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El arte es una de las actividades mas antiguas de la humanidad, en las que el ser humano manifestaba sus sentimientos, ideas, sus deseos o simplemente cualquier cosa que viniera a su mente; manifestaciones artísticas como las pinturas rupestres, las obras en las que la perfeccion de la figura humana lo eran todo, los paisajes y hasta las mas bellas melodías de genios como Beethoven o Mozart. 

“Tu Lugar” es una galería de arte en la que, desde el exterior, se advierte una atmósfera misteriosa, sin embargo, una vez adentro cambia a ser un lugar acogedor, decorado con las pinturas de Ricardo Sánchez Padilla. Son obras de arte novedosas, ubicadas justo en la línea que divide lo abstracto y lo realista. Muchas de ellas tienen un enfoque sexual, sin dejar de lado la estética. Varias de sus obras son en tercera dimensión, involucrando al espectador con el concepto que maneja en cada una de ellas.

En esta pintura hace su autorretrato al momento de pintar, expresando los sentimientos e ideas que cruzan por su cabeza cuando realiza su arte. El fondo en negro hace resaltar el rostro y la mano, además de que ambas se localizan en la parte superior derecha de la pintura, atrayendo inmediatamente la atención del espectador. La pintura es simple, con muchos simbolismos y un manejo de sombras que hace un ambiente misterioso del cuadro. Las líneas de las cadenas hacen que el espectador inmediatamente se fije en el rostro, sobre todo en la mirada concentrada que el artista expresa al momento de crear.

En otra de sus pinturas maneja cómo el ser humano se encuentra entre dos mundos, dos espacios en el que se desarrolla su vida. El rostro está delicadamente diseñado en alambre, conservando a la perfección los rasgos, combinando la pintura con la utilización de otros materiales que, empalmados, pueda dar una sensación de presencia de los personajes, llevándolos más allá de sólo dos dimensiones.

Generalmente sus obras se caracterizan por predominar los colores simples, con un leve manejo de sombras en la mayoría de las ocasiones y con una gran carga simbólica. Además de sus pinturas también están en exhibición sus esculturas, donde hace uso de distintos materiales, como madera o metal, donde su trabajo es sumamente delicado y detallista. Los temas de sus obras tienden a expresar la desesperación o angustia, retratando en muchas de ellas la realidad que alguna vez vivió el autor, así como una constante crítica social.

El ambiente de este café/galería es inspirador, lugar al que las personas pueden acudir a relajarse y conversar, además de que en el segundo piso, por la noche, van artistas a participar mostrando sus talentos y a compartir sus experiencias. El pasado viernes 30 de enero cerraron sus puertas, pero reabrirán dentro de algunos meses en una mejor locación.

Más información:

http://mx.geocities.com/ricardo_sanchez_padilla/

http://ricardosanchezpadilla.artelista.com/

A través de los años, el hombre ha intentado plasmar su realidad, su pasado, su presente y su futuro, por medio de esculturas, la piedra, el calor del barro, eran los primeros, medios para moldear sus diferentes formas de ver el mundo y lo que los rodea. En el tiempo moderno viene la fotografía, instrumento que deja plasmada, no solo una imagen, un momento, una emoción, que duraran para siempre, capturados en una hoja de papel, pero en ese momento deja de ser solo una simple hoja de papel por todo lo que a partir de ese momento lleva guardada. En esta exhibición que tiene lugar en el museo de arte de zapopan se unen a la par dos artistas: el escultor Javier Marín y el fotógrafo Pedro Meyer.

En la primera parte de esta exhibición, el escultor deja atrás la tendencia del barro, utilizando su estilo propio, a través de la solides del bronce, en fusión con la resina creándolo un dialogo natural entre materiales, este trabajo es una muestra de 20 años de esfuerzo, de mira en torno a sus materiales de trabajo, esta muestra fue formada por sus piezas de registro y jugando con ellas de manera excepcional, creando una danza compartida, también, entre otros materiales como: tierra, tabaco y amaranto con resina de poliéster, haciendo una mezcla entre lo orgánico y lo inerte, otorgándoles un alma propia. el artista se centra principalmente en el ser humano, en su perfección y en su desperfecto a la vez, jugando con los elementos, demostrando que aunque se esté dividido, aunque nada tenga sentido, a la misma vez se forma un solo ser.

Estas esculturas fueron hechas en amaranto y resina de poliester.

En la parte alta de la muestra, este indiscutible
fotógrafo nos deja conocer de una manera muy profunda y muy intensa, su corazón, el amor hacia sus padres, pequeños instantes, que nos hacen saber, quienes son, y quienes somos, de qué manera nos ayudan a caminar a la entrada de esta vida y también a salir de ella, en su obra se muestra un gran amor y admiración a sus padres, con imágenes tan sencillas como tan reveladoras y fuertes a la vez, como paso a paso la perdida de ellos. Juega de una manera, interesante, con los sentimientos y la historia, en este caso su historia personal. Como el titulo de su obra lo dice Fotografió para recordar.

Ser joven no siempre es ventaja, mucho menos cuando se convierte en el primer prejuicio de un vendedor de antigüedades. Quizá con una barba y bigote tupido, boina, pipa sin tabaco, unatuendo estrafalario y treinta años más, me hubieran echo caso, por lo menos tomado enserio.

Pues ¿qué puedo saber yo de antigüedades si apenas tengo poco más de dos décadas de vida?

Tres galerías de antigüedades visitadas, ninguna me tomó con seriedad, más bien yo era peligroso en la tienda (como si conocieran mi torpeza y distracción para tirar cosas frágiles). Pregunté con seguridad: “¿cuánto vale esta pintura? (de estilo virreinal y firmada en 1958) respondían en una afrenta: “treinta y cinco mil pesos”.

Para calcular el nivel de soberbia le pregunté: “y ¿a qué se debe el valor? ¿cómo sabes que esta pintura vieja, no la hizo alguien la semana pasada, para que parezca antigua?”. El señor inclinó su cabeza, bajó sus lentes a la punta de la nariz y me miró por el espacio que queda entre la parte baja de las frente y encima de los lentes, esa mirada de desprecio. Y me dijo: “a muchos factores (sin decirme cuales), los materiales no pueden ocultar la edad, hay gente que los entierra para que parezcan viejos, sólo echan a perder las piezas”.

No quise preguntar más, miraba en silencio, con detenimiento y sin asombro, creó que eso le molestaba más. Él me vigilaba como quien pone toda su atención y aparenta estar haciendo otra cosa.

Cristalería detallada al extremo, muebles rústicos (entre más grandes y atascados de adornos más caros), oleos románticos (la réplica en dimensiones de la mona-lisa, ¿quizá es la robada? O ¿será que la verdadera mona-lisa es la que está en todas las casas del mundo?), sillas viejas, mucha porcelana china, tocadores, un reloj como el que hay en casa de mi abuela, esos que cada hora despiertan a la colonia, muchas piezas en bronce, intentos de estatuas de mármol, el mejor de todos sin duda por ser la impresión inborrable y más desagradable, un enorme cristo crucificado.

Tenerlo en un espacio tan pequeño y verlo tan de cerca es más peor aún que verlo en el templo todos los domingos , en verdad esa es una obra de arte, ¿cómo metió semejante cristote en su tiendita? Ese sí es un desafío total, el cristo totalmente cubierto de polvo, en una posición inclinada hacia la izquierda como si se fuera a caerse de la cruz.

Lo más interesante es el celo de los galeros de antigüedades para escoger sus piezas (en una galería el señor sólo atiende con cita, tiene a la vista pero cerrada, te atiende si vas a comprar, nada más), a diferencia de un museo, la obra de arte de un galero de antigüedades es en sí la suma de sus obras escogidas.

La lección es: ni conservando y atesorando piezas del pasado puedes escapar del cambio. El tiempo es el valor de sus piezas. Conocen la dinámica a la perfección y si entras a la galería piensas que es inmutable, inamovible, más su galería no es estática, mañana llegarán nuevas-viejas piezas, se venderán otras y la tienda no será la misma de ayer.

“Este joven artista que ha conseguido ya pleno reconocimiento internacional ha desarrollado en su trabajo aspectos del arte que históricamente son universales. Partiendo de la figura humana como lenguaje formal, aborda múltiples temas, desde la fragilidad de la existencia hasta la condición del hombre transformador del mundo, sin dejar de lado el valor que la materia tiene para transmitir significado.” (El Informador – Enero 14 2009)

El arte de Javier Marín, escultor, llegó al Museo del Arte de Zapopan el viernes 16 de Enero y hasta marzo el museo va a exponer 66 piezas del artista que tratan con el tema de imperfección. Sus piezas son de figuras humanas y la mayoría de ellos son de resina y bronce. Sus obras más conocidas son muy grandes y muy fuertes, pero los que son más pequeños como “Hombrecitos y Mujercitas” (de 2001) producen el mismo efecto para esforzar su mensaje.

Marín nacío en 1962 en Michoacán, México y su arte refleja las influencias de las tradiciones de artistas internacionales pero también de su propia cultura. Por ejemplo las figuras “Hombrecitos y Mujercitas” son parecidas a las obras de mármol de la época renacimiento. Pero las caras de sus figuras son de origen étnico, quizás de una influencia Azteca o de los Mayas. Es posible que representen muchas personas indígenas del mundo que fueron rápidamente y violentamente apretado en la edad moderna.

Su arte represente el imperfección y el declive de humanidad. Las figuras son compuesto de partes diferentes por metal pero no unen perfectamente y por eso producen algo muy trágico y llena de angustia.