vivos y femeninos?, pareciera una mujer en la espera disfrazada, de un recuerdo olvidado. Más la pintura se llama "Encuentros", un oleo del artista Jaime José.
Casi siempre tráto de irme hacia lo que una obra significa, de buscar la intención del pintor y a veces dejo de lado la simple belleza y genialidad de la obra, creo que a veces me pierdo en lo que el artista me quiere decir y por ello también en mis interpretaciones.
Es difícil para mi críticar de cierta forma el arte de alguien más, pues no conozco demasiado del contexto y el autor, más si la viera desde mi débil punto de vista, diría que artísticamente hablando es más caricaturesco que realista, los colores son tan brillantes y las formas del fondo tan básicas, círculos y cuadrados. La ventana es extraña y forma parte lejana del cuarto donde esta la dama que no tiene rostro y pareciera que el camino no lo lleva hacia ella. Se que suena como un análisis semiótico, talvez es por querer omitir la tragedia que sería críticarla sin un conocimiento realmente centrado.
Hermoso a primera vista, demasiado impresionista una obra de Ute Hagen, una mujer ya mayor, que no es de Guadalajara más participó en esta exposición. Creo que los colores son hermosos, dan emoción y frescura, es un ambiente fantástico, pero no me hace sentir una fasinación por ella.
Información de la galería: La exposición comenzó a partir del día 28 de enero en los siguientes horarios: Lunes a Viernes de 10:00 a 14:00 hrs. y de 16:30 a 19:00 hrs. y Sábados de 10:00 a 14:00 hrs. Galeria Vertice Mexico Luis Garcia JassoLerdo de Tejada # 2418 Col. Laffayette. C.P. 44140 Guadalajara, Jalisco. México (33) 36-16-00-78, 36-16-00-79 y 36-15-07-42
Y SE HIZO LA LUZ / Kay Nicté Canales
Atrás del expiatorio en Guadalajara se encuentra el museo de la UDG, MUSA. Tuve la oportunidad de asistir el jueves pasado y me encontré con dos exposiciones una de plata que no me gustó mucho porque había bandejas con caras de cerdos y jabalíes que ha decir verdad no son mi animal preferido, menos si está en una ensaladera. Pero había otra exposición una de muebles y artículos para casa, la mayoría lámparas, esa si me gustó, eran unos muebles mucho más Light y sencillos.Llegué al museo con dos amigas y le preguntamos al policía que si nos teníamos que anotar o algo, el policía nos dijo que no pero que teníamos que dejar nuestras mochilas, me dio un poco de desconfianza, ¡sí el policía me dio desconfianza! Pero no me opuse a las “reglas” del museo y deje mi mochila, eso si, saque todo lo que pensaba le podía gustar al policía, entonces en la bolsa del pantalón tenía mi cartera, en la otra mi celular, en la otra mis llaves de casa y carro, en la última un lipgloss (este no me lo traje porque pensara que el "poli" me lo podía robar, lo traía por simple vanidad) y por último colgado de mi blusa traía mis lentes, en fin me volví una mochila viviente, cosa que fue un poco incómoda a la hora de ver la exposición.
Akari era el nombre de la exposición que quiere decir luz en japonés, y como había casi solo lámparas me pareció un nombre bastante acertado eso si, nada original. Todas las piezas eran blancas y colgaban del techo, no era una exposición muy grande, pero al final me dijo el policía que aún iban a llegar más piezas después. Las piezas según leí estaban hechas con papel washi que se obtiene partir de la corteza interna de la morera y está difunde la luz de una "manera notable". Y también estaban hechas de higo, esqueleto del bambú que se dobla y se deforma con facilidad.Todas las piezas eran muy parecidas, sin embargo tenían diferentes formas unas cuadradas, otras redondas, otras ni cuadradas ni redondas, una tenía forma de camarón, había chicas y grandes pero todas seguían la misma línea de diseño: blancas, hechas con el mismo material, colgadas del techo y guardando la luz.
me hubiera gustado ver más diseños, unos que no fueran lamparas pero Isamu lo que quería segun la reseña escrita en la pared era transmitir la luz a través de formas no tradicionales de lamparitas, y creo que su cometido se cumplió, esas lamparas sí que alumbran!. Nombre de la exposición: Akari
Autor:Isamu Noguchi
Lugar: MUSA
Fecha: jueves 14 de febrero
Fotos en el post: Kay Nicté Canales
MÉXICO, DESTELLOS DE PLATA / Mónica Jiménez
El día 14 de Febrero fui a la exposición "México destellos de plata" que esta hecha por TANE una famosa empresa que fabrica joyas. Había piezas de todo desde lo mas moderno hasta lo mas antiguo que parecía de la época de los reyes. Lo que me llamo mas la atención y me remonto a los temas vistos en la clase fue que las obras que parecían ser mas modernas ,eran de los años sesentas. Me encanto como el curador del museo manejo la estructuración de la exposición y los materiales ; las obras estaban sobre una especie de piedras que parecían cuarzos y eso realzo mas la belleza de la obra, ya que estos mismo se podían reflejar en la obra. Otro factor importantísimo y que ayudo mucho a darle elegancia a las obras, fue la luz que las hacia ver como si brillaran y relucía la plata como un espejo.
Otra cosa que me llamo la atención fueron los diferentes estilos y formas en los que fue manejada la plata; desde vajillas ostentosísimas hasta los cubiertos de plata mas modernos que he visto. Se manejo una línea del tiempo donde se dejo ver un poco mas de la orfebrería mexicana yéndonos de lo viejo a lo viejo y llevando lo viejo a lo moderno. 
Jamás pense que una expocision sobre vajillas, cubiertos, esculturas me podria llamar tanto la atención y me podría remontar a la cultura mexicana y sus tradiciones y lo mas importante que estos materiales sean concebidos por mi como arte y para las demás personas. Es una exposición digna de ser vista y apreciada por las demás personas y se las recomiendo ampliamente.
PASEO POR VÉRTICE / Paola Segura
Digamos que es una exposición a la carta, hay de todo y creo que para muchos gustos. Seré una analfabeta en estas cuestiones del arte, pero me pareció que no hay una lógica en el acomodo o en el tema; es una exposición colectiva pero siento que le faltó algo, como
ya dije, en la cuestión de la lógica. Pareciera que todavía no estaba lista la exposición, ya que hasta había algunos cuadros recargados en las paredes esperando ser colocados en algún lugar; además había un señor que parecía estar restaurando un cuadro (a menos que haya sido el mismísimo autor que seguía trabajando en su obra) pero esto me pareció que se veía interesante.
Dentro de las cosas que me gustaron está esta escultura que se llama “Danza”, me gustó porque creo que tiene mucho movimiento, de verdad parece que se está moviendo (que está bailando), creo que en cierta forma es femenina; pienso que el color blanco le queda muy bien, y el hecho que la pared de atrás es azul la hace resaltar. 
Había tres cuadros del mismo artista que no me gustaron mucho, ya que parece que pintaron los lienzos, les echaron agua y dejaron que se corriera la pintura.
Había varios cuadros que me llamaron la atención por el uso de colores como el plateado y el dorado, y que utilizan algo especial para que brillen. Además me gustaron por la combinación de colores que se me hace alegre.Fue una buena experiencia ir a la exposición, como ya dije había de todo, pinturas y esculturas de distintos temas y estilos, sólo siento que le faltó algo más especial a la exposición.
"Questo, Quelotro"
En una fotografía, podemos apreciar la parte inferior de la cara de una mujer que se muestra en colores pálidos (blanco y rosa) y vemos como los labios de esta mujer están cocidos por un hilo blanco. El gesto de ella no es de dolor, al contrario refleja que está callada por su voluntad. Algo así como “mis labios están sellados”. 
En otra fotografía vemos a una mujer con un tatuaje en el cuello y un piecing en la barbilla. Esta foto me dio la impresión de que habla de libertad y libre expresión.
"Questo, Quelotro"
La exposición de Jorge Sanabria “Questo, Quelotro” montada en el café Selva Café en Guadalajara Jalisco, debo decir que técnicamente es muy buena. Sin embargo, pienso hizo falta originalidad en los títulos de las diferentes secciones; que en una serie de fotografías me muestre cuerpos abrazando instrumentos musicales y que de título lleve “Música”, da la idea de falta de creatividad y pereza mental por parte del artista, de la misma manera otras secciones como la de “Mujer” en la que sobra decir que se mostraba.
Aunado a esto, pienso que la colocación de las piezas no fue la más adecuada, ya que aunque se trata de un café que no cuenta con un espacio específico para esto, muchas piezas estaban colocadas junto a las mesas, lo que impedía observarlas cómodamente.
Además, el decidir hacer una exposición en este tipo de lugares puede que se interprete como una falta de maduración del artista, un temor a presentarse en escenarios más importantes o una falta de capacidad para poder acceder a otros niveles.
A su favor, y enfocándome en la obra, debo de mencionar que mantiene un estilo constante, y en toda la exposición se pudo apreciar el mismo concepto aún cuando mezcló fotografías blanco y negro y a color. Pienso que el manejo de luz, de color y de con trastes es muy bueno. Asimismo, creo que el concepto utilizado aunque se pueda ver en muchos lugares, fue bien aplicado tomando en cuenta que la diversidad en los temas es realmente amplia, y pienso el artista tuvo la inteligencia para con una sola estrategia fotográfica transmitir de buena forma todas sus ideas.
Si tuviera que seleccionar mis favoritas escogería las fotografías de la serie Sed y por supuesto las de la serie Stress, siendo las primeras a color y resaltando el azul como atracción visual, expresando muy bien el tema tanto conceptualmente como estéticamente. De la misma manera las de la serie Stress siendo éstas a blanco y negro pienso que logró representar de buena forma el nombre no siendo previsible, pero tampoco dejando expectativas incumplidas.
Jesús Cuevas Peña 342446
El arte del no tocar
e reúne las obras de
Miguel Ángel López Medina, un pintor local al cual se le dio el tiempo y el espacio suficiente para exhibir sus obras; el detalle es que para el existía un primer piso y para los jóvenes estudiantes de diferentes partes de la república, existía un segundo piso, dividido en varias salas que no correspondían a un orden, y se agrupaban todos como diciendo que no son lo suficientemente buenos para dividirlos o menos para acomodarlos con tal cuidado como Apolonio. Por todos lados se exigía distancia con letreros de NO TOCAR, para así remitirse solo a observar la obra, y esta bien! Yo no soy quien para decir que esta bien o mal, pero es casi obvio que no voy a rascarle a la obra, haber si hay algo detrás, ni mucho menos voy a tratar de limpiarle una basurita que tenga. 
Entonces porque carajos ponen tantos letreros de no tocar! De hecho me di cuenta que estaban enseguida de las obras, sobre todo en la parte de abajo; en las de arriba solo bastaba un letrero por habitación. Cosa que me distrajo en todo momento, y quizás porque si! Soy muy distraído, pero me hizo pensar que tanto y tanto letrero, deberían abrirle toda una sección del ex convento a estos letreritos, y ponerle como titulo NO TOCAR, y poner así muchos y por todos lados, algunos derechos, otros chuecos, bueno eso me distrajo.Por otro lado y esto es de sorprender, el hecho de estar tan tranquilo viendo las pinturas y fotografiando una que otra, claro fijándome bien que no hubiera letreros de NO CAMARAS, y preguntando si se podía tomar fotos, a lo que se me dijo que si. Pues no va llegando el guardia y me pide quitar el flash a la cámara, ya que dañaba las pinturas, y digo lo entiendo la luz de flash es blanca y el destello es casi como ver directo al sol, y aunque ignoro la cantidad de luz que provocan, se que es mucho y que daña ciertas pinturas sobre todo si son viejas, ya que degradan el color, y van desgastando las texturas. Pero en ese momento, cual era el afán de joderme con el flash! Ni modo que me acabe pinturas que tienen menos de un año de haber sido pintadas. Pero ok!ok! me relaje, empecé a recordar porque no iba a los museos. Y claro es por estas personas pomposas que se paran enseguida de la pintura a decir: “mir
a ya viste el color, la forma que juega con la luz’ j aja ja- si mira como tiene brillos cálidos por acá y bla bla bla” cuando ambos sabemos que están viendo lo mismo que yo! Una mujer desnuda dando la espalda y empinada! Pero ok, soporto a los pomposos, soporto al guardia y a los letreros. Soporto a las chavas que tienen una sillita en la esquina para cuidar, y que platicaban intensamente, y al entrar yo se quedan calladas, y una le dice a la otra- ahorita te cuento espérate!-Si soporto todo esto para ver las obras que en el segundo piso se presentaron, unas que me encantaron era una serie que se llamaba Sansón y Dalila ,
así como "Todas las estrellas tienen un chihuahua", en una cosa pop, con colores fosforescentes;
un experimento que me gusto fue el realizado por un artista del DF que mostraba un degradado con plumón en donde de derecha a izquierda comenzaba haciendo dibujos en un papel alargado, horizontalmente, las líneas continuaban en la parte derecha pero inferiores a la primera, y en cada una el marcador iba desgastándose, al final solo se notaba unas manchas, típicas del marcador desgastado. El niño con un helado y una explosión de un volcán de fondo. Una burla a la pobreza, un vaquero en su caballo, el cono en el piso es un bebe, el niño no tiene una pierna. 
Un gato que se dibuja en una pliego que asemeja la parte superior izquierda de un cuaderno de rayas, dando así el efecto de grandeza en el objeto y el dibujo, de micro a macro, y teniendo un sentido estrictamente artístico, evocando que el arte esta en cualquier persona y hasta en la hoja de un cuaderno, un cuaderno de cualquiera, de cualquiera que se pone a hacer dibujitos entre clases. O de cualquiera que realmente quiere hacerlo.
Confluencias
Confluencias
El curador de esta exposición, fue también el encargado de la edición del libro ya entes mencionado, es así, como se armo esta exposición conforme el libro lo marcaba, de esta manera se pudo admirar un trabajo extraordinario, tanto como el del curador como el de los artistas.
En lo personal tengo una preferencia muy marcada por la obra de Ulises González, quien es el autor de las dos obras que aparecen dentro de este escrito. A mi gusto estas obras representan una etapa muy kitsch dentro de la obra de Ulises, puesto que en la actualidad sigue teniendo tintes de la influencia del kitsch, pero a mi gusto a sabido adaptar esta influencia en lo positivo, porque ahora es con un tinte de Ulises con roces kitsch.
Podemos analizar dentro de la primera fotografía, que es la de la boca pintada de rojo, un rojo muy intenso y con ese fondo plateado un tanto brilloso, que hace que resalte demasiado la boca roja, es una combinación de colores y materiales muy interesante, pues repito, el mesclar el lienzo con trazos de tela también hace que sea una propuesta diferente y un tanto novedosa, ya que dentro de la exposición no vi alguna obra que tuviera cierta similitud con las obras de Ulises.
En el segundo cuadro el que se encuentra al final del escrito, que es un rosa, que de hecho es un icono bastante recurrente por este pintor, en el cual podemos ver que en sus obras actuales, concretamente en la obra de EGO, que el tema se trata del enamoramiento del hombre hacia la naturaleza, específicamente hacia una rosa, y la secuencia de los cuadros es observar como el hombre se desnuda al mismo tiempo que caen los pétalos de la rosa.
Sin embargo como mencionaba anteriormente la propuesta de Ulises es muy interesante ya que mezcla diferentes materiales y colores en esta obra tan kitsch, siguiendo el tema del segundo cuadro, podemos ver que la combinación de colores es muy peculiar y sigue teniendo esta influencia tan marcada del kitsch, es por eso que concluyo diciendo que la obra de Ulises siempre tan vanguardista y diferente hace que siempre exista ese contraste de visones acerca que si gusta o no, repito, a mi en lo personal me hace mas feliz otro tipo de obra del mismo pintor.
Expo Arte Cubano: Historias Paralelas
Pia de la Peña / Ursula Zuñiga
La exposición de fotografía del cubano Giorgio Viera, presentada en el museo de Arte de Zapopan, es una muestra del desarrollo del contexto de Cuba, permitiéndose con esto hacer una comparación de la vida del “sufrido Chiapas mexicano”. 
La museografía de la exposición es sencilla, haciendo agrupaciones con fotografías del mismo tema; campesinos cubanos felices en los que parece que el tiempo y la historia no les ha afectado para el desarrollo y el progreso; la Bahía de la Habana que muestra la falta de tecnología en sus navíos y la vida de identidades urbanas rezagadas en México en donde no existe una diferencia entre lo correcto y lo delincuencial, así como parte de la vida rural mexicana.
La mayoría de las fotografías tienen capas: el fondo, el contexto, y el objeto principal. Esto nos remite también al fondo de cada situación expuesta, estos fondos envuelven situaciones que sin duda hacen de cada contexto una situación peculiar para el desarrollo y progreso de las personas fotografiadas, principalmente niños, vistos como los objetos principales. Los niños a quienes se les conoce como “futuro de la nación” están aferrados a una realidad que para ellos es casi una utopía, que son el futuro de la nación cuando lo único seguro que tienen es un progreso y desarrollo de sus garantías individuales tardío, y con ello todo lo que esto genera. 
En una de las esquinas del cuarto en donde se encuentra dicha exposición, cuelga una gran fotografía con un niño retratado envuelto en la bandera cubana, y una frase haciendo alusión a las vidas paralelas entre México y Cuba. Nuestra interpretación a la forma en que expuso esta fotografía es en cómo la vida de unos niños pende de un hilo y en cualquier momento esta fotografía, o estas vidas pueden caer y destrozarse por la falta de recursos culturales que generan una actitud de aferrarse a una vida y una cultura que poco aporta a su completo desarrollo tanto social, intelectual y económico.
La iluminación es muy tenue, es un efecto de iluminación indirecta que la crea poniendo un muro y logrando con esto un sentimiento nostálgico, de vacío, y creemos que el artista con este tipo de iluminación y al omitir los colores en sus obras es como reforzar que es un tema delicado. Haciendo que el color blanco de las paredes se torne a casi un gris, generando así un ambiente grisáceo tanto en el cuarto como en el sentimiento que las mismas fotografías proyectan y esto a su vez va acorde con el blanco, gris y negro de sus obras fotográficas, nos hace pensar también que tan solo es un reflejo de la poco luz que han podido generar estas vidas por el hecho de encontrarse supeditados a las vidas de otros. Son vidas tristes.
En varias de las fotografías se percibe cierto movimiento de las personas creando sus diferentes actividades de la vida cotidiana y simulando un ritmo de vida que para nosotros, personas con un grado de cultura, información y accesos a oportunidades por demás superiores a los de estas personas es un ritmo de vida lento.
Nuestro recorrido por el museo fue en línea recta ya que no nos provocó cambios de emociones inducidos por colores en las fotografías, ni por cambios de luz.
Finalmente, nos preguntamos qué efecto causaría en esas personas fotografiadas, entrar a un museo con una exposición retratando nuestra vida cotidiana. Con nuestras oportunidades, y nuestra libertad de elegir.
FICHA TÉCNICA
Nombre de la exposición: Expo Arte Cubano: Historias Paralelas
Autor: Giorgio Viera
Técnicas: Fotografía
Lugar: Museo de Arte de Zapopan
Fecha: 11 de febrero de 2008
Fotos en el post: Pia de la Peña / Ursula Zuñiga
"FACTOR ARTE GALERIA, JORGE MARÍN"/Julieta Lechuga Aranda
Las pinturas por otro lado, no eran muchas. Estas representaban también el cuerpo humano. Las pinturas eran un tanto impresionistas. Los colores mas utilizados eran el amarillo.
Las obras me parecieron un tanto interesantes, y desde mi perspectiva y concepto de belleza, eran bastante hermosas y llamativas. Me encantaron más que nada las esculturas con los antifaces estilo carnaval. Pero sin duda la pieza que mas me gusto fue la llamada “Centauro flechador”. Esta escultura era la de un centauro (mitad humano mitad caballo). Me gusto mucho porque para empezar, a mi me encanta todo lo mítica y sobre todo este tipo de criaturas traídas de una fantasía. El centauro, es una criatura imponente y un tanto temida. Esta escultura plasma a un centauro con alas extendidas, con un arco sobre una esfera y con su antifaz. Este antifaz me da la sensación de misterio, como que te envuelve en la escultura y te hace preguntar que habrá más allá del antifaz. También por otro lado, como no le ves el rostro, la escultura se vuelve un tanto anónima y puede que por ser así el espectador (uno mismo) se pueda identificar con la pieza o visualizarse como si el mismo fuese la escultura.
El Ex Convento del Carmen actualmente exhibe una colección titulada: El Abuelo Apolonio, cuyas técnicas empleadas son óleo/tela, óleo/madera y acrílico/tela, y permanecerá expuesta hasta el 24 de febrero del año en curso. El autor de las obras es el mexicano Miguel Ángel López Medina instruido en las artes pictóricas por la Universidad de Guadalajara, “pertenece a una generación de pintores que ha desarrollado una obra basada en la figuración, con el propósito implícito de poner en tela de juicio la realidad social”[1].
Lo anterior es eviden
te en la peculiar manera de desarrollar los temas que las pinturas abordan. Por lo general esperaríamos que los campesinos, el tractor, los caballos, los árboles y las bicicletas que aparecen de manera recurrente en sus pinturas se encontraran en el suelo; sin embargo sucede lo contrario, como puede ser observado en la siguiente fotografía titulada “Paseo dominical”, de esta manera el autor de las obras cuestiona la realidad.
Finalmente, la forma en que fueron exhibidas las pinturas es de la manera trad
icional: sobre una pared blanca con una iluminación de arriba hacia abajo y con una altura ideal para disfrutarse sin hacer mayores esfuerzos.[1] Tomarte (Febrero 2008). Miguel Ángel López Medina. Disponible en: http://tomarte.com/artista.php?id_artista=113
CIRCO Y EQUILIBRIO/Bricia Giselle Acosta Mendoza
Sus esculturas son fantasiosas y nos transportan a los actos de acróbatas de circos, todas las figuras están equilibradas, la mayoría de las obras porta un antifaz como si quisieran esconder su identidad, tal vez para que en la lectura de su obra podamos visualizarnos a nosotros mismos, identificarnos con ellas, que nos sea más fácil reflejarnos en ese ser que busca encontrar el equilibrio entre obstáculos, están desnudos porque
busca conocerse a sí mismos, vernos como somos sin ataduras sociales, no hay envolturas que los contengan o repriman.
Ángeles enmascarados presumen sus alas, bailarines en pose sobre esferas, sus obras son de bronce. El artista se llama Jorge Marín, nació en Uruapan, Michoacán en 1963. nos transporta a un mundo introspectivo y mágico.
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