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Latitudes Corneas es una exposición organizada por el MAZ, Laboratorios Julio y El Ayuntamiento de Zapopan, es una pequeña exposición de no mas de 35 fotografías, las cuales reflejan a diferentes sociedades. latitudes es porque existe la latitud New York, Latitud Cuba, Latitud Tibet, Latitud Perú, etc... y en cada latitud se reflejan a la sociedad de la misma por ejemplo en la latitud cuba hay una fotografía donde se muestra una calle cubana y varios cubanos negros y al frente a un hombre disfrazado con la mascara de Scream, el personaje principal de la película. los cubanos negros se le quedan viendo asombrados al hombre disfrazado ya que no es parte de su sociedad pero si esta reflejado en la fotografia de su latitud. en la otra fotografía, esta una señora peruana vestida con ropa típica y una llama detrás de ella, y de fondo una pradera. refleja la latitud peruana muy bien. se me hace una excelente idea esta exposición por que no es una típica exposición sino que la idea de jugar con las latitudes y separar la exposición en cada latitud para reflejarlas mejor se me hizo una excelente idea realmente disfrute la exposición por esta idea aunque no tanto por las fotografías en si.



José Manuel Castañeda

fotografias:
Latitud Peru - Enrique Corona
Latitud Cuba - Rafael del Río

El miedo y la satisfacción, lo pop y lo oscuro, el consumismo y el ser consumido, escenas que parecen salidas de una película ochentera de terror clasificación “B” en donde las víctimas son mujeres jóvenes y los victimarios son objetos gringos de consumo que aparecen como monstruos. Daniela Edburg se burla y a la vez alimenta nuestros antojos con “Drop Dead Gorgeous”.

Daniela Edburg nació en Houston en 1975, y creció en San Miguel de Allende. Estudió artes visuales por parte de la UNAM en la Academia de San Carlos en la ciudad de México, donde actualmente vive y trabaja.

Esta exposición se encuentra en el Museo de Arte de Zapopan (MAZ) dentro del 12 Bienal de Fotografía.

A primera vista las fotografías de esta colección son visualmente impactantes. Al entrar al museo es lo que más capta la mirada. Primero descubres que son estéticamente satisfactorias pero al observarlas más puede parecer algo horrible, incluso provocar repugnancia.

El detalle es muy elaborado, ofreciendo una variedad amplia de elementos que le dan vida a la fotografía, sin embargo lo principal siempre es la víctima y el producto que parece estarla consumiendo, el cual casi siempre es un producto de marca estadounidense. El consumismo que termina por consumir al propio consumidor, en este caso consumidoras.

Los escenarios son lugares que resultan familiares y cotidianos. Una cocina, una sala, y un jardín son algunos de los lugares donde se desenvuelven estas escenas. Parece que todo se desenvuelve en el lugar habitual o en los hogares de las víctimas.

Encuentro que todo esto tiene un cierto aire de seducción, no sé si sea por el tema de la muerte que te hace apreciar lo repentino en que las cosas terminan o por las mujeres, tal vez por la combinación de las dos. Además de que parece ser que lo que te puede causar placer en un momento puede hacerte sentir culpable después.

La pared de la galería estaba siendo pintada de blanco, esto ayudaba a resaltar bastante las pinturas, los cuadros eran simples, la mayoría solo mostraba una parte del cuerpo y unas cuantas mostraban manos en diferentes posiciones. Cuando pregunte a los encargados de acomodar las pinturas el nombre del autor no me supieron decir quien era, pero me dijeron que la exposición se inauguraría el jueves 6 de septiembre a las 8:30 de la noche.

Aunque no conseguí los nombres de las pinturas ni el del autor decidí que usaría estas para este parcial, estas pinturas me movieron algo al verlas, no se si fue las expresiones en los rostros que ahí vi, o el detalle con el que los cuerpos están dibujados, lo que les puedo decir que les aconsejo ir a ver la exposición, aunque es bastante pequeña no saldrán decepcionados, por lo menos se que yo volveré para conocer los nombre de las pinturas y el de la persona que las creo, por ahora me conformare con conocer su firma.

En la galería Chapultepec en su segunda sección, me encontré con esta fotografía que me gusto mucho y que además me remonto a las épocas donde mis abuelos caminaban y se paseaban por esas calles del tradicional barrio del santuario. Al pie de la foto encontré información importante como que el jardín fue inaugurado en el año de 1897, inicialmente se llamaba parque Hidalgo, para después pasar a ser el atrio del santuario de nuestra señora de Guadalupe. Esta obra es interesante ya que los que vivimos cerca de este jardín hemos visto diferentes cambios en su estructura, desde las calles aledañas empedradas y sin ningún automóvil, hasta en la actualidad uno de los puntos mas transitados y visitados. Se dice que una obra de arte se considera como tal cuando transmite sentimientos y definitivamente este tipo de fotografías causa un efecto de nostalgia ya que es difícil de creer que el jardín del santuario estaba así de tranquilo y así de cambiado.

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Asistí a la exposición de arte en avenida Chapultepec de Gerardo Núñez, en donde se mostraban imágenes de la Guadalajara antigua, las fotografías estaban tomadas desde ángulos parecidos a los de fotos anteriores en donde la ciudad de Guadalajara donde se deja ver su cultura y tradición, fotos que resaltan el paso de los años y cómo ha evolucionado nuestra cultura y nuestro estilo de vida.















Iglesia Neogótica

Las fotografías dejan ver escenarios como la iglesia neogótica, la catedral, Los Arcos, es fácil darse cuenta de cómo ha pasado el tiempo a través de la infraestructura, el hecho de que en las fotografías modernas sean a color y las viejas en blanco y negro te envuelve en un contexto de cambio, de evolución; en las fotos en blanco y negro, existe una ausencia clara de personas, se exhibe únicamente la infraestructura de edificios que caracterizan la ciudad y la hacen más rica sin embargo la ausencia de color o de signos de vida humana, hace que la foto se vea mucho más vieja, cuando la sociedad era mucho más pequeña, donde las personas vivían de manera diferente, de una manera más conservadora, en carecían de medios de transporte como los carros, que forman arte importante de nuestro estilo de vida, por esta razón se hacen visibles en las fotos que reflejan lo que se vive hoy en día en la ciudad.















Reflejo de la Catedral

El entorno de la exposición favorece a la misma ya que te hace sentir el cambio que se vivió a través de los años, te envuelve una sensación de evolución, de progreso, la exposición en la avenida Chapultepec, una de las avenidas más frecuentadas en la ciudad crea un contexto se modernidad y desarrollo y al ver las fotos de la antigua ciudad, es fácil maravillarse con el contraste que el autor maneja.

Expresar es una actividad específica del ser humano, cuando creamos arte expresamos. Saber apreciar el arte, a mi parecer, es saber comprender nuestra naturaleza como humanos en “zapatos de alguien más”. Así, que en mi necesidad de reconocerme como ser humano me encontré en la exposición de Viviana Martínez, titulada Rinoseptumplastia.
Esta exposición se define como la tercera parte de una serie de trabajos que la autora lleva realizando alrededor de un año y medio. Viviana, al iniciar su presentación, nos comentó que el ritmo de vida tan apresurado que llevamos actualmente, nos llevan al desarrollo de enfermedades que parecen ser creación de nuestra mente; sin embargo conforme pasa el tiempo son tan comunes y cotidianas: “La ciencia nos ofrece un camino relativamente corto hacia el nuevo paraíso terrenal: una vida sana” (Viviana Martínez).[1]De esta manera, el nuevo producto de consumo es la ciencia como una forma para conseguir un estilo de vida sano, que nos permita llevar el ritmo de vida actual.
Viviana a través de Rinoseptumplastia, busca compartir con nosotros su experiencia quirúrgica al tomar la decisión de modificar la imagen de su rostro, de una nariz “aguileña” a una nariz estilo “europea”. La artista se somete a la operación por dos razones principales. La primera hace referencia a la necesidad física (enfermedad); mientras que la segunda razón hace referencia al enfrentamiento de su “terror hospitalario”, en la búsqueda de una estabilidad emocional, y el análisis de la concepción de belleza: “me di cuenta de la importancia de la estabilidad emocional, en el enfrentamiento de situaciones relacionadas al dolor” (Viviana Martínez).
La galería “Casa Museo López Portillo” nos mostró en sus paredes el proceso de transformación que vivió la autora, se podía encontrar en cada fotografía, “el tiempo nivelado” de cambio. En esta exposición encontré cinco palabras clave para concretar el concepto temático: medicina, tecnología, dolor, sanación y belleza. Con la medicina me refiero al reconocimiento de ésta como una nueva forma de arte, como una forma de expresión humana. La tecnología hace referencia a la razón que ha modificado nuestro ritmo de vida, lo que permite que nuestra raza evolucione. Ahora el dolor y la sanación son dos conceptos totalmente humanos, que nos permiten reconocernos como tal y liberarnos en un sentido espiritual y científico. La belleza siempre será un concepto ligado íntimamente al arte y por lo tanto a los seres humanos. Es un concepto tan delitmitado en nuestra sociedad, tan exlcusivo y superficial, sin emabargo a través del arte y sólo mediante éste es posible mostrar el verdadero, interno y profundo (tan subjetivo) sentido de la belleza.

Considero que de la variable cantidad de imágenes que se nos presentaron, a mí y a otros apreciadores, una de ellas presenta el clímax del proceso de cambio, donde creo que Viviana expresa lo que buscaba enfrentar. Momento Quirúrgico es para mí, el punto exacto donde el fin del dolor y el principio de la sanación se ponen en contacto junto con la medicina y el uso de la tecnología para provocar un cambio físico en la imagen de una persona que le permita continuar con el estilo de vida actual.

El arte es capaz de manifestarse de maneras tan raras y variadas que el día lunes 27 de agosto se llevó a cabo un performance en el Tecnológico de Monterrey campus Guadalajara en el cual, de manera efímera, se trato de representar de una forma interesante la cuestión del peligro en la actualidad.

Esta actividad consistió en portar un bote de cloro limpio y con agua purificada dentro para usarse como un recipiente común y corriente, creando de esta manera una impresión y una alteración en los sentidos de las personas que presenciaban el performance.

Dicha alteración consistía en provocar un sentido de peligro y de preocupación debido al riesgo que supone beber de uno de estos envases; de igual forma, el performance trato de reflejar, y de alguna manera hacer notar, la estandarización que existe o se puede apreciar actualmente de alguna manera debido al consumismo ya que, comúnmente, las personas adquieren todo aquello que esta de moda y de esa forma se podría decir que todos tienen lo mismo o algo muy parecido, en este caso, todos los botes de cloro que se usaron eran iguales (los tradicionales envases verdes de Cloralex).

Las reacciones en los espectadores fueron generalmente de alarma. Desde las recomendaciones del ``por qué no se debe beber de esas botellas” hasta el sorprendido y despistado que preguntaba si estaba de moda beber en botellas de cloro, lo cual demostraba una aceptación casi ciega de lo que impone la mayoría, aun cuando esto represente un daño a la salud.

De cualquier manera al final del día pareció que este experimento fugaz dio los resultados esperados y fue divertido de realizar Demostró cómo algo tan simple y breve puede causar impacto y reflejar de manera casual una expresión artística.

Peligro de beber fue el performance de bajo perfil realizado el lunes 27 de agosto en el Tecnológico de Monterrey Campus Guadalajara. El proyecto consistió en que algunos alumnos llevaran agua en un envase de cloro, la famosa Cloralex, para que tomaran agua de ella, aludiendo (y eludiendo) la típica imagen de la botella de agua con la que se suelen pasear los alumnos por la universidad.

¿Una veintena de estudiantes tomando Cloralex? La reacción inmediata de las personas que los veían hacerlo era de sorpresa. ¿Cómo era posible que anduvieran por ahí tomando cloro?. Incluso algunas personas impedían a sus conocidos que tomaran agua de esa botella aunque en el fondo sabían que no contenía nada venenoso.

La sensación de peligro era en realidad la intención del performance: sí se movieron sentimientos y sensaciones en las personas que estuvieron expuestas.

En lo personal se me hizo una gran idea el hacerlo; todos los días damos por hecho que el agua está ahí e incluso damos por hecho que el agua está muy limpia y es saludable para nosotros; pero la realidad de las cosas es que el agua no va a estar para siempre y que no siempre estará limpia y lista para que la bebamos.

Fue un buen performance porque, además de que fue hecho de manera que la mayoría del cuerpo estudiantil del Tecnológico estuvo expuesta a él, logró despertar esos sentimientos de peligro en las personas con sólo cambiar el empaque en algo que solemos hacer todos los días.

Millones de mexicanos tienen que trabajar arduamente para poder sobrevivir en este país tan desigual, donde unos cuantos tienen el poder y la riqueza del país y el resto de la población soporta sumisa los mensajes que los mismos ricos y poderosos les mandan a través de los medios de comunicación.Con el discurso de la globalización y el concepto de modernidad, las empresas envían mensajes que proponen estilos de vida a los mexicanos donde el consumo de sus productos es parte de sus metas.

Precisamente esto es lo que nos refleja Luis Alberto Calderón Bandera en su obra fotográfica 47 pesos (agosto 2007, MAZ) en el museo MAZ, Zapopan, Jalisco. Es una imagen que nos muestra el interior de un refrigerador: uno viejo, un poco oxidado, casi vacío. En la parte inferior hay algunos vegetales y en la parte superior lo único que hay son dos botellas de refresco casi vacías; una Coca Cola y una Manzanita Sol, ambas de la empresa refresquera más grande del mundo.

Desde mi perspectiva, el título de la obra, 47 pesos, hace referencia justamente al promedio de un salario mínimo en México. Si observamos la fotografía podemos observar el marco social que se quiere representar: el poco alimento que hay está por agotarse, claro, pero la mercadotecnia llega hasta las casas más pobres del país. Probablemente una familia no puede comprar un tipo de alimento más nutritivo, precisamente por su sueldo, pero la “Coca” no debe faltar jamás en una casa decente.

Exposición: Luis Alberto Calderón
Museo de Arte de Zapopan (MAZ)
Zapopan Jalisco
agosto y septiembre, 2007

En cuanto subí las escaleras de la Galería Sánchez Villanueva mi mirada se dirigió hacia esta obra, titulada El postmodernismo, un dejo de melancolía y de nostalgia en una exposición colectiva que no ostentaba nombre alguno. Segundos después me enteré que el autor de esta obra era en realidad un escultor, Salvador Chávez. Pensé que tal vez el artista se había hartado uno de esos días no tan especiales y había decidido desahogarse en este pedazo de papel. Menudo desahogo debo mencionar, ya que la obra mide unos ochenta por sesenta centímetros. Pero se acostumbra decir que si estás atorado en el proceso de terminar algo y sientes que no puedes más, es mejor distraerse en otra cosa por unos momentos, para entonces poder regresar a la labor inicial y terminarla con una mente más relajada y resuelta.

La obra consta de dos personajes, un hombre y un cuervo; la técnica que el artista decidió usar (y la cual me inclina a creer que simplemente decidió desahogarse en esa obra) fue tinta china. Simples trazos desiguales sobre una hoja de papel. E irónicamente, esta obra será más fácilmente conservada que cualquiera de los grabados que se encontraban en esa exposición, debido a que la cantidad de químicos usados fue mínima. No obstante, la simplicidad en forma se compensa en fondo.

La obra, a pesar de provocar cierta nostalgia, expresa la revelación ante el enfrentamiento que diariamente nos atormenta: la naturaleza oscura que existe en nosotros. Al tratarse de una obra con semblanza triste, inicialmente podríamos pensar que la gente triste no puede ver nada más que oscuridad. Sin embargo, nunca logramos entender que la oscuridad es un espejo. Y que la mayoría de las personas están demasiado asustadas de lo que podrían ver como para asomarse a ese espejo. El cuervo, como la representación de la maldad, la traición y conocida criatura arrebatadora de ojos, observa al hombre amenazadoramente, pero éste lo mira embelesado, con un dejo de sonrisa en el rostro como el sello de un entendimiento maquiavélico resignado, dispuesto a perder los ojos previamente vendados por estos tiempos postmodernos. Un hombre que dejó de esconderse de la negación y de la oscuridad. Y por tanto, en una sociedad tan autómata como la nuestra, de sí mismo.

Foto 1. El postmodernismo (2007), de Salvador Chávez

Autor de la foto: Mariana Sandoval

Foto 2. El postmodernismo (2007), de Salvador Chávez

Autor de la foto: Mariana Sandoval

Las construcciones que se ven todos los días de camino a las diferentes actividades diarias van desde imponentes, extravagantes, acogedoras, grandes, altas, originales, anchas, pequeñas y novedosas. Cada una de las edificaciones, sin importar su razón social, resultan por lo menos con algún calificativo de los anteriores.
Para Pedro Cabrita lo importante no es la Arquitectura o la Ingeniería sino la construcción, “el hecho humano de marcar un territorio y retar desde allí la naturaleza”. No sólo es el hecho de observar esos grandes edificios y construcciones a los cuales nombramos casa, escuela, oficina, cafetería, centro comercial…sino el poder observar que no son más que ladrillos unidos con cemento y unos cuantos detalles para hacer de este sitio uno más acogedor.
Al darle nombre y función a un montón de material acomodado de manera precisa y específica, no significa que por sí sola sea una iglesia o un museo, sino que es el ser humano es el que convierte esa cueva en una iglesia o un museo.
Si hablamos de la instalación de Pedro Cabritas en particular, resulta poco convencional desde el sitio en el que está ubicada hasta el juego de altura con la que cuenta. La Ciudad de Dentro, está en el piso 23 de Condominios Guadalajara, un edificio de 25 pisos ubicado en el centro de la ciudad. El hecho de que se encuentre en el penúltimo piso da una perspectiva especial a la instalación: mientras tratas de asimilar la obra en donde todas las construcciones no son más que un montón de ladrillos, te encuentras sobre una de las ciudades más importantes del país lo que provoca un mayor impacto por la visión de Cabritas sobre la arquitectura de las ciudades.
Al estar frente a la instalación encuentras una serie de ladrillos acomodados en grupos de tres o cuatro unidos con cables de colores. Todos los conjuntos de ladrillos tienen iluminación individual proporcionada por un foco de bajo voltaje, lo que hace que toda la instalación esté rodeada por enormes cables negros y extensiones de luz, la intención de poner luz a cada uno de los conjuntos es que proporciona un efecto de calidez a cada “estructura”, metáfora de un lugar habitado. Una particularidad de la instalación es el hecho de que ofrece libertad de movimiento que permite observar de cerca todos los ladrillos, cables y focos que la componen.

En la actualidad vivimos en la era de la comunicación, de las artes visuales y libertad de expresión. En su exposición “Tiempos Modernos” en el Museo de Arte de Zapopan (agosto de 2007), Fernando Montiel nos muestra un escenario de una habitación de una familia tradicional: un desayunador con muebles convencionales; sin embargo, este espacio tan común contrasta con un televisor viejo que transmite el canal de videos Vh1; al centro, una mesa donde un hombre de pelo largo, en bóxers, una playera sin mangas y una diadema con orejas de conejo, ve en silencio la pantalla. En el fondo y a la izquierda de la imagen, otro hombre casi desnudo, metiéndose la mano izquierda dentro del calzoncillo, tocándose sus genitales y con la mano derecha llevándose un vibrador a la boca; dirige su mirada hacia el hombre que se encuentra sobre la mesa.

Creo que esta imagen es el reflejo de la evolución de nuestra sociedad, de cómo poco a poco ha cambiado la mentalidad de las personas acerca de los homosexuales, su aceptación hacia esta determinación de género. Aunque esta imagen pudiera parecer un tanto exagerada o cruda, creo que puede ser el retrato de una pareja gay, la cual cuenta con un ambiente de armonía en su hogar pero también tiene momentos de juegos sexuales, los cuales los tienen cualquier tipo de parejas hoy en día.