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Esta exposición de Herculano Álvarez, se encuentra en la galería Sánchez Villanueva. A pesar de la falta, a mi parecer, de habilidad por parte de los curadores y los encargados de esta galería para darle un realce a las obras exhibidas; no lograron opacar la belleza de estas.

Realmente fue una verdadera lastima el que estuvieran todas enmarcadas y protegidas por un vidrio, ya que con el reflejo de la luz no se puede apreciar muy bien las fotografías tomadas.

Aprovechando la maravillosa licencia de poder escribir sobre cualquier expresión del arte, concedida por quien sea que la haya concedido, ahora me atrevo a compartir una reseña de uno de mis discos favoritos de la existencia: Ágætis byrjun. En este disco, Sigur Rós, agrupación de post-rock nacida en Reykjavík, Islandia, hace gala de la versatilidad que tienen para componer y hacer armonía musical perfecta.

Este álbum lanzado en 1998 daría un gran impulso a la banda, siendo catalogado incluso como un álbum imprescindible por algunos críticos. Tiene 10 pistas, siendo cada una de ellas un experimento diferente, con particularidades que las hacen únicas y distintas entre sí. Todas son cantadas en islandés, lengua nativa de Islandia, lo que da un toque realmente mágico a las canciones; sumándole a esta combinación la melodiosa y aguda voz de Jónsi Birgisson termina por dar una atmósfera apropiada para observar y relajar los sentidos, dejándose llevar rotundamente y sin remedio por los lentos acordes de Sigur Rós en este álbum.

Las pistas son:
1. Intro
2. Svefn-g-englar (Sonámbulos)
3. Starálfur (Un elfo mirando)
4. Flugufrelsarinn (El salvador de moscas)
5. Ný Batterí (Baterías nuevas)
6. Hjartað Hamast [Bamm Bamm Bamm] (El corazón late con fuerza (Boom boom boom))
7. Viðrar vel til loftárása (Buen tiempo para un ataque aéreo)
8. Olsen Olsen
9. Ágætis Byrjun (Un buen comienzo)
10. Avalon

Carátula de Ágætis Byrjun

• Al reproducir Intro al revés, se escucha la versión instrumental de Ágætis Byrjun.
• Tocar Starálfur al revés no causa ninguna variación musical.
• Si aceleras Avalon al cuádruple de velocidad, se escucha la versión instrumental de Starálfur.
• Svefn-g-Englar fue parte del soundtrack de la película Vanilla Sky.
• El arte y diseño de los discos, vestuarios para tocar en vivo y demás imagen del grupo es diseñada por el novio de Jónsi y la esposa del baterista, y se denominan los Toothfæries.
  

Alejandro Colunga es un artista que se ha dado mucho a conocer aquí en Guadalajara por sus curiosas obras de arte que podemos encontrar en diferentes puntos de la ciudad, como lo son Plaza del Sol y el Hospicio Cabañas y, recientemente, en una exposición en la galería de la Universidad de Guadalajara. Principalmente, Colunga se distinge por su estilo surrealista muy soñador (y para algunos, algo perturbador) y sus formas orgánicas que le dan a su obra un cierto aire de misticismo. No creo que vaya a olvidar la primera vez que ví las obras que tiene en Plaza del Sol, yo estaba en secundaria y, ese día, solo en la plaza con mi block tabla para dibujos. Me senté en la esquina de una tienda de joyas que no sé como se llama y me puse a dibujar con un lápiz blando (era lo único que tenía) la silla mayor. Hasta ese momento nunca había tomado realmente conciencia de las obras sino hasta que con cada trazo tenía la necesidad de analizarlas más a fondo y entender lo que ellas, en su propio idioma, querían decir. Debo decir que desde ese día soy un gran fan de Colunga, no sólo porque se centra en exactamente mi tipo de arte, sino también porque sus obras tienen una cualidad que realmente no he encontrado en casi ningún otro lugar: la capacidad de impresionarme cada vez que las veo. Honestamente, desde aquel día que las dibujé, cada que tengo oportunidad de ver alguna de sus obras, ya sea en Vallarta o en el Cabañas, la observo detenidamente y hasta hoy, cada vez, puedo jurar que encuentro algo nuevo y diferente. Esa es, en mi opinión, la llave del éxito de Colunga, que su obra tiene vida propia y va cambiando sutilmente para adaptarse a quien desea verla. Esta vez, me enfocaré en el Cabañas. Fui un día de estos, para ser exacto, un viernes 19 de Septiembre, por ahí de la tarde, como a las 5:00, con una amigo mío que aprecio muchísimo. Aunque no era nuestra intención ir a hacer "art scouting", simplemente no puedo resistir poner a prueba la obra de Colunga. La estética es fabulosa, torcida, pero fabulosa y el punto de que virtualmente no tenga una temática la hace, para mí, aún más interesante. Pero algo que no había pensado sino hasta ese día era como la obra de Colunga no sólo es estética, sino también funcional. Suena tonto, pero así soy de distraído, y nunca caí en cuenta que gran parte del valor agregado que esta tiene es la facilidad que le da a la gente de poder fotografiarse ahí, sentarse y hacer cuanta payasada les venga a la cabeza (y créanme, he visto demasiadas). Al final del día, como siempre, me quedé con más ganas de seguir descubriendo cosas nuevas del arte de Colunga, pero el clima no me tiene mucho aprecio así que la lluvia me forzó a dejar mi apreciación para otro día.

Lugar: Instituto Cabañas
Fecha: 19 Septiembre 2008 (visita)
Obra: Magos Universales
Autor: Alejandro Colunga

Tomas Axel "Lobito" Castellanos

Sebastian Ll. 1133380

Entre los instrumentos que mas resaltaron en la galería se encontraban las tambores. Este instrumento fue reformado por Da Vinci de muchas maneras. entre ellas encontramos este tambor, con tres baquetas, y una manilla que transforma el sonido normal, y lo altera , de tal manera que el tiempo es mas rápido. por así decirlo. 

Otros de los instrumentos que se pueden observar en la sala, se encuentra la matraca,  la caja de tres orificios. Esta caja, es creada por el mismo Da Vinci, y es una caja que con una manilla , va girando unos pequeños cuadros, que embonan en la caja , de tal manera que van creandosonidos. De tal manera que se gire la perilla , va creando diferentes ritmos.

Desviándonos un poco del rollo musical, También se encuentran varias de las replicas mas famosas de Da Vinci. Entre ellas esta la Mona lisa, La ultima Cena, La anunciaciòn. Y muchas otras mas. Es muy interesante la galería ya que puedes encontrar muchos de los atractivos de Da Vinci y no solo sus obras maestras. En la galería también puedes observar varios de los inventos con vidrio. Estos son una seria de vidrios cuadrados, que hacen que las fotos se vean mas cerca y otras mas lejos, entre estas también se encontraban los espejos en bola. Que también tenían las misma tarea de los vidrios.

RICARDO GARCÍA HERNÁNDEZ A01221241

Definitivamente el papel del mercado en el arte es importante pues vivimos en una sociedad capitalista, donde el dinero es rey y todos los que se ubican debajo de él son sus esclavos… trabajan, viven, respiran, producen y crean para él. En el mundo moderno, todos necesitan ganarse la vida de alguna manera, y, por desgracia, el arte no muchas veces sirve para cumplir este propósito.

En el arte existen muchas fuerzas invisibles que son las que controlan la manera de actuar y proceder de las tendencias, que son definidas por los movimientos de quienes tienen el poder –económico y político –de moverlas, lo que cierra un pequeño círculo vicioso donde el arte se vicia y gira sobre lo mismo una y otra vez, siendo “comercializado” sólo lo que en la actualidad se quiere que sea popular y “vendible”.

Así, el papel del mercado en el arte antes no era tan complejo como ahora: el artista tuberculoso se encerraba, temeroso y escéptico, en una buhardilla en Praga esperando a ser descubierto por un mecenas con dinero que promocionara su arte, lo comprara y lo hiciera llegar a las cortes imperiales de la época, marcando su nombre para siempre en la historia del arte; muchos quedaban fuera de este juego, quedando en el anonimato por falta de ya sea contactos, ya sea de habilidad social o política, o de plano falta de talento.

Ahora es un poco diferente, pero más intenso. Los artistas estudian, se preparan e intentan conocer un poco de todo, lo que ultimadamente los convierte en seres soberbios e insoportables. Se visten de maneras extravagantes que llaman mucho la atención y que quizás son delito en algunos lugares del mundo; se procuran un estudio fuera de lo común y persiguen un objetivo común: crear algo que nunca se haya visto antes. Bajo esa premisa, lo que hacen es tomar algo ya existente y voltearlo de cabeza, cubrirlo de papel maché, salpicarlo de pintura acrílica, echarle tijera y esperar que el resultado pueda ser diferente. Ya con su pieza, salen en un frenesí de promoción a los lugares donde puedan ser “encontrados” y, con soberbia todavía, sienten que fueron tocados por la mano de Dios para ser artistas. Todo lo anterior es una antiacadémica generalización que obviamente no aplica para todos los casos, pero es, desgraciadamente, muy común hoy en día.

Todo lo anterior es una prostitución del arte, a mi parecer. Lo único que intentan es hacerse notar e intentar vender sus piezas, muchas veces a precios ridículamente altos e infundados. Lo único que se procura es ganar dinero a costa del arte, y quien es más importante en el medio artístico es quien más dinero ha hecho con sus proyectos.

Las tendencias actuales son construidas de acuerdo a los movimientos de los mercados, que cambian por la influencia de quienes pueden hacerlo, y aquí retomamos un punto muy importante en el ensayo. ¿Quiénes son los que tienen el derecho de cambiar el rumbo del arte, lo que se produce, crea y explota? ¿Quién decide quiénes suben y quiénes bajan? Son los que fueron tocados por la mano de las musas, de la política y, particularmente, del dinero. Ellos son los que mueven el mundo del arte a su antojo, ya sea por dinero, por diversión, por simple capricho o por terquedad de quedar labrados en la historia de la evolución artística a través de los tiempos.

Fundaciones prestigiosas que compran y venden el arte como bienes de consumo, artículos de lujo que dan estatus a quien los posee; ellas son las principales responsables de lo que sucede en el mundo del arte, que se mueve en tropel hacia una modernidad inalcanzable, en una evolución constante donde las tendencias abren sus fauces para unirse a la vorágine de creatividad y artistas en general, donde se vuelven obsoletos los trazos, colores y estilos en un santiamén, sin pudor ni vergüenza. Todo decae de una manera terrible y nadie se escapa de ello, del poder del dinero que todo lo sabe y todo lo ve… y si no puede, compra a alguien para que lo haga por él.
Con esto se pone en manifiesto lo ordinario del arte actual, en muchos casos. Mucho de lo que se hace es exclusivamente por dinero y nada más; no se busca contribuir al fortalecimiento de las corrientes artísticas, sólo se persiguen los dividendos económicos en los bolsillos de curadores, directores de museos, coleccionistas y, en última instancia, de artistas. Haber convertido al arte en un bien de consumo es algo que va a costar muy caro, ya sea a corto o a largo plazo, al desarrollo del arte como disciplina enriquecedora del ser humano.

Y termina por no enriqueciéndolo porque, hablando del mercado como un medio de difusión del arte, no llega a todos. Se enfoca en las clases económicamente dominantes, que además quieren formar parte de una high society pseudocultural, donde el arte es más una manera de integrarse a un grupo determinado que un complemento del espíritu humano; además, a esto hay que sumarle que el arte se concentra en las grandes ciudades culturales del mundo (Nueva York, Londres, Barcelona, etc.), que por lo general están en los países desarrollados. ¿Dónde dejan a quienes no tienen ni el dinero ni la ubicación geográfica para poder hacerse consumidores de arte, aunque sea sólo en el plano de la apreciación? Es una pregunta realmente triste de contestar y siquiera de imaginar.

También es importante destacar el mercado del arte no sólo hablando de pintura, escultura, instalación y, en general, artes plásticas. La música, que también es arte, es muchas veces prostituida por los mercados y los hábitos de consumo actuales. Igual que en las artes plásticas, en la música, el éxito y difusión depende mucho de cómo es que se mueva el músico o músicos en el medio, no realmente de su talento; quizás, aún más importante que esto último, es simplemente la búsqueda por parte de los productores de lo que se puede vender, de lo que va a mover a la gente a pagar por escuchar y tener esa música.

Es una verdadera desgracia esta situación, pues muchas veces se demerita música de gran calidad por aberraciones inauditas que tristemente son consumidas por la mayoría de las personas. De igual manera, la música se concentra en poquísimos lugares, no permite a la gente conocer más, abrirse a otras propuestas musicales y finalmente el gusto musical de las masas es un gusto prefabricado por las disqueras y productores para obtener una mayor cantidad de ingresos. Con esto, los oídos de las personas se ven acorralados en un festín de mala música sin trascendencia en la historia musical, que simplemente fueron unos hits más, algunos grupos one hit wonder, y, en el peor de los casos, un bestial reggaeton que terminó por tomar el nombre de un noble género musical, agregándole un sufijo y destruyendo las nociones del ritmo, la dignidad de las letras y la decencia de los bailes.

Con todo lo anterior nos podemos dar cuenta de que los ciclos se repiten una y otra vez, sin pudor, volviendo a caer en lo mismo siempre, en simples modas pasajeras que sirven para generar dinero no a las caras de las mismas, sino a quienes están detrás de ellas. Nos volvemos simples espectadores de lo que sucede en el mundo del arte de todo tipo, sin poder proponer algo novedoso sin que casi inmediatamente sea convertido en un bien de consumo para las élites, o sea vulgarizado en la producción en masa.

Finalmente nos damos cuenta de que, realmente, como se plantea al principio de este ensayo, no somos mas que esclavos del dinero. Estamos integrados a la perfección en un samsárico ciclo del que no podemos escapar, y en el que estamos destinados a perecer por falta de nuevos estímulos, de nuevas tendencias, de cosas auténticas, no mediáticas.

A fin de cuentas, ¿qué más da? Estamos cómodos como estamos, ¿no? ¿Acaso alguien puede hacer algo para remediarlo? ¿Acaso me importa lo que suceda? Por suerte y por desgracia, sí. Estamos involucrados. Y con las actitudes de siempre el arte terminará por quedarse en su escaparate de glamour, fuera del alcance de los mortales.

¿Tenemos que entrar con un revólver a un museo, tirando balazos y armando una revolución para devolver el arte a la gente? Quizás sí, pero es un sacrificio que, estoy seguro, no sólo yo estoy dispuesto a hacer. Podemos no llegar a tanto, pero debemos bajar de nuestras nubes burguesas, y darnos cuenta de que como nos llega el arte a nosotros, no le llega a miles de millones de personas más.


Ricardo García Hernández.

                                                    



Para mi reseña de este mes, fui a la galería Factor Arte, sin embargo fue una experiencia que me dejó mucho que desear.  Lo primero que noté al entrar era que había cuadros en el piso, recargados en las esquinas, con cartones en las esquinas. Pregunté al jóven que estaba ahí, como manejaba la galería, que determinado tiempo cambiaba los cuadros, quienes eran los artistas, sus historias, etc. Para mi sorpresa, la falta de elocuencia e interés del galerista en responder mis preguntas eran aún peores a lo que yo imaginaba. Me contesto que las obras las cambiaba todos los lunes en la mañana, por lo que yo quedé asombrada, ya que eran las cinco de la tarde, y de las máximo veinte piezas que estaban siendo expuestas, un cuarto de ellas estaba en el piso. Pienso que si yo fuera artista, el último lugar en donde yo querría que se colocaran mis obras sería el piso, y nunca pagaría por que las tuvieran ahí, pero bueno. Le pregunte de algunas acuarelas que vi y me parecieron bastante interesantes, a decir verdad sólo pregunté acerca de cinco obras ya que el responsable de la galería denotaba falta de ínteres en responder a mis preguntas, y si hay algo que a mi me molesta es que la gente me ponga caras cuando lo único que les pido es que hagan bien su trabajo. Sin mas que agregar sobre este paupérrimo encuentro mio con el mundo del arte tapatío me despido, y cruzo los dedos esperando que el próximo mes mi experiencia sea mucho mejor que esta.  Obra del artista Israel Villanueva.

 Carbón, de María Esquerra, artista española. 

 Acuarela del artista tapatío Fernando Sandoval.

El pasado 19 de septiembre la cadena televisiva MTV celebró sus quince años de transmisión en Latino America siendo México el primer país en tener una transmision en español de la cadena. Por estas misma fechas el canal lanza su celebración de los Video Music Awards Latino America escogiando a Guadalajara como su cede por ser una ciudad tan emblematica para México y para el mundo. En el marco de estas celebraciones el gobierno de Jalisco lanza una exposición fotografica con lo mejor de los premios de años pasados y la trayectoria musical de artistas que han hecho historia en nuestro pais.

Un montaje muy interesante que se encuentra actualmente en la plaza de los Caudillos en Zapopan y que esta circulando en la Plaza Principal de Tonalá, en la zona peatonal comercial en Tlaquepaque y en centros comerciales de la Zona Metropolitana de Guadalajara. Un gran ejemplo de arte pop movil y muy al alcanze de la gente, ya que cualquiera que pase por las plazas puede ver el montaje sin ningun problema minetras que simultaneamente en unas pantallas se reproducen videos de las presentaciónes.

En el montaje se aprecian momentos muy emotivos de las presentación en las que podemos ver a artistas internacionales interactuar con artistas mas regionales. El contraste entre las multiples culturas y la fuerza de las presentaciones se ven retratadas en distintas fotos del montaje. Para los jovenes las imagenes son muy emotivas y nos dan a todos un sentimiento de unidad y de gran identidad nacional recordandonos que la musica es un arte que une. La gente, chicos y grandes, que pasa por la exposición no puede sino dibujar una sonrisa en su rostro al ver alguna de las bandas que le marcaron su juventud. Esto es un gran ejemplo de como la musica forma parte de todos nosotros y nos mueve distintas fibras de nuestro ser.

Podríamos pensar que el arte se limita a la pintura, escultura, fotografía e incluso a la música, y muchas veces no vemos arte en otro tipo de expresión.
La arquitectura, los plásticos y el diseño industrial también son obra de arte, y justo ahora me tocó conocer una galería que así los considera, y por tanto, las expone. La Galería Pablo Guerrero, ubicada en la colonia Providencia, tiene en exposición fotografía de Mito Covarrubias, arquitectura de Ricardo Agraz, obras plásticas de Fernando Sandoval y Adrián Guerrero, y diseño industrial de Cubo tres-vrok. Se pueden apreciar piezas por separado de cada uno de éstos autores.

La obra anterior de Adrián Guerrero se titula “Lunación”, y está dentro de la categoría de Artes Plásticas. El juego de colores muy similares pero no iguales de las lunas hacen muy interesante la composición total de la obra. Podemos ver que no tiene ninguna secuencia, simplemente tiene un orden de acomodo.

Titulada Árbol genealógico, ésta obra de Fernando Sandoval es lo primero que se ve al entrar a la galería. Su tamaño de más de dos metros de alto, la hace muy llamativa, además de el color naranja que resalta en la obra sobre la pared de fondo blanco. Se ve como una pintura realista, puesto que se identifican bien los elementos que la conforman, sin embargo contiene otros detalles que no guardan relación y por tanto la hacen vanguardista.

El pasado Martes 16 de Septiembre del año en curso, fui al Paraninfo de la Universidad de Guadalajara a ver la exposición montada como homenaje a Alejandro Colunga por sus 40 años de labor artística.

Al llegar al lugar, lo primero que llamó mi atención fueron 3 grandes figuras que se encontraban colocadas en las escaleras del Paraninfo. Además del caballero y la momia encarcelada que hacían guardia en la puerta. Cuando entré me percaté de que esta exposición iba a ser muy diferente a las que había ido, pues las pinturas y esculturas que estaban de muestra en el lobby del Paraninfo eran muy coloridas y originales, diferentes, rompían con lo ya establecido, con la seriedad.

Las obras de Colunga se encontraban localizadas en diferentes salas de la galería, y cada sala era para un tema específico, aunque todas se conectaban entre sí. Creo que debido a que el nombre de la exposición era Maravillas y Pesadillas, la mayoría de las obras expuestas evocaban figuras, colores, imágenes y situaciones que nos producen algún tipo de temor. Lo que más me llamó la atención de sus cuadros son los colores tan llamativos que utiliza, y el contraste que crea con ellos. También las figuras y formas de los personajes que creaba, sus expresiones.

Una característica importante de las obras de Alejandro Colunga es que la mayoría de ellas las figuras centrales están enmarcadas por objetos o cortinas, sus cuadros están casi todos en primer plano y no tienen perspectiva. A través de sus creaciones expresa brutalidad y nos deja ver la gran imaginación que posee, va mucho más allá de lo impredecible. Sus figuras y formas ocupan un lugar entre lo animado y lo inanimado.

Otro aspecto que me llamó la atención es que una sección de la exposición estaba dedicada a la religión, y que Colunga tiene una forma muy cruda y cruel quizás de expresarla. Aunque debo de admitir que es bastante interesante y original. Algo de lo que me pude percatar es de que al artista le gustan mucho los ratones, pues a lo largo de toda la exposición se pueden observar ratones de diferentes tamaños, colores, formas, con accesorios, en zapatos, en pedestales, etc.

La verdad la exposición de Alejandro Colunga fue una exposición muy diferente, que pude disfrutar de otra manera. Me gusto mucho su obra, y la percepción que tiene de las cosas, es un artista diferente. Me pareció magnifico, la forma en que usa los colores en sus cuadros, fue lo que más me gustó.