heterotopo

Foto1. A3 Schinizach - Bad AG de Nicolas Faure

En Milieu, los fotógrafos muestran su preocupación por los eventos del mundo y sus mecanismos, al hombre y los lugares que frecuentan, así como la manera de desarrollarse en ellos. Pertenece a esta sección el fotógrafo Luc Chessex, de quien fueron las obras que más captaron mi atención.

Foto2. Del álbum Alrededor del Mundo de Luc Chessex

En la fotografía2, Chessex muestra un evento muy importante como lo es la religión envuelta con cierta ironía. La religión promueve la no violencia y el amor entre nosotros, los seres humanos, así como el ayudar a nuestro prójimo, pero en la realidad la violencia esta a la vuelta de la esquina, y utilizamos la religión para parchar las heridas que esta nos ocasiona, ya sean físicas, emocionales o sicológicas. Nos refugiamos en ella para no perder la esperanza y encontrar el valor para seguir adelante, es así como yo interpreto lo que Chessex quiere expresar en esta fotografía.
Foto3. Del álbum Alrededor del Mundo de Luc Chessex

En la fotografía3 se puede apreciar el choque entre el mundo antiguo y el mundo moderno. Al nacer pertenecemos ya a una cultura de la cual debemos de estar orgullosos, o por lo menos eso sería lo ideal, pero de ser cierto ¿por que hay gente que cambia o corta sus raíces de tajo ante la menor oportunidad? ¿Será esto el resultado de la globalización? ¿O simplemente es un choque constante que se forma entre las tradiciones y la modernidad? Esta fotografía nos demuestra ese preciso choque cultural entre nuestro pasado y nuestro futuro. Con este mundo globalizado es claro que la modernidad se ha convertido en nuestra cultura llevando casi a la extinción nuestras raíces culturales, pero mas que nada lo que Chessex nos quiere mostrar, o más bien cuestionar es si hay lugar para las tradiciones en la modernidad, es decir, si habrá alguna forma de que puedan convivir estas dos o si nuestras tradiciones serán desplazadas por la modernidad.

Por otro lado, esta la Media, en la cual los fotógrafos presentan una estrategia (la manipulación, la puesta en escena, y la intencionalidad) con el fin de cuestionar las maneras de percibir establecidas por los medios de difusión. En esta sección se encuentran obras en las que son realmente difíciles de determinar la forma del objeto que es fotografiado.

Como algo extra, dentro de la exposición se presentaron film portraits, motor de imágenes. Estos eran videos colocados en televisiones distribuidas aleatoriamente por toda la exposición, en donde cada video te daba a conocer los talleres de los fotógrafos de la exposición, así como una pequeña reseña de sus trabajos, a fin de que al conocer un poco más al autor pudieras observar con mayor profundidad su obra.

Un buen detalle de esta exposición fue la labor de los curadores, ya que si bien no metieron color de fondo a las fotos, acomodaron la exposición de manera que no fuera aburrida a fin de compensar la falta de color en toda la sala. Así que lo que hicieron fue acomodar las obras de tal manera que no tuvieras que caminar en línea recta para verlas. También revolvieron las obras para que no quedaran juntas las de un solo tema, sino intercaladas. De esta forma, si querías podías adivinar, por lo que te expresaba a ti la fotografía, a cual de los tres temas pertenecía, y después podías comprobarlo con los folletos, en donde clasificaban a los fotógrafos dentro de los tres temas.

Ficha Técnica
Nombre de la Exposición: Photo Suisse
Autor: Varios
Técnica: Fotografía
Lugar: Zapopan, Jalisco
Fecha: 23 agosto 2008
Curadores: José Vanegas, Sergio Gómez y Ernestina Garibay

Fotos en el post: Rosalinda Robles

El mundo es extraño. Nuestra ciudad, nuestros pensamientos, el vecino y sus malas y extrañas costumbres, la comida de nuestras mamases cuando andan de malas, servirte un vaso con leche y darte cuenta que está cortada hasta el segundo trago. Estamos rodeados de extrañezas, y en algunos casos de surrealismo... de repente, pues. Así, fue extraño y surreal programar la vida misma para ir al Museo de Arte de la Rectoría de la UDG para descubrir desafortunadamente que estaba más cerrado que el debate energético en San Lázaro y Xicoténcatl. Frustrado, acompañado de una buena amiga, fumando un cigarrillo y cámara en mano, me senté en una maltrecha banca en la denominada Rambla Cataluña, que debería ser Catalunya, pero estamos en México y así es el español, con nuestra querida n y su sombrero.

Foto 1: Rambla, Cine, Vaca y Persona aleatoria con colores locochones.

Foto 2: Vaca espacial.

Foto 3: Placa de la Rambla y la Vaca araña, vaca araña, atrapa a todos con su telaraña ♪♫

El asunto aquí es lo maravilloso de la mancuerna arte-calle. Una obra expuesta a la intemperie, al vandalismo (de gente muy alta) y a los plaqueros, grafiteros y gañanes en general. Expuesta al máximo nivel, esta vaca es un pequeño punto de arte en el lugar menos esperado (junto a un cine abandonado con banderas huelguistas ya incluso descoloridas), donde nos damos cuenta que con la debida habilidad -y permisos- puedes lograr llamar la atención de muchas personas que se tomen el tiempo de observar a su alrededor no con mucho detenimiento. Así, también queda en manifiesto que los museos no son completamente necesarios ni inherentes al arte; el arte puede mostrarse de las maneras en que menos nos esperemos, donde menos nos imaginemos.

Foto 4: Una banca en la rambla. No tiene nada que ver, pero me gustó la foto.

Posdata: Esa plaza ni siquiera es una rambla, porque según la Real Academia Española, uno de los significados de rambla es: En Cataluña y otras zonas de Levante, calle ancha y con árboles, generalmente con andén central. Y es triste, porque ni está en Cataluña, ni tiene árboles, ni tiene un andén central. Pero suena bien elegante.

FICHA TÉCNICA
Nombre de la exposición: La vida misma.
Autor: Algún aficionado al arte.
Técnicas: Vaca, pintura para exteriores, surrealismo, permisos del ayuntamiento y mucha paciencia.
Lugar: Rambla Cataluña. Av. Vallarta y Escorza.
Fecha: Visitada el 23 de agosto de 2008
Fotos en el post: Ricardo García Hernández.

En ocasiones ni siquiera nos detenemos a pensar en que puedes encontrar al vagar por la ciudad e, irónicamente, en eso iba pensando cuando dí con una exposición de cuadros dentro de la estación Juárez de la línea del tren ligero. No iba preparado para ello, se nota en las fotos (que son de celular) pero hice lo mejor que pude para tener un registro de la exposición. La exposición exhibía el trabajo de dos artistas, Nitzaye Ruiz y Enrique Loza.



Nitzaye Ruíz
Al principio, los cuadros del lado de esta exposición fueron los que más llamaron mi atención y, por consecuencia, fueron los primeros que me detuve a observar. Aunque tenían algo curioso y llamativo, honestamente no podía forzar a mi gusto por algo que no es su estilo. Algo que salta a primera vista es el realismo bidimensional en que son plasmados los elementos (ya sean reales o ficticios). Su expresión de la figura humana y las latas de sopa son fieles a como deben lucir frente a nuestros ojos y los matices de colores le dan vida y brillo a cada uno de ellos. Sin embargo, en mi opinión, por más bien pintada que está la obra, la sentí carente de vida y poco expresiva; es cierto que se requiere una buena técnica para poder producir una imagen de ese tipo, pero no podemos pasar por alto la falta de comunicación de la obra. El autor simplemente no entra en comunión con su público y en el mundo del arte, eso es un pecado mortal. Nitzaye tiene un estilo muy pop, al menos un pop muy mexicano que puede verse en el uso de sus elementos y colores, como lo es la tradicional sopa Campbells y los personajes de la lucha libre, con brillantes azules, amarillos y rojos. En mi opinión, el cuadro es muy bueno, pero el silencio de su aura no nos deja más sentencia que el afirmar que realmente no es arte.
Enrique Loza
Frente a la exposición de Nitzaye, como si se tratara de un duelo, estaban los cuadros de Loza. A primera vista, uno se da cuenta que son estéticamente más complejos y más compuestos que los de Nitzaye y es necesario analizarlos de cerca para poder entender de que se habla.
Loza apela principalmente a la inocencia infantil al usar en todas sus obras (al menos en la exposición) elementos infantiles muy conocidos en una ejecución que, de primera instancia, se pensaría que está dirigido exclusivamente para ellos. Esta vez, contraria a la otra exposición, los cuadros de Loza me gustaron bastante, incluso más de lo que imaginaba al verlos del otro lado de la habitación. Tiene una muy buena composición y llevan un ritmo estable haciendo que los colores se mezclen y armonicen en lugar de hacerlos botar a la vista del ojo. También es posible ver en la obra de Loza, una curiosa inspiración en la combinación de la corriente del Dadaismo y el Surrealismo, pero con ese toque especial que el autor le da a todos y cada uno de sus cuadros. Lo más importante a observar en la obra de Loza es que, a diferencia de la exposición frente a ella, logra transmitir esa serenidad de la inocencia al momento que la absorbe dentro de unos colores más oscuros y tenebrosos, el contraste entre esta luz y oscuridad (un enfoque similar al de Tim Burton, pero menos ejecutado) es lo qeu hace que la obra hable y cause una mezcla curiosa entre melancolía y serenidad al expectador que, en mi opinión, lo dice todo de la obra.
Post by: Axel "Lobito" Castellanos

Su nombre es Rogelio Hernández Martínez, ahora mejor conocido en el medio artístico como “Rogere,” y verdaderamente es así como prefiere que lo llamen. Su figura misma intriga desde el momento en que se le ve, pues su alta estatura y su prominente delgadez lo vuelven aún más misterioso para aquellos que no lo conocen. Pareciera que pudiese desplazarse de un sitio a otro con la tremenda necesidad de atraer la atención sobre él. Nace en la ciudad de Guadalajara el 13 de junio de 1984, realiza gran parte de sus estudios en el Liceo del Valle y se traslada a la Ciudad de México a los doce años de edad. Lugar donde descubre su talento y lo explota de manera grandiosa, pues a su corta edad es invitado a exponer dentro de un marco cultural celebrado en la capital de nuestro país. Regresa a la ciudad de Guadalajara y continúa con la pasión que desde niño le había venido a cambiar el mundo. Sus padres deciden que ingrese a clases de pintura, pero él renuente no se siente identificado con lo que ahí intentan enseñarle y desiste. Ingresa al ITESO para llevar estudios en arquitectura, pero es entonces que reconoce que su mayor pasión era la pintura y no el estudio especializado, dejando la universidad y enfocándose en lo que le daba sentido a su vida. Durante los últimos años Rogelio ha ido experimentado con distintos estilos y técnicas que finalmente lo han llevado a descubrir que su gusto yace en el óleo y en temáticas mucho más personales e íntimas. Es precursor del sentimiento, pues para él su obra debe expresar lo que él como artista, en su momento, llevaba por dentro.


Foto 1. Primera fantasía de un ángel (2006), de Rogelio Hernández Rogere

Entrevista:

- Resume tu obra en unas cuantas líneas:Mi obra se centra en reflejar lo que he vivido, cada uno de mis cuadros representa alguna emoción o situación por la que en ese momento atravesaba. Me gusta expresarme, dejar lo que siento, no seguir un estándar o una manera de pintar, pues considero que el artista debe tener su propia libertad.


- ¿Quién es Rogelio Hernández Rogere?
Me gustaría decirte que soy una persona fuera de lo normal, excéntrica, y quizás lo sea, tú mismo me lo podrías decir, pero me gusta pensar que vivo la vida y que la disfruto, que quizás he tenido la oportunidad de plasmar lo que veo en el mundo para que los demás lo vean y de algún modo me entiendan.


- Tú obra de qué se nutre, ¿de una época? ¿sentimientos?, de ser así, ¿en general o alguno en específico?De sentimientos sin duda alguna. No me imagino pintado algo que no involucra alguna parte de mí en lo que hago. No, no creo que sea alguna emoción en específico, me mueve todo, la vida es mi gran motor.


- Precisamente, hoy el mundo sufre de tanta desolación y de la necesidad de interactuar con otros seres humanos. ¿En tu obra que crees que logre identificarse con la gente?Mi obra se conecta con las personas porque viene de la realidad, de otro ser humano que siente igual que ellos, que sufre y goza del mismo modo en que ellos lo hacen. Si logro plasmar eso en mi pintura, entonces mi labor con el espectador está hecha.


- ¿En qué posición se encuentra el arte en la ciudad?Para serte sincero siempre he creído que Guadalajara ha sido una ciudad atrasada, a la que le hace falta despertar y despegar. En la actualidad he visto un mayor interés y un auge, quizás porque la ciudad misma se ha transformado y se ha convertido en algo completamente distinto que ahora me gusta y de lo cual me nutro.


- No tienes banderas, no respondes a modas o tendencias, o al menos eso es lo que se ha percibido, ¿crees haber recibido influencia alguna? De ser el caso de ¿quién precisamente?Es cierto que he tenido y aún mantengo mis influencias, pero no, me gusta pensar que lo que hago lo hago por mí mismo, sin necesidad de apegarme a una forma de pensar.


Foto 2. She said I’m a dream (2008), de Rogelio Hernández Rogere


Foto 3. Memorias de Tommy Lee Jones (2008), de Rogelio Hernández Rogere

FICHA TÉCNICA
Nombre de la exposición: Visita al estudio personal del artista
Autor: Rogelio Hernández Rogere
Técnicas: Óleo y técnica Mixta
Lugar: Col. Americana, Guadalajara, Jal.
Fecha: Agosto 2008
Fotos en el post: Felipe Hernández Leal

Este blog habla del arte en Guadalajara, por lo general es arte que se encuentra en exposiciones, museos y galerías entre otras cosa. Sin embargo yo buscaba encontrar arte afuera, en la calle, en lo cotidiano. Mientras pensaba en donde buscar fuí a Galerias de compras con unos amigos. Afortunadamente, ahí encontre una obra de arte. Vi a una niña con unos zapatos que me encantaron. Le díje de mi proyecto de arte, y de cómo yo quería encontrar arte en la calle, no en vitrinas. Le pregunte sí podía hacer mi trabajo sobre sus zapatos y amablemente se los quito para que les pudiera tomar una mejor foto. Para mí, sus zapatos eran arte, y creo que cada vez es mas común la idea de llevar el arte al mundo de la moda.



El mundo del arte y de la moda cada vez se fusionan mas. Esto se puede apreciar desde artistas consagrados colaborando con marcas como Converse, Stuart Weitzman, Nike, entre otras. Y con exposiciones de casas de moda en recintos sagrados, como se considera a algunos museos. Un ejemplo de esto fue la exposicion de Ferragamo en El Palacio de Bellas Artes en la Cd. De Mexico o la fiesta que dio Kenzo para promocionar su perfume tambien en en Bellas Artes.



“Para que quiero pies, si tengo alas para volar.” –Frida Kahlo. Esa frase de la célebre pintora mexicana esta escrita en las agujetas de 3 modelos lanzados al mercado el año pasado por la marca Converse. Converse diseño estos modelos como homenaje por el centenario del natalicio de la artista que ha logrado cruzar fronteras. Este es un excelente ejemplo de cómo la moda y el arte van de la mano. Como dije anteriormente Converse no es la única marca en conjuntar el arte y la moda. Los tenis Air Force 1 de Nike tambien se destacan por ser tanto una obra de arte como un must entre los cantantes de Hip-Hop, R&B, etc.







En conclusión, aunque hay espacios especialmente diseñados para el arte, este puede ser encontrado en los pies de alguien, en la calle, o en un museo. Quiero finalizar con una frase que lei en el museo Cooper-Hewitt de Nueva York. “Bullshit is bullshit, unless it is really well done, then it’s art.”

De pasada mientras me conducía por Chapultepec me encontré con una exposición fotográfica llamada Créme de la Mer, que en español significa Crema del Mar cuyos autores son Emanuel Tovar y Rodrigo V. Guerrero.

Foto 1: Símbolos de la Generación en Movimiento, Emanuel Tovar 2008

Foto 2: La flecha fría, Emanuel Tovar 2008

Hace ya bastantes años desde la era griega, las exactas proporciones eran consideradas como características de belleza, de hermosura, de divinidad, digno de los dioses. Hoy por hoy y casi desde siempre la sociedad ha impuesto ciertos cánones de belleza que la mayoría de nosotros sigue constantemente. Mientras que en Europa una mujer delgada y blanca es considerada un símbolo sexual, en la India una mujer obesa es considerada como símbolo de belleza y riqueza. Cada persona en este planeta Tierra tiene un propio criterio, ideas diferentes, muchos puntos de vista, esto hace que el ideal de belleza no encaje siempre en todos, hay belleza para todo y para todos al igual que el concepto de fealdad que es del mismo modo muy subjetivo.

Foto 3: Circulación Sanguínea II, Emanuel Tovar 2008

Foto 4: Logan, Rodrigo V. Guerrero 2008

En esta exposición fotográfica se muestra otro punto de vista, otra belleza, otra fealdad.

“En gustos se rompen géneros” como dicen por ahí y en esta sesión fotográfica se cumple perfectamente, se muestra el “otro punto de vista”, el otro gusto, la otra manera, the other side of the blade (el otro lado de la espada).

Foto 5: Cantante de Ópera Piedad, Rodrigo V. Guerrero 2008

Foto 6: Circulación Sanguínea, Emanuel Tovar 2008

Aquí, Emanuel Tovar y Rodrigo V. Guerrero juegan con la estética humana, hacen distorsiones, modificaciones, monstruos y dioses…

Foto 7: Hombre Lengua Larga Ramón, Rodrigo V. Guerrero 2008

Foto 8: Alterofilico Ricky, Rodrigo V. Guerrero 2008

Foto 9: Los Pigmentos y el Movimeinto Infinito, Emanuel Tovar 2008

Como dijeron Lilián Bañuelos y Gabriela Gonzáles “la fascinación por la metamorfosis por la que atraviesa nuestra cultura, no es más que el cuestionamiento de la identidad y de su fragilidad, de la diferencia del “yo” y los “otros”, del gozo y del dolor de perder una parte de sí mismo, y de su propia humanidad, para abrirse a las nuevas posibilidades de ser y vivir dentro de ciertos estándares o prototipos de belleza”.

Foto 10: La Flecha Cálida, Emanuel Tovar 2008

FICHA TÉCNICA

Nombre de la exposición: Créme de la Mer

Autor: Emanuel Tovar y Rodrigo V. Guerrero

Lugar: Calle Chapultepec

Fecha: 2008

Fotos en el post: Mariana Valdez

Un domingo cualquiera por la mañana, donde en la calle de Juárez circulan bicicletas, gente en patines o caminando, se pueden apreciar diferentes exposiciones de arte en el Ex Convento del Carmen. De frente a la fachada del convento, se puede ver una orquesta sinfónica que toca un ritmo de los años cincuentas. Al entrar, hay una exposición del Pintor Othon Tellez. Este famoso pintor que cursó sus estudios de pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y a la par estudiaba Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México, es ahora el actual director del colegio.


Como artista visual contemporáneo ha participado en más de 37 exposiciones individuales y más de 90 colectivas, nacionales e internacionales. Ha entrado en las artes escénicas en la realización de escenografía, vestuario, iluminación, producción y dirección artística de diversas obras de teatro, cortometrajes y mediometrajes.

Al entrar a la salas de exposición, se ve claramente la separación entre aquellas pinturas en blanco y negro, y las que están llenas de colores. Pareciera que el pintor decide hacer esto para cambiar de perspectiva y humor al espectador, creando primero un lugar místico queriendo conocer la mente del artista y después pasar al lado alegre y destellante de su imaginación al ver el colorido de su obra.

Su Arte es totalmente contemporáneo, donde su manera de plasmarlo es muy original provocando choques entre líneas, curvas, puntos, círculos y destellos. Mi pintura favorita fue el llamado “Centro de Cetáceos” por como juega con los colores, en general el azul, llega a tomar curvas grandes y las termina en líneas rectas logrando una pintura muy interesante.

Uno piensa en un artista e inmediatamente vienen a la mente montones de imágenes, de estereotipos o modelos, es imposible no tener una idea mental de determinado concepto. Obviamente no todos pensamos en las mismas cosas y por lo tanto, no todos tenemos la misma idea de lo que es un artista. Pero más allá de esto hay cosas en las que no pensamos y yendo un poco más lejos hay imágenes que jamás nos pasarían por la cabeza. Y es una de estas imágenes de la que quiero hoy escribir.

Su nombre es Jesús Machorro Ruíz, nació en la ciudad de Morelia hace ya unos 41 años. Y fue allí mismo donde yo lo conocí. Sentado enfrente de la catedral de la ciudad, con sus obras cuidadosamente alineadas, espera tranquilo, sin molestarle las miradas de la gente desinteresada e incluso las de aquellos que pudieran despreciar su trabajo. El simplemente espera a cualquier persona interesada en su trabajo, aunque sea simple curiosidad, tranquilo. Así fue como yo lo encontré.

Jesús es pintor desde hace 14 años y en la pintura encontró la razón de su existir. Sus pinturas son paisajes principalmente, como buen michoacano encontramos en sus cuadros muchísimos lugares característicos del estado. También maneja temas religiosos y es que el mismo se reconoce como un fiel católico. Otro detalle de sus trabajos es el gusto por los colores fuertes, vivos. El contraste que trata de dar en la mayoría de sus cuadros es, a mi forma de ver, una de sus mejores características. Sus trazadas son toscas, vivas, intensas, carentes de detalles pero llenas de pasión. Uno ve las pinturas, y pudiera pensar que no es gran cosa, que cualquiera puede hacerlo, sin embargo, estas pinturas, así como las ven tienen algo extraordinario.

Y son las circunstancias en base a las cuales fueron hechas, es exactamente lo que les da su valor. La obra de un artista se puede valorar precisamente en base al contexto en la cual se ubica. El contexto social, geográfico, político y en este caso además, el contexto personal del artista. Y es en base a esto que considero a Jesús como un verdadero artista.
Jesús Machorro Ruiz, el menor de cuatro hermanos, nació con parálisis cerebral. Incapaz de controlar su cuerpo, con dificultades en el habla y dependiente en la mayoría de sus necesidades personales, Jesús ha encontrado la manera de expresarse y es su especial espíritu de lucha y superación, y sobre todo su fuerza para captar, con su singular mente, la belleza de la vida y plasmarla en la manera que lo hace sobre el lienzo, es lo que lo ubica como un verdadero artista. Y es que finalmente que un individuo encuentre la motivación, la fuerza, la voluntad para tomar un pincel con la boca y dedicarse a pintar es absolutamente sublime. Aún si sólo pintara líneas y bolitas (lo cual no lo hace), esa capacidad de querer vivir por medio del arte, es simplemente una manifestación de la belleza humana. A través de sus obras, expresa el amor no sólo por el arte, sino por la vida. Un cuadro de este hombre, es un testimonio material de la capacidad del hombre para salir adelante. Es una declaración de optimismo. Tratar de hablar con él es literalmente un reto, sin embargo a través de sus obras pareciera que logra expresarse, por momentos puedes entender lo que de hecho no parecen más que gemidos, lo cual es exactamente la finalidad del arte. A través de sus cuadros conocemos su realidad. Sus pinturas son su peculiar y especial manera de ver el mundo, te lo digo por si alguna vez te preguntaste cómo ve el mundo una persona como él.

Nota: Jesús Machorro Ruiz es miembro y becario desde el año 2000 de la Asociación Internacional de Pintores con la Boca y con el Pie, con sede en la ciudad de México. Desde 1998 ha hecho más de 50 exposiciones tanto individuales como colectivas. Actualmente reside en la ciudad de Morelia, y tiene un espacio permanente los domingos en el Jardín de las Rosas.

Hace unos pocos años me encontraba en una galeria de arte pop en Las Vegas, la verdad no soy muy fanatico del arte pop pero entre porque me llamaron mucho la atención unos cuadros. Cuando le pregunte al encargado que quien era el artista responsable de estos cuadros tan divertidos me conto que se trataba de un nuevo artista que se hacia llamar "David and Goliath".
Los cuadros eran chistes graficos, unos en doble sentido y otros bastante explicitos. La verdad parecia que los habia dibujado un niño de 12 años, pero aun asi los cuadros irradiaban una genialidad impresionante y facilmente podrian darle muchisima alegria y color a cualquier hogar.

Esta corriente me hizo pensar que el arte podria ahora comenzar a tomar un aire un poco mas relajado y con mucho tono humoristico, en especial para la gente que se toma la vida demasiado en serio y vive con muchas preocupaciones. El simple hecho de llegar a tu casa y ver en la pared de tu sala una obra de arte chistosa podria regresarte el buen humor facilmente.

Lo interesante es que pocos meses despues el artista decide lanzar una linea de ropa con sus cuadros. Al principio la idea se me hizo super original porque, en lo personal, siento que el arte pop luce mucho mas en la ropa que en un cuadro. De un año a la fecha la marca se puso muy de moda y ya tienes a artistas como Rihana, Britney, Miley entre otras usando las playeras y pocos meses despues todas las niñas en Estados Unidos tenian sus playeras de David and Goliath.
Es en este momento cuando me pregunto que tan buena habra sido la idea de comercializar con estas obras de arte. La idea de los cuadros me encantaba porque sabía que nadie mas iba a tener el cuadro de "Peas on Earth" con los chicharos encima del mundo, pero la idea de tener una playera igualita a la de otras mil personas hacia que tanto el artista como la obra perdiera toda la originalidad y la exclusividad.Lo peor viene despues cuando otras marcas intentan copiar los diseños del artista al mismo tiempo que en otros lugares salen las mismas playeras con los mismo diseños pero en piratas.

Y tres años despues de encontrar a quién, en mi opinion, iba a ser el artista mas emblematico de la generación me encuentro con la desilusion mas grande que me ha dado el arte pop en conjunto con la mercadotecnia. Que trizte es pensar que los artistas de nuestros tiempos solo se preocupan por ganar dinero y que los nombres que deberían marcar nuestra epoca van a terminar siendo Dolce & Gabbana, Giorgio Armani, Miucia Prada o hasta el peor de los casos Ezra Fitch.