LATITUDES CORNEAS/ Jose Manuel Castañeda



Latitudes Corneas es una exposición organizada por el MAZ, Laboratorios Julio y El Ayuntamiento de Zapopan, es una pequeña exposición de no mas de 35 fotografías, las cuales reflejan a diferentes sociedades. latitudes es porque existe la latitud New York, Latitud Cuba, Latitud Tibet, Latitud Perú, etc... y en cada latitud se reflejan a la sociedad de la misma por ejemplo en la latitud cuba hay una fotografía donde se muestra una calle cubana y varios cubanos negros y al frente a un hombre disfrazado con la mascara de Scream, el personaje principal de la película. los cubanos negros se le quedan viendo asombrados al hombre disfrazado ya que no es parte de su sociedad pero si esta reflejado en la fotografia de su latitud. en la otra fotografía, esta una señora peruana vestida con ropa típica y una llama detrás de ella, y de fondo una pradera. refleja la latitud peruana muy bien. se me hace una excelente idea esta exposición por que no es una típica exposición sino que la idea de jugar con las latitudes y separar la exposición en cada latitud para reflejarlas mejor se me hizo una excelente idea realmente disfrute la exposición por esta idea aunque no tanto por las fotografías en si.



José Manuel Castañeda

fotografias:
Latitud Peru - Enrique Corona
Latitud Cuba - Rafael del Río

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 1 Comment

"DROP DEAD GORGEOUS" / Miguel Duarte

El miedo y la satisfacción, lo pop y lo oscuro, el consumismo y el ser consumido, escenas que parecen salidas de una película ochentera de terror clasificación “B” en donde las víctimas son mujeres jóvenes y los victimarios son objetos gringos de consumo que aparecen como monstruos. Daniela Edburg se burla y a la vez alimenta nuestros antojos con “Drop Dead Gorgeous”.

Daniela Edburg nació en Houston en 1975, y creció en San Miguel de Allende. Estudió artes visuales por parte de la UNAM en la Academia de San Carlos en la ciudad de México, donde actualmente vive y trabaja.

Esta exposición se encuentra en el Museo de Arte de Zapopan (MAZ) dentro del 12 Bienal de Fotografía.

A primera vista las fotografías de esta colección son visualmente impactantes. Al entrar al museo es lo que más capta la mirada. Primero descubres que son estéticamente satisfactorias pero al observarlas más puede parecer algo horrible, incluso provocar repugnancia.

El detalle es muy elaborado, ofreciendo una variedad amplia de elementos que le dan vida a la fotografía, sin embargo lo principal siempre es la víctima y el producto que parece estarla consumiendo, el cual casi siempre es un producto de marca estadounidense. El consumismo que termina por consumir al propio consumidor, en este caso consumidoras.

Los escenarios son lugares que resultan familiares y cotidianos. Una cocina, una sala, y un jardín son algunos de los lugares donde se desenvuelven estas escenas. Parece que todo se desenvuelve en el lugar habitual o en los hogares de las víctimas.

Encuentro que todo esto tiene un cierto aire de seducción, no sé si sea por el tema de la muerte que te hace apreciar lo repentino en que las cosas terminan o por las mujeres, tal vez por la combinación de las dos. Además de que parece ser que lo que te puede causar placer en un momento puede hacerte sentir culpable después.

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

ORGULLO PIEDADENSE / Jonathan Y. Bañales




Evas y Adanes resaltan y se distinguen notoriamente por aquél espacio tan reducido, llamado “museo”. Es una tarde gris; una tarde como cualquiera en el mes de agosto en la ciudad de La Piedad, Michoacán.

El creador, nacido en la ciudad mencionada, afirma que para él, la figura humana siempre ha sido una lucha constante por enfrentar a la difícil tarea de simplificar la forma. A pesar de eso; una pasión.

Considera también que “las exposiciones son una necesidad, porque finalmente el pintor necesita que su obra esté presente, aunque siga cabalgando por un mundo indiferente”.
Ignacio Ortiz es un pintor con poca trayectoria en México y el extranjero.


Se formó en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Tuvo entre sus maestros a Diego Rivera, José Clemente Orozco, Rufino Tamayo, entre otros.

Algunos cuantos (en realidad muy pocos habitantes de la población), se acercan, sienten indiferencia y, terminan expresando algo parecido a “Qué hombre más loco”, “Qué pintura más extraña”.

Los pecadores pintados alcanzan a ser vistos por muy pocos paisanos, ya mayoría de estos no se enteró de la exposición y, muchos otros, no se interesaron en lo más mínimo por ésta.

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

CORPUS/ Andres Barrientos























De verdad que en ocasiones es muy curioso como suceden las cosas, el miércoles 5 de septiembre tuve que llevar a que revisaran mi carro, cosas de rutina y que no tardaría mucho, yo decidí dar una vuelta por los alrededores. No había caminado mucho cuando enfrente de la calle vi algo que llamo mi atención.

Aunque he pasado mil veces por Rubén Darío, jamás había notado la existencia de esta pequeña galería de arte, Factor Arte Galería.
Desde donde me encontraba alcance a ver una pintura que llamo mi atención por lo que decidí cruzar la calle y entrar a la galería. En realidad fui afortunado ya que la exposición apenas estaba siendo montada, ya había unos cuadros en su lugar aunque no tenían los nombre puestos, la temática de la exposición era el cuerpo, los cuadros tienen un fondo negro lo que ayuda a resaltar las figuras que ahí fueron plasmadas.

La pared de la galería estaba siendo pintada de blanco, esto ayudaba a resaltar bastante las pinturas, los cuadros eran simples, la mayoría solo mostraba una parte del cuerpo y unas cuantas mostraban manos en diferentes posiciones. Cuando pregunte a los encargados de acomodar las pinturas el nombre del autor no me supieron decir quien era, pero me dijeron que la exposición se inauguraría el jueves 6 de septiembre a las 8:30 de la noche.

Aunque no conseguí los nombres de las pinturas ni el del autor decidí que usaría estas para este parcial, estas pinturas me movieron algo al verlas, no se si fue las expresiones en los rostros que ahí vi, o el detalle con el que los cuerpos están dibujados, lo que les puedo decir que les aconsejo ir a ver la exposición, aunque es bastante pequeña no saldrán decepcionados, por lo menos se que yo volveré para conocer los nombre de las pinturas y el de la persona que las creo, por ahora me conformare con conocer su firma.


POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

IDEAS MIGRANTES/ Guillermo Terán

Al encontrarme en busca de una exposición por el rumbo del Centro Histórico de Guadalajara, llegué a las puertas del Ex Convento del Carmen para recibir la grata sorpresa de que en su interior había algunas exposiciones que parecían bastantes interesantes.

Tomé la decisión de ir a la sala donde se encontraba la exposición Proyección de la Memoria, de Ana Santos Mejía. A pesar de que su obra es bastante buena, algunas luces del interior estaban apagadas o fundidas, lo que restó un poco lo que hubiera sido una apreciación con mayor relevancia.

Al recorrer la exposición me originaba una sensación de saber muy bien lo que quería comunicar Ana Santos Mejía en su obra, agraciada con una forma muy peculiar para resaltar los problemas de mayor incidencia de la actualidad en los seres humanos.

La temática presentada en la mayoría de sus pinturas es la migración. Si la abarcamos desde distintas perspectivas, nos damos cuenta de cómo Santos hace su crítica hacia aquellos que impiden o dificultan la migración a nivel mundial. Sátiras en contra de los gobiernos, protestas, e incluso el recurso de la ironía sobre los emigrantes es lo que podemos observar en sus cuadros.

Me gustaría destacar la obra Pasaporte número 15 para habitar el mundo, una clara crítica a los gobiernos internacionales que evitan o ponen muchas trabas burocráticas de por medio para obstaculizar la migración.
Si observamos detenidamente veremos un mapa mundial con la peculiaridad que en el área que correspondería a los océanos se encuentra inscrita la frase “libre acceso” a lo largo de todo el cuadro, un mensaje directo para promover una mayor apertura y aceptación en todo el mundo de todos los seres humanos sin hacer distinción por su nacionalidad.

Una obra más que quisiera hacer notar es Welcome to Border, una representación fiel y más cercana a nuestro país sobre aquellos que pretenden cruzar la frontera en la búsqueda de nuevas oportunidades pero que son vistos como criminales; Santos los simboliza bajo la forma de sombras escurridizas, un tanto difuminadas, y solamente se perciben cuerpos humanos sin mucho detalle. Dentro del mismo cuadro está presente una frase irónica que dice “Increíble Escaparon”: Ana Santos nos muestra la forma de pensar de los que ven como enemigos a los emigrantes, pues se considera algo increíble que logren cruzar la frontera con vida. Como último detalle, encontramos la palabra “Fugitivos” escrita en orden inverso, una manera reiterada en cómo se ve a los emigrantes, calificados fugitivos por estar prófugos de una supuesta justicia.

En general, me agradó bastante la exposición Proyección de la memoria, que respeta mucho su nombre, pues realmente logra que uno recuerde gran cantidad de sucesos cómo los que se presentan en su obra. No me queda duda de que el arte de Ana Santos Mejía nos demuestra una calidad plástica muy atractiva, tiene una voz propia que grita a los cuatro vientos sus críticas y exigencia, y a su vez logra representar una auténtica preocupación por temas actuales de nuestro mundo. La museografía estuvo a cargo de Miguel Alcaráz, Juan Manuel García, Juan Francisco García, Christian Montes y Francisco Barreda.

Foto 1. Pasaporte número 15 para habitar el mundo (2007), de Ana Santos Mejía.
Foto: Guillermo Terán

Foto2. Welcome to Border (2007), de Ana Santos Mejía.
Foto: Guillermo Terán

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

LA BIENAL DE FOTOGRAFÍA 2006 EN EL MAZ / Natalia Cadena

El Museo de Arte de Zapopan (MAZ) será sede del 25 de julio al 28 de octubre de este certamen, el de mayor prestigio a nivel nacional. Aquí se alberga el talento de distintos artistas, los cuales a través de sus fotografías buscan transmitir al público sus emociones.

Tanto los temas como las técnicas de cada artista son completamente variados, por lo que cada trabajo tiene un encanto especial, sin embargo, como era de esperarse, hubo algunos que me gustaron más que otros. Lo interesante de la exposición es que tú como espectador puedes ver la foto y percibir en tí ciertos sentimientos, puedes tener tu propia interpretación del trabajo de otro, pero en el momento en que lees lo que el autor en realidad quiso transmitir, te cambia toda la perspectiva y vuelves a ver la foto desde un enfoque completamente distinto. En mi caso, muchas de esas fotos me removieron experiencias personales, cosa de la cual yo misma me sorprendí…en ese momento pude comprobar que si bien cada persona es distinta, las emociones a fin de cuentas son las mismas y es aquello que crea un vínculo entre las personas; este tipo de muestras artísticas crea una especie de interacción entre el autor, el espectador y el objeto.

De entre todas las obras, muchas fueron las que causaron un impacto en mí, sin embargo, ninguna fue capaz de literalmente dejarme paralizada unos segundos como el trabajo de
Federico Gama, titulado:Mazahuacholoskatopunk, Una serie de diez fotografías que retratan a distintos jóvenes en locaciones urbanas. El elemento común que se puede notar en ellos es que todos portan un “look” rebelde, cada uno en diferente estilo (de allí el título de la foto), algunos traen el cabello erizado y pintado de distintos colores, otros portan vestimenta negra con cadenas y picos como parte de su decoración, otros al puro estilo “cholo” y otros más americanizados: camisas enormes de béisbol con gorras de lado. Si en un principio no lees el recuadro que está por un lado de éstas, donde el autor sintetiza en unas cuantas líneas la intención de sus imágenes, puede pasar desapercibida toda la esencia de éstas.

Aquí el punto central está en que todos estos jóvenes retratados con ese aire rebelde y urbano no son sino miembros de distintas comunidades indígenas que migraron a la ciudad de México en busca de mejores condiciones. Me parece increíble y bastante triste que nuestro país cada día esté perdiendo más y más su identidad, sus raíces, aquello que nos hace únicos y auténticos ante el resto del mundo. Sea por cuestiones económicas o simplemente el miedo al rechazo, estos jóvenes, la esencia de nuestra cultura, se están viendo orillados a adoptar híbridas identidades con el único afán de pertenecer y ser reconocidos en esta sociedad de estereotipos.

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

GUADALAJARA ANTIGUA / Jorge Israel Atilano Hernandez.

En la galería Chapultepec en su segunda sección, me encontré con esta fotografía que me gusto mucho y que además me remonto a las épocas donde mis abuelos caminaban y se paseaban por esas calles del tradicional barrio del santuario. Al pie de la foto encontré información importante como que el jardín fue inaugurado en el año de 1897, inicialmente se llamaba parque Hidalgo, para después pasar a ser el atrio del santuario de nuestra señora de Guadalupe. Esta obra es interesante ya que los que vivimos cerca de este jardín hemos visto diferentes cambios en su estructura, desde las calles aledañas empedradas y sin ningún automóvil, hasta en la actualidad uno de los puntos mas transitados y visitados. Se dice que una obra de arte se considera como tal cuando transmite sentimientos y definitivamente este tipo de fotografías causa un efecto de nostalgia ya que es difícil de creer que el jardín del santuario estaba así de tranquilo y así de cambiado.

1082580

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

LOS NIÑOS DE SARA / Natalia Santa Rosa

Asistí a la exposición del mural El mundo de los Niños de la artista Sarah Vázquez, la cual fue invitada por el museo Trompo Mágico para realizar una exposición permanente que reuniera los valores del museo. La obra El mundo de los niños, realizada en el 2002, definitivamente logro su objetivo. A continuación se ubicara al lector en donde se encuentra la exposición del mural, cuales son los valores que el museo interactivo Trompo Mágico le pidió a la artista plasmar y se demostrara mediante un análisis semiótico de la obra que los valores del museo concuerdan con los valores plasmados en la obra de Sarah Vázquez. Se realizara una descripción del lo que se puede percibir de la obra a simple vista, los objetos que contiene la misma, los juegos de luces y de sombras, elementos que hacen posible un análisis completo de la obra.
El mundo de los niños consta de 8 murales que forman una sola obra. Los murales se encuentran justo en el hall del museo interactivo Trompo Mágico. Están colocados sobre la pared, al nivel de un segundo piso. El contenido de la obra se relaciona con la vida cotidiana. Sarah Vázquez consiguió plasmar en su obra perfectamente los valores que el museo promueve igualdad, paz, diversidad y tolerancia.

Como se puede observar en el mural, objeto de análisis del presente ensayo, encontramos que es una obra con colores muy vivos. Especialmente encontramos el verde, el rojo y el azul en sus distintos tonos. Los colores vivos nos denotan energía, característica propia de los niños.
La artista hace un juego de luces y de sombras que le dan al mural un sentido de profundidad. Viendo el mural de sur a norte encontramos que el sur o el inicio del cuadro es más iluminado que la parte de en medio, la cual tiene mayor juego de sombras y al norte volvemos a encontrar más luz.
En cuanto al equilibrio de la obra, esta perfectamente bien equilibrada pues no se encuentra muy cargada con figuras o colores de un solo lado, encontramos elementos importantes en ambos lados. Al cerrar los ojos y volverlos abrir lo primero que llama la atención es el templo oriental de color rojo que se encuentra al fondo en el centro-derecho de la obra.

Los valores del museo los encontramos fácilmente en la obra. Seis niños provenientes todos de distintas culturas jugando en un mismo lugar, denota el valor de la diversidad.
Los niños se encuentran jugando con una sonrisa dibujada en su cara, rodeados de mariposas, y con un paisaje que nos brinda un ambiente de paz, otro de los valores del museo.
Encontramos el valor de la igualdad, al observar que del lado derecho tenemos a una niña oriental en un columpio y del lado izquierdo también en un columpio se encuentra un niño occidental, y en el césped dos niñas y dos niños jugando cada quien con sus juguetes.
Sarah Vázquez nos transmite el valor de la tolerancia al plasmar a niños de distintas culturas jugando cada uno con los juguetes propios de su cultura. Los niños juegan felizmente, compartiendo un mismo lugar de juego, a pesar de ser tan diferentes unos de otros.
Es así como se puede concluir que la artista Sarah Vázquez logro el objetivo de plasmar los valores del museo perfectamente y de una manera muy armoniosa los encontramos todos juntos la paz, igualdad, diversidad y tolerancia. Sarah Vázquez logro plasmarlos de manera que los niños, (para quienes esta dirigido el museo Trompo Mágico), pudieran entender el mensaje.
En lo personal me llamo mucho la atención esta exposición por el mensaje moral y social que maneja. Considero que el titulo de la obra El mundo de los niños da a pensar que la obra va a ser un reflejo de la imagen personal que la artista tiene del mundo de los niños. Con ese titulo se plasman en la obra valores muy positivos concebidos como el mundo de los niños. En mi opinión me pareció muy interesante que sea una obra dirigida a la niñez mexicana, pues es precisamente lo que necesita México, inyectar mensajes educativos a la niñez, los cuales son el futuro de nuestro país.

Fotografia 1 : Placa del la obra localizada en el Hall del Museo Interactivo Trompo Mágico.
Fotografía 2: El mural analizado anteriormente, el cual forma parte de la obra El mundo de los niños de la artista Sarah Vázquez.
Fotos: Natalia Santa Rosa

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 1 Comment

EVOLUCIÓN / Ivonne Hernández Cárdenas

Asistí a la exposición de arte en avenida Chapultepec de Gerardo Núñez, en donde se mostraban imágenes de la Guadalajara antigua, las fotografías estaban tomadas desde ángulos parecidos a los de fotos anteriores en donde la ciudad de Guadalajara donde se deja ver su cultura y tradición, fotos que resaltan el paso de los años y cómo ha evolucionado nuestra cultura y nuestro estilo de vida.















Iglesia Neogótica

Las fotografías dejan ver escenarios como la iglesia neogótica, la catedral, Los Arcos, es fácil darse cuenta de cómo ha pasado el tiempo a través de la infraestructura, el hecho de que en las fotografías modernas sean a color y las viejas en blanco y negro te envuelve en un contexto de cambio, de evolución; en las fotos en blanco y negro, existe una ausencia clara de personas, se exhibe únicamente la infraestructura de edificios que caracterizan la ciudad y la hacen más rica sin embargo la ausencia de color o de signos de vida humana, hace que la foto se vea mucho más vieja, cuando la sociedad era mucho más pequeña, donde las personas vivían de manera diferente, de una manera más conservadora, en carecían de medios de transporte como los carros, que forman arte importante de nuestro estilo de vida, por esta razón se hacen visibles en las fotos que reflejan lo que se vive hoy en día en la ciudad.















Reflejo de la Catedral

El entorno de la exposición favorece a la misma ya que te hace sentir el cambio que se vivió a través de los años, te envuelve una sensación de evolución, de progreso, la exposición en la avenida Chapultepec, una de las avenidas más frecuentadas en la ciudad crea un contexto se modernidad y desarrollo y al ver las fotos de la antigua ciudad, es fácil maravillarse con el contraste que el autor maneja.

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

VIEJOS TIEMPOS/ Danya Hernandez

La Galería de Arte de Chapultepec, a pesar de no contar con una estructura física que nos cubra del mal tiempo, actualmente es uno de los espacios de exhibición de más importantes en Guadalajara. Es interesante ver cómo las personas rompen su camino y se toma unos minutos para apreciar las fotografías que se encuentran en el camellón de la avenida Chapultepec. Esta galería ha quebrado con el esquema de lo que es una galería. Aquí no necesitas aparentar el portarte bien, aquí podemos ver grupos de amigos riendo a carcajadas y parejas abrazadas; puedes recorrerla mientras comes, algo que no puedes hacer en una galería tradicional, aquí no tienes problema de eso, puedes estar apreciando las fotografía mientras degustas una paleta de nieve.

Patrocinada por Laboratorios Julio, la nueva colección de fotos que se presenta actualmente es una recopilación de fotografías del pasado de Jalisco. Es una exposición interesante porque tenemos diversas fotografías, la mayoría de ellas anónimas. Resulta contrastante ver una foto del tranvía en blanco y negro de hace 100 años seguida por una que anuncia el principio de las fiestas de septiembre a colores. En particular me interesó una foto en blanco y negro en la cual se ve un vagón de un tranvía fuera del palacio de gobierno: en realidad no me transmite gran cosa, tal vez cierta nostalgia, pero me hace pensar que me hubiera gustado estar ahí para ver cómo se inauguraba, como la gente se subía y por fin avanzaba el tranvía para llegar a su destino.

Esta fotografía se llama Calle Tranvías y fue tomada el 14 de febrero de 1907, la fecha en que se brindó por primera vez el servicio del tranvía eléctrico. Es una foto que tiene 100 años. Escogí esta foto porque se me hizo muy interesante ver como después de tanto tiempo, los hechos del pasado los seguimos tomando en cuenta. Tal vez ahora para nosotros el tran
vía no significa nada, puesto que ahora contamos con camiones de servicio público que en su época cumplían con la misma función. Es como volver al pasado y remontarte a esas fechas en las que ninguno de nosotros habíamos nacido, pero que conocemos algo del pasado de nuestra ciudad.

A mi parecer la composición de la fotografía está bien hecha porque tiene la profundidad creada por el Palacio de Gobierno, y el tranvía se localiza próximo a la esquina inferior izquierda que estéticamente es el punto donde la gente focaliza más su atención, donde tu vista se plasma primero. El cruce de las personas frente al tranvía, en primer plano, recuerda el contexto en el que se encontraba. Tal vez lo que realmente me gustó son las personas, la sensación de alguien capturado en una foto de 100 años y que ahora sólo es recuerdo.


Galería de Arte de Chapultepec
Recopilación de fotos


Foto: Danya Hernandez.

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

RINOSEPTUMPLASTIA: El proceso entre el dolor y la sanación / Sarahí Sigie

Expresar es una actividad específica del ser humano, cuando creamos arte expresamos. Saber apreciar el arte, a mi parecer, es saber comprender nuestra naturaleza como humanos en “zapatos de alguien más”. Así, que en mi necesidad de reconocerme como ser humano me encontré en la exposición de Viviana Martínez, titulada Rinoseptumplastia.
Esta exposición se define como la tercera parte de una serie de trabajos que la autora lleva realizando alrededor de un año y medio. Viviana, al iniciar su presentación, nos comentó que el ritmo de vida tan apresurado que llevamos actualmente, nos llevan al desarrollo de enfermedades que parecen ser creación de nuestra mente; sin embargo conforme pasa el tiempo son tan comunes y cotidianas: “La ciencia nos ofrece un camino relativamente corto hacia el nuevo paraíso terrenal: una vida sana” (Viviana Martínez).[1]De esta manera, el nuevo producto de consumo es la ciencia como una forma para conseguir un estilo de vida sano, que nos permita llevar el ritmo de vida actual.
Viviana a través de Rinoseptumplastia, busca compartir con nosotros su experiencia quirúrgica al tomar la decisión de modificar la imagen de su rostro, de una nariz “aguileña” a una nariz estilo “europea”. La artista se somete a la operación por dos razones principales. La primera hace referencia a la necesidad física (enfermedad); mientras que la segunda razón hace referencia al enfrentamiento de su “terror hospitalario”, en la búsqueda de una estabilidad emocional, y el análisis de la concepción de belleza: “me di cuenta de la importancia de la estabilidad emocional, en el enfrentamiento de situaciones relacionadas al dolor” (Viviana Martínez).
La galería “Casa Museo López Portillo” nos mostró en sus paredes el proceso de transformación que vivió la autora, se podía encontrar en cada fotografía, “el tiempo nivelado” de cambio. En esta exposición encontré cinco palabras clave para concretar el concepto temático: medicina, tecnología, dolor, sanación y belleza. Con la medicina me refiero al reconocimiento de ésta como una nueva forma de arte, como una forma de expresión humana. La tecnología hace referencia a la razón que ha modificado nuestro ritmo de vida, lo que permite que nuestra raza evolucione. Ahora el dolor y la sanación son dos conceptos totalmente humanos, que nos permiten reconocernos como tal y liberarnos en un sentido espiritual y científico. La belleza siempre será un concepto ligado íntimamente al arte y por lo tanto a los seres humanos. Es un concepto tan delitmitado en nuestra sociedad, tan exlcusivo y superficial, sin emabargo a través del arte y sólo mediante éste es posible mostrar el verdadero, interno y profundo (tan subjetivo) sentido de la belleza.


Considero que de la variable cantidad de imágenes que se nos presentaron, a mí y a otros apreciadores, una de ellas presenta el clímax del proceso de cambio, donde creo que Viviana expresa lo que buscaba enfrentar. Momento Quirúrgico es para mí, el punto exacto donde el fin del dolor y el principio de la sanación se ponen en contacto junto con la medicina y el uso de la tecnología para provocar un cambio físico en la imagen de una persona que le permita continuar con el estilo de vida actual.


[1] Martínez, Viviana. Rinoseptumplastia (exposición fotográfica). Casa Museo López Portillo. Septiembre, 4 de 2007. Guadalajara Jalisco.
Fotos: Sarahí Sigie

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

PerturbArte / Mario Medina

El arte es capaz de manifestarse de maneras tan raras y variadas que el día lunes 27 de agosto se llevó a cabo un performance en el Tecnológico de Monterrey campus Guadalajara en el cual, de manera efímera, se trato de representar de una forma interesante la cuestión del peligro en la actualidad.

Esta actividad consistió en portar un bote de cloro limpio y con agua purificada dentro para usarse como un recipiente común y corriente, creando de esta manera una impresión y una alteración en los sentidos de las personas que presenciaban el performance.

Dicha alteración consistía en provocar un sentido de peligro y de preocupación debido al riesgo que supone beber de uno de estos envases; de igual forma, el performance trato de reflejar, y de alguna manera hacer notar, la estandarización que existe o se puede apreciar actualmente de alguna manera debido al consumismo ya que, comúnmente, las personas adquieren todo aquello que esta de moda y de esa forma se podría decir que todos tienen lo mismo o algo muy parecido, en este caso, todos los botes de cloro que se usaron eran iguales (los tradicionales envases verdes de Cloralex).

Las reacciones en los espectadores fueron generalmente de alarma. Desde las recomendaciones del ``por qué no se debe beber de esas botellas” hasta el sorprendido y despistado que preguntaba si estaba de moda beber en botellas de cloro, lo cual demostraba una aceptación casi ciega de lo que impone la mayoría, aun cuando esto represente un daño a la salud.

De cualquier manera al final del día pareció que este experimento fugaz dio los resultados esperados y fue divertido de realizar Demostró cómo algo tan simple y breve puede causar impacto y reflejar de manera casual una expresión artística.

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

LA BIENAL DE FOTOGRAFÍA 2006 EN EL MAZ / Natalia Cadena Romo

El Museo de Arte de Zapopan (MAZ) será sede del 25 de julio al 28 de octubre de este certamen, el de mayor prestigio a nivel nacional. Aquí se alberga el talento de distintos artistas, los cuales a través de sus fotografías buscan transmitir al público sus emociones.

Tanto los temas como las técnicas de cada artista son completamente variados, por lo que cada trabajo tiene un encanto especial, sin embargo, como era de esperarse, hubo algunos que me gustaron más que otros. Lo interesante de la exposición es que tú como espectador puedes ver la foto y percibir en tí ciertos sentimientos, puedes tener tu propia interpretación del trabajo de otro, pero en el momento en que lees lo que el autor en realidad quiso transmitir, te cambia toda la perspectiva y vuelves a ver la foto desde un enfoque completamente distinto. En mi caso, muchas de esas fotos me removieron experiencias personales, cosa de la cual yo misma me sorprendí…en ese momento pude comprobar que si bien cada persona es distinta, las emociones a fin de cuentas son las mismas y es aquello que crea un vínculo entre las personas; este tipo de muestras artísticas crea una especie de interacción entre el autor, el espectador y el objeto.

De entre todas las obras, muchas fueron las que causaron un impacto en mí, sin embargo, ninguna fue capaz de literalmente dejarme paralizada unos segundos como el trabajo de Federico Gama, titulado:Mazahuacholoskatopunk, Una serie de diez fotografías que retratan a distintos jóvenes en locaciones urbanas. El elemento común que se puede notar en ellos es que todos portan un “look” rebelde, cada uno en diferente estilo (de allí el título de la foto), algunos traen el cabello erizado y pintado de distintos colores, otros portan vestimenta negra con cadenas y picos como parte de su decoración, otros al puro estilo “cholo” y otros más americanizados: camisas enormes de béisbol con gorras de lado. Si en un principio no lees el recuadro que está por un lado de éstas, donde el autor sintetiza en unas cuantas líneas la intención de sus imágenes, puede pasar desapercibida toda la esencia de éstas.

Aquí el punto central está en que todos estos jóvenes retratados con ese aire rebelde y urbano no son sino miembros de distintas comunidades indígenas que migraron a la ciudad de México en busca de mejores condiciones. Me parece increíble y bastante triste que nuestro país cada día esté perdiendo más y más su identidad, sus raíces, aquello que nos hace únicos y auténticos ante el resto del mundo. Sea por cuestiones económicas o simplemente el miedo al rechazo, estos jóvenes, la esencia de nuestra cultura, se están viendo orillados a adoptar híbridas identidades con el único afán de pertenecer y ser reconocidos en esta sociedad de estereotipos.

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

LA OBSCURIDAD DEL CUERVO / Karen Hach

En la Galería Sánchez Villanueva se presentó una exposición de diversos artistas llamada “Colectiva de Dibujo y Grabado”. Una de las obras que más llamó mi atención fue la de José Pérez, titulada “El Cuervo”. La técnica utilizada en dicha obra fue Agua Tinta Bruñida.
En el cuadro se observa la espalda de una mujer desnuda en posición encorvada. En su hombro derecho, posa un cuervo de frente al espectador y en la esquina superior derecha se observa la luna llena. La pintura se encuentra en tonos sombríos, teniendo como luz única la de la luna ya mencionada.
Al tratar de entender el sentido de la obra, se puede llegar a interpretar un trasfondo un tanto melancólico y un sentimiento de soledad. Los colores, el cuervo, la luna y la posición de la mujer, nos ayudan a concretar la atmósfera oscura que acompaña el cuadro.
En términos semiológicos, el cuervo representa distintas percepciones: dolor, traición, maldad, muerte… En el cuadro puede significar que la mujer ha sufrido o ha padecido algunas de estas situaciones. La desnudez, en mi parecer, simboliza la vulnerabilidad de la persona al haber atravesado por tales experiencias. Finalmente, la luna llena representa el fin de algo. Uniendo todos estos conceptos, podemos inferir que el pintor quiso describir una situación escatológica de sufrimiento y traición.
El hecho de que la mujer esté de espalda al espectador y el cuervo de frente, para mí puede significar que la mujer se rehúse a ver alguna experiencia dolorosa. Sin embargo, el cuervo de frente y erguido, confirma la veracidad del hecho que se supone.
Esta obra, en mi opinión, sí puede ser considerada una obra de arte. Pues, el trabajo que requiere lograr el realismo y el juego de sombras es digno de reconocimiento. Por otro lado, se puede decir que forma parte del arte moderno, ya que permanece y perdura.

Foto 1 y 2: El Cuervo (2007), José Pérez
Autor de la foto: Karen Hach

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

En la Galería Sánchez Villanueva se presentó una exposición de diversos artistas llamada “Colectiva de Dibujo y Grabado”. Una de las obras que más llamó mi atención fue la de José Pérez, titulada “El Cuervo”. La técnica utilizada en dicha obra fue Agua Tinta Bruñida.
En el cuadro se observa la espalda de una mujer desnuda en posición encorvada. En su hombro derecho, posa un cuervo de frente al espectador y en la esquina superior derecha se observa la luna llena. La pintura se encuentra en tonos sombríos, teniendo como luz única la de la luna ya mencionada.
Al tratar de entender el sentido de la obra, se puede llegar a interpretar un trasfondo un tanto melancólico y un sentimiento de soledad. Los colores, el cuervo, la luna y la posición de la mujer, nos ayudan a concretar la atmósfera oscura que acompaña el cuadro.
En términos semiológicos, el cuervo representa distintas percepciones: dolor, traición, maldad, muerte… En el cuadro puede significar que la mujer ha sufrido o ha padecido algunas de estas situaciones. La desnudez, en mi parecer, simboliza la vulnerabilidad de la persona al haber atravesado por tales experiencias. Finalmente, la luna llena representa el fin de algo. Uniendo todos estos conceptos, podemos inferir que el pintor quiso describir una situación escatológica de sufrimiento y traición.
El hecho de que la mujer esté de espalda al espectador y el cuervo de frente, para mí puede significar que la mujer se rehúse a ver alguna experiencia dolorosa. Sin embargo, el cuervo de frente y erguido, confirma la veracidad del hecho que se supone.
Esta obra, en mi opinión, sí puede ser considerada una obra de arte. Pues, el trabajo que requiere lograr el realismo y el juego de sombras es digno de reconocimiento. Por otro lado, se puede decir que forma parte del arte moderno, ya que permanece y perdura.
Foto 1 y 2: El Cuervo (2007), José Pérez
Autor de la foto: Karen Hach

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

MAZAHUACHOLOSKATOPUNK / Carolina Toussaint Fonseca


El título de esta obra es largo y en un principio resulta difícil de pronunciar porque, en una palabra, Mazahuacholoskatopunk, Federico Gama probablemente busca reunir lo que en su creación refleja. Es decir los jóvenes provenientes de comunidades indígenas y rurales que habitan la Ciudad de México trabajando generalmente como albañiles o empleadas domésticas. Han creado un estilo propio diferente, con una fuerte personalidad y toques de rebeldía. Al igual que los cholos, skatos y punks representan una contracultura que no tiene como prioridad el factor económico sino su vida urbana y el orgullo de cómo la saben llevar. Todo lo mencionado tiene como origen el hecho de que han sido marginados y discriminados, implica cuestiones sociales y políticas de nuestro país. Aún así, al verlos en la Alameda Central pareciera que no pertenecen a nuestra sociedad y son vistos de una manera distinta. Es un error, ya que son un grupo con una nueva cultura urbana mestiza que mediante su moda y actitud están expresando mucho, resulta interesante poner atención como lo ha hecho el artista. Al observar las imágenes sentía como si en realidad estuviera frente a las personas presentadas, creo que su esencia fue capturada excepcionalmente porque inspira esa seguridad y visión ante el mundo. Se exhibe en el Museo de Arte de Zapopan (MAZ), dentro de la Sala Juan Soriano en la sección de la XII Bienal de Fotografía.


Foto1: Mazahuacholoskatopunk (2007), de Federico Gama
Autora de la foto: Carolina Toussaint Fonseca
Foto2: Mazahuacholoskatopunk (2007), de Federico Gama
Autora de la foto: Carolina Toussaint Fonseca

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

PELIGRO DE BEBER / Pedro H. García Arias

Peligro de beber fue el performance de bajo perfil realizado el lunes 27 de agosto en el Tecnológico de Monterrey Campus Guadalajara. El proyecto consistió en que algunos alumnos llevaran agua en un envase de cloro, la famosa Cloralex, para que tomaran agua de ella, aludiendo (y eludiendo) la típica imagen de la botella de agua con la que se suelen pasear los alumnos por la universidad.

¿Una veintena de estudiantes tomando Cloralex? La reacción inmediata de las personas que los veían hacerlo era de sorpresa. ¿Cómo era posible que anduvieran por ahí tomando cloro?. Incluso algunas personas impedían a sus conocidos que tomaran agua de esa botella aunque en el fondo sabían que no contenía nada venenoso.

La sensación de peligro era en realidad la intención del performance: sí se movieron sentimientos y sensaciones en las personas que estuvieron expuestas.

En lo personal se me hizo una gran idea el hacerlo; todos los días damos por hecho que el agua está ahí e incluso damos por hecho que el agua está muy limpia y es saludable para nosotros; pero la realidad de las cosas es que el agua no va a estar para siempre y que no siempre estará limpia y lista para que la bebamos.

Fue un buen performance porque, además de que fue hecho de manera que la mayoría del cuerpo estudiantil del Tecnológico estuvo expuesta a él, logró despertar esos sentimientos de peligro en las personas con sólo cambiar el empaque en algo que solemos hacer todos los días.

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

FAROS DE LA NOCHE, OSCURIDAD DE SUS CASAS/ Saúl Zuno


A la Noche, exposición colectiva de Luly Sosa (foto), Sofía Crimen (escultura-instalación) y Rocío Sáenz (pintura), nos muestra un panorama entre etéreo y mágico, oscuro y perturbador de lo que sucede durante las horas a las que nunca les da el sol. Entre homenaje y crítica a la ciudad contemporánea, a la Guadalajara de hoy. Cuerpos sin sus miembros o con nuevos artefactos en su lugar, cuerpos desnudos flotando, perros en los sueños, compartiendo sueños o como observadores de los sueños de sus dueños, un osito de peluche con alfileres, changuitos místicos, bolsas de basura, paradas de camión, calles transitadas y ruidosas, tacones de aguja y mucho pintauñas rojo.

El trabajo de Rocío Sáenz es el más directamente urbano: un conjunto de paisajes que retratan avenidas enormes, con sus puentes y sus embotellamientos; Tríptico de la Basura es más un ejercicio curioso de reflexión que un folleto aburrido relleno de frases trilladas. Aunque también se suma al ambiente onírico del conjunto, con óleos que nos presentan mujeres durmientes, ya sea flotando en medio de la ciudad o vomitando en el subconsciente de sus mascotas.



La obra de Sofía Crimen es la que más suma el elemento de perturbación al conjunto, con esculturas de cuerpos femeninos, siempre de pechos flácidos (con un solo pezón, el otro reemplazado por una cicatriz en forma de equis), siluetas rollizas, piel grisáceo-amarillenta y pies (cuando los hay) semidescalzos, sustituyendo con frecuencia partes de los cuerpos, con recurrencia desmembrados, con objetos como lavamanos y poleas. Salta a la vista su instalación al fondo de la sala, compuesta por una cama hecha de tuberías, llaves de paso y esferas rojas, rodeada de alguna especie de primates pequeños (y hasta un cerdo entubado por ahí), con dibujos de mujeres soñando con armas de fuego, ejemplificando la magia de la noche, que nos permite vivir todas nuestras fantasías sin que nadie se entere, sin que haya consecuencia: saborear el anhelo por un instante.

Por último (aunque no por ello menos importante), tenemos a la fotógrafa Luly Sosa, quien nos muestra una serie de trucos visuales entre desnudos voladores, leche derramada, juegos de luz y perros psicoanalistas; la esquina de un cuarto más bien simple (paredes, puertas y techo blancos, alfombra café) se transforma en un lugar insólito susceptible de provocar amplia variedad de reacciones en el espectador. Sosa presenta además otras fotos en exteriores que siguen también la línea de lo urbano y lo oscuro, como Magdalena con Piedra, imagen de una mujer a la que uno identifica sin mucho trabajo como una prostituta, nos enseña sus bragas (el cierre de sus pantalones de mezclilla abajo) y hace alguna especie de malabar con unas piedras. El juego de conceptos y palabras nos puede remitir tanto a “fumar piedra” como a “el que esté libre de pecado, que tire la primera piedra”.


A la Noche (2007). Exposición de Luly Sosa, Sofía Crimen y Rocío Sáenz.
Lugar: galería del Ex Convento del Carmen.
Montaje y museografía: Miguel Alcaráz, Juan Manuel García, Juan Francisco García, Christian Montes y Francisco Barreda. Fotos: Ricardo Balderas.

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

47 PESOS / Rodolfo Márquez

Millones de mexicanos tienen que trabajar arduamente para poder sobrevivir en este país tan desigual, donde unos cuantos tienen el poder y la riqueza del país y el resto de la población soporta sumisa los mensajes que los mismos ricos y poderosos les mandan a través de los medios de comunicación.Con el discurso de la globalización y el concepto de modernidad, las empresas envían mensajes que proponen estilos de vida a los mexicanos donde el consumo de sus productos es parte de sus metas.

Precisamente esto es lo que nos refleja Luis Alberto Calderón Bandera en su obra fotográfica 47 pesos (agosto 2007, MAZ) en el museo MAZ, Zapopan, Jalisco. Es una imagen que nos muestra el interior de un refrigerador: uno viejo, un poco oxidado, casi vacío. En la parte inferior hay algunos vegetales y en la parte superior lo único que hay son dos botellas de refresco casi vacías; una Coca Cola y una Manzanita Sol, ambas de la empresa refresquera más grande del mundo.

Desde mi perspectiva, el título de la obra, 47 pesos, hace referencia justamente al promedio de un salario mínimo en México. Si observamos la fotografía podemos observar el marco social que se quiere representar: el poco alimento que hay está por agotarse, claro, pero la mercadotecnia llega hasta las casas más pobres del país. Probablemente una familia no puede comprar un tipo de alimento más nutritivo, precisamente por su sueldo, pero la “Coca” no debe faltar jamás en una casa decente.

Exposición: Luis Alberto Calderón

Museo de Arte de Zapopan (MAZ)
Zapopan Jalisco
agosto y septiembre, 2007

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

EL CAMALEÓN / Rafael Luengas

El autor de esta obra es Herculano Álvarez, es una obra de arte moderno porque es una imagen fija que no cambiará con el paso de los años.
El nombre de la obre es P/A Camaleón y la técnica usada en el mismo es agua fuerte.
La extensión de este cuadro es de 9 x14.5 cms con un valor estimado de 1000$ + IVA.
La exposición donde encontré esta obra de arte fue La Galería Sánchez Villanueva, una galería con paredes blancas y mucho espacio entre los cuadros dando el efecto estar vacío y abandonado.
En esta obra se destacaba mucho el detalle y las sombras, es un cuadro a blanco y negro como ustedes pueden ver. Es una obra muy interesante, el autor maneja todas sus obras en blanco y negro con una excepción, pero esta fue la que más llamó mi atención en blanco y negro.
Creo que el autor quiso plantar simplemente la vida de un camaleón como retrato, no me dio ningún tipo de idea adversa o diferente acerca de la imagen.
Una pintura muy bien trabajada en matices e iluminación, muy interesante.

Fotografía: P/A Camaleón, de Herculano Álvarez

Autor de la foto: Rafael Luengas

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

EL CLAVEL SOLITARIO / Rafael Luengas


El autor de esta obra es Herculano Álvarez, es una muestra de arte moderno ya que no se observó algún tipo de performance o intervención para poder denominarlo de otra manera.
La técnica usada en este cuadro es punta seca-color, y su nombre es P/A Clavel,
La extensión del cuadro es de 13.5 x 10.5 cms con un precio de 1200$ + IVA.
La exposición de arte que visité fue La Galería Sánchez Villanueva, una galería muy grande con una característica muy particular, daba la apariencia de estar vacía, paredes grandes y blancas con los cuadros puestos sobre las mismas, pero unos cuadros muy pequeños que te daban el efecto de estar abandonado. Había cuadros que estaban en el suelo y posiblemente no estaban en exhibición.
Este cuadro me llamó mucho la atención ya que este autor tenía varios cuadros y este era el único a color, debió haber sido un cuadro muy especial o con significado importante.
Lo que percibí en este cuadro fue como un sentimiento de soledad por el hecho de que es un solo clavel que no lo acompaña ningún tipo de adorno, sin embargo aunque está sólo, su color y su brillo me da la idea de que tal vez fuera de esa soledad uno puede brillar y sentirse bien, sentirse vivo.

Fotografía: P/A Clavel, de Herculano Álvarez

Autor de la foto: Rafael Luengas

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

Y DESPUÉS DEL MODERNISMO, ¿QUÉ? / Mariana Sandoval

En cuanto subí las escaleras de la Galería Sánchez Villanueva mi mirada se dirigió hacia esta obra, titulada El postmodernismo, un dejo de melancolía y de nostalgia en una exposición colectiva que no ostentaba nombre alguno. Segundos después me enteré que el autor de esta obra era en realidad un escultor, Salvador Chávez. Pensé que tal vez el artista se había hartado uno de esos días no tan especiales y había decidido desahogarse en este pedazo de papel. Menudo desahogo debo mencionar, ya que la obra mide unos ochenta por sesenta centímetros. Pero se acostumbra decir que si estás atorado en el proceso de terminar algo y sientes que no puedes más, es mejor distraerse en otra cosa por unos momentos, para entonces poder regresar a la labor inicial y terminarla con una mente más relajada y resuelta.

La obra consta de dos personajes, un hombre y un cuervo; la técnica que el artista decidió usar (y la cual me inclina a creer que simplemente decidió desahogarse en esa obra) fue tinta china. Simples trazos desiguales sobre una hoja de papel. E irónicamente, esta obra será más fácilmente conservada que cualquiera de los grabados que se encontraban en esa exposición, debido a que la cantidad de químicos usados fue mínima. No obstante, la simplicidad en forma se compensa en fondo.

La obra, a pesar de provocar cierta nostalgia, expresa la revelación ante el enfrentamiento que diariamente nos atormenta: la naturaleza oscura que existe en nosotros. Al tratarse de una obra con semblanza triste, inicialmente podríamos pensar que la gente triste no puede ver nada más que oscuridad. Sin embargo, nunca logramos entender que la oscuridad es un espejo. Y que la mayoría de las personas están demasiado asustadas de lo que podrían ver como para asomarse a ese espejo. El cuervo, como la representación de la maldad, la traición y conocida criatura arrebatadora de ojos, observa al hombre amenazadoramente, pero éste lo mira embelesado, con un dejo de sonrisa en el rostro como el sello de un entendimiento maquiavélico resignado, dispuesto a perder los ojos previamente vendados por estos tiempos postmodernos. Un hombre que dejó de esconderse de la negación y de la oscuridad. Y por tanto, en una sociedad tan autómata como la nuestra, de sí mismo.

Foto 1. El postmodernismo (2007), de Salvador Chávez

Autor de la foto: Mariana Sandoval

Foto 2. El postmodernismo (2007), de Salvador Chávez

Autor de la foto: Mariana Sandoval

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

LA COMPLEJIDAD DEL CIELO / Mariana Sandoval


La búsqueda del tan controversial y ambiguo “arte” comenzó a las 10:00 en la mañana del sábado. Decidí aventurarme a galerías a las que nunca había entrado, considerando que mis ojos necesitaban adentrarse en algo nuevo, algo diferente. Fue así como pasé de galería en galería buscando un santuario a la estética, para encontrarme con puertas cerradas y la comprobación de que todos los aparentes curadores o dueños de la galería eran, como buenos mexicanos, impuntuales. Pero como se suele decir, “la tercera es la vencida”. En la Galería Sánchez Villanueva, que fue la tercer galería que visité, encontré algo digno de publicar aquí. Cabe mencionar que la galería se encuentra en Pablo Neruda #2520-B en la colonia Providencia. Un rumbo no tan céntrico y fácilmente invisible a los ojos de transeúntes y tráfico distraído en sus asuntos personales.
Así pues, entré al vacío pero amplio lugar. En efecto había obras, parte de una exposición colectiva que consistían más que nada en grabados. Una amable señora de edad avanzada nos informó que artistas como Alejandro Herrera y varios artistas más habían dejado sus obras todo este tiempo ahí, antes de que se montara la nueva exposición colectiva postulada en el calendario. Me dio la impresión de encontrarme en un orfanato cuando la señora dijo las palabras “las han dejado aquí todo este tiempo”. Sin embargo, mi reseña no tiene como intención centrarse en la exposición entera, sino en una particular pieza de arte moderno que aún no me termino de explicar: La obra se titula De lo complejo del Cielo II y es un grabado con técnica colagraph en papel de setenta por cincuenta centímetros, obra de Alejandro Herrera.
Esta obra se compone de un fondo casi total en tonos marrones, un tono terrenal en su concepción común, que me hizo pensar que la obra tenía un tono irónico escondido entre los pliegues del grabado. Dentro de ese mar de tono tierra hay dos elementos que resaltan: tres líneas blancas de igual longitud colocadas paralelamente en la esquina superior izquierda que nos recuerdan a una rendija, así como una “escalera” que conjunta los colores blanco y amarillo en la parte inferior derecha. Sí, es una obra balanceada, proporcionada: simple, pero a la vez compleja y analizable en cada milímetro cuadrado que la conforma. Ahora bien, a pesar de las múltiples percepciones que puede brindar una obra de arte, intentaré dar una pequeña interpretación personal.
Cualquier humano que conozcamos nos dirá que el hecho de que el cielo es azul es inminente, porque el cielo es azul y punto. Sin embargo, la actual connotación de “cielo” se refiere a dos cosas; la gran masa de gases que cubre nuestro planeta ó el santuario final al que llegarán nuestras almas una vez que nuestra vida en la tierra llegue a su fin. Ambas connotaciones son algo que damos por sentado, porque desde que tenemos memoria ha estado ahí la idea, alimentada por un consenso social. Y he ahí la ironía de la obra: ¿Por qué sino habría el artista de ilustrar el cielo del color terrenal, del color de la tierra? Nos encontramos entonces con un rompimiento de los valores y conocimientos universales: ahora, y en la obra, el cielo es café. Algo alcanzable con la palma de nuestra mano, algo vasto e igual de amplio que el cielo azul que observamos cuando levantamos la vista. Pero aún así igual de incomprensible, a través de la rendija por la que nos asomamos cada vez que intentamos adquirir algún tipo de conocimiento sobre lo “desconocido”. En esta parte, la escalera es demasiado corta a pesar de su intención inicial de ayudarnos a saber algo sobre el cielo, la tierra o nosotros mismos siquiera.
La obra se valúa en $3,600.00 pesos. Bastante concordante para el artista que nos intenta decir que el cielo se encuentra al alcance de nuestra mano, pero la sabiduría no.

Mariana Sandoval Chávez

Foto 1. De lo complejo del cielo II (2007), de Alejandro Herrera
Autor de la foto: Mariana Sandoval
Foto 2. De lo complejo del Cielo II (2007), de Alejandro Herrera
Autor de la foto: Mariana Sandoval

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

LA CIUDAD POR DENTRO/ Sonia Escoto

Las construcciones que se ven todos los días de camino a las diferentes actividades diarias van desde imponentes, extravagantes, acogedoras, grandes, altas, originales, anchas, pequeñas y novedosas. Cada una de las edificaciones, sin importar su razón social, resultan por lo menos con algún calificativo de los anteriores.
Para Pedro Cabrita lo importante no es la Arquitectura o la Ingeniería sino la construcción, “el hecho humano de marcar un territorio y retar desde allí la naturaleza”. No sólo es el hecho de observar esos grandes edificios y construcciones a los cuales nombramos casa, escuela, oficina, cafetería, centro comercial…sino el poder observar que no son más que ladrillos unidos con cemento y unos cuantos detalles para hacer de este sitio uno más acogedor.
Al darle nombre y función a un montón de material acomodado de manera precisa y específica, no significa que por sí sola sea una iglesia o un museo, sino que es el ser humano es el que convierte esa cueva en una iglesia o un museo.
Si hablamos de la instalación de Pedro Cabritas en particular, resulta poco convencional desde el sitio en el que está ubicada hasta el juego de altura con la que cuenta. La Ciudad de Dentro, está en el piso 23 de Condominios Guadalajara, un edificio de 25 pisos ubicado en el centro de la ciudad. El hecho de que se encuentre en el penúltimo piso da una perspectiva especial a la instalación: mientras tratas de asimilar la obra en donde todas las construcciones no son más que un montón de ladrillos, te encuentras sobre una de las ciudades más importantes del país lo que provoca un mayor impacto por la visión de Cabritas sobre la arquitectura de las ciudades.
Al estar frente a la instalación encuentras una serie de ladrillos acomodados en grupos de tres o cuatro unidos con cables de colores. Todos los conjuntos de ladrillos tienen iluminación individual proporcionada por un foco de bajo voltaje, lo que hace que toda la instalación esté rodeada por enormes cables negros y extensiones de luz, la intención de poner luz a cada uno de los conjuntos es que proporciona un efecto de calidez a cada “estructura”, metáfora de un lugar habitado. Una particularidad de la instalación es el hecho de que ofrece libertad de movimiento que permite observar de cerca todos los ladrillos, cables y focos que la componen.

La Ciudad de Dentro, 2007
Instalación de Pedro Cabrita
Fotos: Sonia Escoto

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments

TIEMPOS MODERNOS (MAZ) / Rodolfo Márquez


En la actualidad vivimos en la era de la comunicación, de las artes visuales y libertad de expresión. En su exposición “Tiempos Modernos” en el Museo de Arte de Zapopan (agosto de 2007), Fernando Montiel nos muestra un escenario de una habitación de una familia tradicional: un desayunador con muebles convencionales; sin embargo, este espacio tan común contrasta con un televisor viejo que transmite el canal de videos Vh1; al centro, una mesa donde un hombre de pelo largo, en bóxers, una playera sin mangas y una diadema con orejas de conejo, ve en silencio la pantalla. En el fondo y a la izquierda de la imagen, otro hombre casi desnudo, metiéndose la mano izquierda dentro del calzoncillo, tocándose sus genitales y con la mano derecha llevándose un vibrador a la boca; dirige su mirada hacia el hombre que se encuentra sobre la mesa.

Creo que esta imagen es el reflejo de la evolución de nuestra sociedad, de cómo poco a poco ha cambiado la mentalidad de las personas acerca de los homosexuales, su aceptación hacia esta determinación de género. Aunque esta imagen pudiera parecer un tanto exagerada o cruda, creo que puede ser el retrato de una pareja gay, la cual cuenta con un ambiente de armonía en su hogar pero también tiene momentos de juegos sexuales, los cuales los tienen cualquier tipo de parejas hoy en día.

POSTED BY
POSTED IN
DISCUSSION 0 Comments