"Oleaje" Ana Paola Zamora Escobar




La obra se llama "Oleaje" fue expuesta en la galeria de "Arte contemporanea" ubicada en guadalupe, la exposición fue la que mas me llamo la atención por los colores que se muestran en la pintura. Si notamos los colores de alrededor son obscuros por lo que hace resaltar a mujer del centro, el color de agua tan claro provoca una sensacion de movimiento al visualizarlo.


Las figuras que se van formando con la pintura hacia las orillas de la mujer central son como figuras geometricas, cuadrados, rectangulos y triangulos.

Lo mas interesante de esta pintura es que esta elaborada con espatula por lo que el efecto del agua en movimiento puede ser muy claro y se pueden aprecias las olas. La expresion de la mujer te provoca un sentimiento de agrado, paz, tranquilidad y sensualidad a la ves.

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Impor and Export/ Ma. Esther Moyano


IMPORT & EXPORT
Del director Ulrich Seid
2007
“ two individual fates, two opposite directions”

Import and Export es una película basada en dos historias paralelas pero al mismo tiempo tienen una constante que es la migración, por un lado se encuentra una joven que es enfermera en Ucrania y que para poder ganar un poco mas de dinero y tener una vida mejor, se va a Viena, dejando detrás a su madre y a sus hijos, y por el otro se encuentra un hombre, también joven, que decide irse con su padrastro a vender maquinas expendedoras de chicles, el por el contrario se va de Viena al Este de Europa.

Esta película se desarrolla como una forma de explicar las diferencias que se encuentran en ambos lados de la línea, el desarrollo se da en forma alternada, empieza con Paúl que es un joven de seguridad que tiene muchos problemas de dinero y que le debe a muchas personas incluyendo su padrastro, nos enseña como es su vida y como el no tiene nada por que luchar ni una meta fija, es una persona que solo vive para el día siguiente sin metas, sin embargo cuando su padrastro le pide que lo acompañe este no teniendo nada que dejar atrás decide ir, este personaje en especial tiene una personalidad moral muy grande, el cree en el amor y en lo que cabe una persona honesta con sus sentimiento; por el otro lado se encuentra esta mujer quien deja atrás a su familia y se encamina a Viena, en donde primero trabaja de sirvienta, sin embargo la cultura de ese lugar se ve muy reflejada cuando es discriminada tanto por los niños como por la señora de la casa quien al final la despide sin razón alguna, esto le da la oportunidad para irse a trabajar como personal de limpieza a un asilo para ancianos, esto le queda muy bien ya que en Ucrania ella era enfermera, sin embargo no se le permite acercarse a los ancianos. En la película los protagonistas se encuentran con varias situaciones por las que pasan y nos dan una idea de lo que es cada lugar y además de la relación que llevan entre estos dos.

Además de las historias de los personajes, se logra ver la vida que se lleva en cada uno de los lugares y se entiende la razón por la que salieron de ahí, en el caso de Ucrania, podemos ver una gran devastación del país y además las condiciones de vida en la que se encuentran la mayoría de las personas. Esto es una inyección de la más cruda realidad.

Al final se ve como cada uno de ellos logra encontrar al menos no su meta pero si el camino por el cual se puede llegar a ella.

Considero esta una obra de arte por la explicación que hay detrás de esta película, para poder entenderle ley una entrevista del director ya que en primera instancia la película es una tanto plana y sé él considera mas bien un documental de la realidad de estos dos lugares.

Como documental lo que quiere demostrar es la falta de trabajo que hay y la migración que se presenta en estos lugares, además se intento hacer en lo mas real posible de hecho estos dos actores principales nunca habían actuado en su vida y tienen vidas similares a las de sus papeles, esto lo podría convertir en tipo de performance. La película duro dos años es hacerse por que se necesitaban dos inviernos y se quiso hacer en el tiempo real, además de que lo interesante es que el guión aunque estaba escrito no siempre se siguió en realidad el directo no siempre sabía que iba a pasar en al siguiente escena, esto hizo que saliera un filme que no era como se pretendía, como quien dice se dejo al artista jugar con los papeles del momento y así crear un documental pegado a la realidad, donde se mostraba lo mas crudo de la vida cotidiana de ambos países y además dentro de eso logro encontrar la belleza del lugar y dentro de la melancolía y al tristeza metía mucho humor, algunas veces negro sin embargo, es un verdadero artista el que puede meter en una situación mala, tantos Aspectos como el humor, la melancolía, tristeza. Todo esto para crear conciencia humana y además para poder reafirmar algunos valores que se han perdido en estos tiempos.

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Benjamin Button / Alberto Vazquez Loaiza

Quizás el momento más emotivo de toda la película se encuentre justo al principio de ésta. Una mujer moribunda, internada en un hospital de Nueva Orleans en vísperas del Huracán Katrina, cuenta a su hija la historia del Sr. Gâteau, un famoso relojero reconocido por la exactitud de sus creaciones quien desesperado por engañar al tiempo hace un reloj que camina hacia atrás. Un reloj que quizás nos permita recticar nuestros errores y recuperar todo aquello que el tiempo nos ha arrebatado.

La última entrega de David Fincher (Alien, Seven, Zodiaco y varios videos de Madonna y George Michael) está basada en una historia de F. Scott Fitzgerald y cuenta la vida de un hombre que nace viejo y con el tiempo rejuvenece. Benjamin Button (Brad Pitt) es abandonado por su padre al nacer y es acogido en un asilo de ancianos donde pasa el resto de su infancia envuelto en un ambiente mágico que aparentemente trae la certeza y el constante contacto con la muerte. En el asilo Benjamin conocerá a Daisy (Cate Blanchett) de sólo seis años y ahí comenzará un romance de toda la vida que sólo puede calificarse como poco usual.

Benjamin vivirá la vida extraordinaria de cualquier otro hombre en sus tiempos, con la gran excepción de ser un anciano de 16 años o un adolescente de 65. Porque Benjamin es un hombre común, como el resto de nosotros, con una condición que parece desafiar toda ley humana y natural pero que al final no podrá sino ofrecer su cuello al gran verdugo de todos, el tiempo.

El señor Button parece saber que en el fondo vive bajo los mismos condicionantes que el resto de nosotros y se entrega a la vida sabiendo que de la misma manera se entregará algún día a su vieja conocida, la muerte. Porque hasta un reloj que camina hacia atrás está sujeto al paso del tiempo; con los años perderá su significado, será sustituido, olvidará y será olvidado y perecerá en la misma soledad en la que fue creado.

Sin embargo, la película, nominada a 13 premios de la Academia, parece ser una irreverente y bien lograda celebración de la vida como ese espacio intermedio, mínimo y limitado de existencia, tan ordinario, tan común y tan predecible que sólo parece restarnos aprovecharlo, disfrutarlo, mientras dura.


Ficha Técnica:
The Curious Case Of Benjamin Button (Estados Unidos, 2008)
Director: David Fincher
Escritor: Eric Roth
Basada en el relato de F. Scott Fitzgerald
Reparto: Brad Pitt, Cate Blanchett, Julia Ormond, Tilda Swinton

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La musica, un skape de la realidad por Ghanem Casab


El arte es una de las actividades mas antiguas de la humanidad, en las que el ser humano manifestaba sus sentimientos, ideas, sus deseos o simplemente cualquier cosa que viniera a su mente; manifestaciones artísticas como las pinturas rupestres, las obras en las que la perfeccion de la figura humana lo eran todo, los paisajes y hasta las mas bellas melodías de genios como Beethoven o Mozart. 


En esta ocasión hablare de la música como manifestación artística, en especial de un genero llamado ska, genero nacido en Jamaica en los años 60´s, producto de una fusión entre ritmos como el reggae, el jazz, el shuffle y el blues. El ska se caracterizó en sus inicios por cobijar a aquellos que la sociedad llamaba "nadie", era un ritmo nuevo y fresco que contagiaba a la gente de alegría y buena vibra. El ska, fue cobrando fuerza y en poco tiempo eran mas y mas las bandas que se dedicaban a interpretar este melodioso genero, hasta llegar a considerarse como uno de los ritmos característicos de Jamaica. 

Hoy día este ritmo sigue sonando a lo largo y ancho del globo terráqueo y son numerosas bandas las que han puesto en alto el nombre de este ritmo, así como también las que surgen cada día con nuevas propuestas y variaciones del ska.  Una de las nuevas bandas que contagia a los jaliscienses con la frescura y alegría del ska, es "La Fuska" que poco a poco va ganando terreno en el ambiente musical y en el gusto de todos los amantes del ska. 

Así en estos tiempos el ska ha tomado una tonalidad de música de unión, uniendo a cualquier clase de grupo social bajo un mismo son, un mismo baile, una misma lucha contra el sistema, una misma vibra y un mismo corazón.

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Colectiva de Invierno en Ajolote Arte Contemporáneo por Christian Martínez Barrera

Ajolote es una galería de arte contemporáneo, que mantiene el perfil de que menos es más, con esto me refiero a que la cantidad de obras que exhiben no son más de 15, pero para el galero lo importante de esas obras es el contenido artístico y emocional que puede transmitir. Se encuentra en el segundo piso de un edificio sobre Av. Guadalupe casi esquina con Niño Obrero, el motivo por el que llegue aquí fue, por coincidencia, al caminar por la banqueta el fuerte olor a pintura y tal vez limpiadores como tiner, llamaron mi atención de una manera negativa al grado de buscar la fuente de ese olor, y así fue que encontré una galería de arte en un lugar que jamás lo imagine, entre establecimientos como 7eleven, una escuela primaria, Pizzahut, y una estética, es casi invisible a la vista del transeúnte urbano.


La colección que se está presentando en estos momentos se llama Colectiva de Invierno, colectiva, por el hecho de que no es un solo artista sino varios, con la característica de que todos son mexicanos y jóvenes, según dijo el galero, que se encontraba en una oficina al fondo, y no tuvo ningún inconveniente en que yo tomara fotografías, esto después de que dije que era del Tec, cabe mencionar.


Volviendo a las obras, hubo dos pinturas que llamaron mi atención particularmente, la primera fue “Purple Rain” de Roberto Morleghem, que es una expresión de color en la obscuridad, combina todos los tonos existentes entre el negro y el rosa, en si no es nada más que manchas horizontales, pero a mi me hizo sentir como es un día nublado y lluvioso.

También me identifique con “niña con peces” de Claudia Sánchez, una pintura que me transmitió alegría, y tranquilidad, tal vez los colores claros fueron los causantes de esta sensación, a pesar de ser pequeña la obra 10 x 20 cm tal vez, el hecho de que la figura principal sea una niña y que su cara abarque casi todo el espacio fue lo que más me gusto.

Pero en general todas las pinturas permitieron que se desarrollara en mi una sensibilidad creativa, pude descifrar a mi conveniencia lo que en algún momento me pudo haber dicho al oído el creador del arte que tenia enfrente, sin embargo los colores y las imágenes dentro de las pinturas ejercían en mí una fuerza que me atrajo a ellas, queriendo ser yo misma la que le diera un significado a ellas.

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Recordando a Raúl Anguiano a través de sus mujeres
Febrero 03 a Marzo 24

Exposición en Cámara Nacional de Comercio, Servicios y Turismo de Guadalajara






Por: Mariluz Martínez Arana 1061331






José Raúl Anguiano Valadez nació en la ciudad de Guadalajara Jalisco en 1915 y murió el 13 de enero de 2006. Fue un pintor, muralista y artesano que enfocó su obra en el México rural e indígena y en las tradiciones y costumbres que se llevaban a cabo por estas personas dentro de ranchos y pequeños pueblos.



Dentro de sus obras es posible apreciar un estilo sencillo basado principalmente en el dibujo. Dentro de esta exposición, se muestran las obras referentes a mujeres indígenas principalmente litografías con trazos simples en tonos principalmente cálidos como amarillos, naranjas y cafés y otras en trazos con carboncillo sin utilizar mayor color.



En sus obras es posible apreciar la presencia de telas y accesorios típicos de las mujeres indígenas, reflejando sentimientos como dolor, nostalgia maternidad entre otros. Dentro de estas obras muchas están enfocadas a los rostros, los cuales acaparan gran parte de las pinturas. Los rostros de las mujeres son muy semejantes dentro de las distintas obras, presentando trazos no muy bien definidos.



Al igual se perciben figuras completas de mujeres igualmente con trazos no muy bien definidos, sin embargo los fondos claros u obscuros dependiendo de la obra jugando con un contraste de colores los cuales otorgan más luz a la figura principal dentro de las obras atrayendo la atención de los observadores hacia los elementos centrales los cuales están colocados principalmente en el centro de la pintura.



En otras de las obras observadas dentro de la exposición se presentan los retratos de hombre y mujeres más elegantes en los que se percibe una distinta técnica a la anterior destacando la presencia de colores azules dentro de las obras reflejando confianza y armonía dentro de las mismas con fondos más claros con una mezcla de colores quedando básicamente en un azul muy claro mostrando un fondo de luz resaltando a la figura principal con trazos bien definidos.



En este sentido dentro de la exposición se perciben dos técnicas distintas y contrastantes utilizadas por el autor a través de las cuales perciben momentos distintos y trazos distintos lo que le otorga sentidos completamente diferentes a las obras.

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"Tu Lugar", galería y café / Talía Dánae

“Tu Lugar” es una galería de arte en la que, desde el exterior, se advierte una atmósfera misteriosa, sin embargo, una vez adentro cambia a ser un lugar acogedor, decorado con las pinturas de Ricardo Sánchez Padilla. Son obras de arte novedosas, ubicadas justo en la línea que divide lo abstracto y lo realista. Muchas de ellas tienen un enfoque sexual, sin dejar de lado la estética. Varias de sus obras son en tercera dimensión, involucrando al espectador con el concepto que maneja en cada una de ellas.

En esta pintura hace su autorretrato al momento de pintar, expresando los sentimientos e ideas que cruzan por su cabeza cuando realiza su arte. El fondo en negro hace resaltar el rostro y la mano, además de que ambas se localizan en la parte superior derecha de la pintura, atrayendo inmediatamente la atención del espectador. La pintura es simple, con muchos simbolismos y un manejo de sombras que hace un ambiente misterioso del cuadro. Las líneas de las cadenas hacen que el espectador inmediatamente se fije en el rostro, sobre todo en la mirada concentrada que el artista expresa al momento de crear.

En otra de sus pinturas maneja cómo el ser humano se encuentra entre dos mundos, dos espacios en el que se desarrolla su vida. El rostro está delicadamente diseñado en alambre, conservando a la perfección los rasgos, combinando la pintura con la utilización de otros materiales que, empalmados, pueda dar una sensación de presencia de los personajes, llevándolos más allá de sólo dos dimensiones.



Generalmente sus obras se caracterizan por predominar los colores simples, con un leve manejo de sombras en la mayoría de las ocasiones y con una gran carga simbólica. Además de sus pinturas también están en exhibición sus esculturas, donde hace uso de distintos materiales, como madera o metal, donde su trabajo es sumamente delicado y detallista. Los temas de sus obras tienden a expresar la desesperación o angustia, retratando en muchas de ellas la realidad que alguna vez vivió el autor, así como una constante crítica social.


El ambiente de este café/galería es inspirador, lugar al que las personas pueden acudir a relajarse y conversar, además de que en el segundo piso, por la noche, van artistas a participar mostrando sus talentos y a compartir sus experiencias. El pasado viernes 30 de enero cerraron sus puertas, pero reabrirán dentro de algunos meses en una mejor locación.



Más información:

http://mx.geocities.com/ricardo_sanchez_padilla/

http://ricardosanchezpadilla.artelista.com/

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Esscultura y Fotografia por Carlos Romero

A través de los años, el hombre ha intentado plasmar su realidad, su pasado, su presente y su futuro, por medio de esculturas, la piedra, el calor del barro, eran los primeros, medios para moldear sus diferentes formas de ver el mundo y lo que los rodea. En el tiempo moderno viene la fotografía, instrumento que deja plasmada, no solo una imagen, un momento, una emoción, que duraran para siempre, capturados en una hoja de papel, pero en ese momento deja de ser solo una simple hoja de papel por todo lo que a partir de ese momento lleva guardada. En esta exhibición que tiene lugar en el museo de arte de zapopan se unen a la par dos artistas: el escultor Javier Marín y el fotógrafo Pedro Meyer.


En la primera parte de esta exhibición, el escultor deja atrás la tendencia del barro, utilizando su estilo propio, a través de la solides del bronce, en fusión con la resina creándolo un dialogo natural entre materiales, este trabajo es una muestra de 20 años de esfuerzo, de mira en torno a sus materiales de trabajo, esta muestra fue formada por sus piezas de registro y jugando con ellas de manera excepcional, creando una danza compartida, también, entre otros materiales como: tierra, tabaco y amaranto con resina de poliéster, haciendo una mezcla entre lo orgánico y lo inerte, otorgándoles un alma propia. el artista se centra principalmente en el ser humano, en su perfección y en su desperfecto a la vez, jugando con los elementos, demostrando que aunque se esté dividido, aunque nada tenga sentido, a la misma vez se forma un solo ser.

Estas esculturas fueron hechas en amaranto y resina de poliester.

En la parte alta de la muestra, este indiscutible
fotógrafo nos deja conocer de una manera muy profunda y muy intensa, su corazón, el amor hacia sus padres, pequeños instantes, que nos hacen saber, quienes son, y quienes somos, de qué manera nos ayudan a caminar a la entrada de esta vida y también a salir de ella, en su obra se muestra un gran amor y admiración a sus padres, con imágenes tan sencillas como tan reveladoras y fuertes a la vez, como paso a paso la perdida de ellos. Juega de una manera, interesante, con los sentimientos y la historia, en este caso su historia personal. Como el titulo de su obra lo dice Fotografió para recordar.

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Haus der Kunst / Dayanna Velarde Rubalcava

Tras tomarse un break, el Haus der Kunst reabrió sus puertas el 10 de octubre de 2008 en una nueva dirección y con un concepto ampliado y mejorado. Ahora están involucradas diez personas que conformaron el colectivo del anteproyecto, aportan ideas frescas y se encargan de diferentes áreas.

Algunos de los cambios más notorios son el nuevo horario: clases de Yoga en el jardín y panadería en la mañana, abren las puertas al público de 1:00 p.m. a 12:00 a.m.; el nuevo domicilio: una casa en López Cotilla #1939, que cuenta con dos salas de exposición en la planta baja, una galería un poco más privada en el piso de arriba, la incorporación de un café, Kaffé Haus, que abarca el área de adentro con mesas, un espacio designado como escenario que puede cambiar de localidad, y un jardín donde hay más mesas y sillones. La decoración del lugar pasa de ser minimalista por dentro a tener carácter un poco antiguo en la parte del patio, lo que le da un toque de estilo encantador.

El concepto artístico que se maneja en Haus der Kunst podría llamarse integral: exposición de piezas (llámense, pinturas, esculturas, fotografías, instalaciones, videos, entre otras), espectáculos de obras tatrales y grupos musicales o bien músicos y la cocina: hacen su propio pan y pastas desde la masa. El ambiente del lugar va muy bien con lo que ofrecen: un lugar tranquilo, que te invita a disfrutarlo y a pasar una tarde o tarde/noche en compañía de buena comida, buena música y obras de arte, y por si fuera poco jugando con la idea de post-modernidad, contarán en poco tiempo con servicio a domicilio para estar al día con el gusto del cliente.

Durante la semana hay variedad que abarca diferentes gustos: los lunes son de jazz experimental con Nathalie Brax & Héctor Aguilar, los martes de performance a cargo de Pneumus B.S., los miércoles hay música del mundo con Radaid Acústico, los jueves jazz y teatro con Tom Kessler y Cabaret Capricho, los viernes es posible disfrutar rock y jazz a cargo de Johny Bop Trio y los sábados tienen jazz tradicional con Harlem Jazz.

Como encargada de la galería está Margarita Robertson, se maneja puro arte contemporáneo y hasta ahora exponen los mismos artistas que eran parte del repertorio del antiguo Haus pero están abiertos a recibir a nuevos artistas. Los grupos que los acompañan durante la semana son también los mismos pero también están abiertos a abrir más espacios y tener más variedad. El Haus der Kunst tiene como proyecto tener un evento especial por mes.

En cuanto a publicidad me comentaba Gastón Michanie, parte del colectivo y encargado de la panadería y cocina, ésta se hace más de boca en boca que con propaganda, no importa que crezcan poco a poco, lo que realmente les interesa es hacer arte en todo lo que abarcan y que su popularidad se base en gustarle a sus visitantes y que éstos a su vez recomienden el lugar a sus amigos.

Por mi parte, he quedado muy satisfecha e incluso encantada con el lugar. Pude disfrutar de la música de Radaid Acústico el pasado miércoles 28 de enero –quienes cautivaron mi atención por completo y platicar con ellos. Radaid es un proyecto musical que tiene vida desde hace 11 años y cuenta con 8 integrantes, la versión acústica tiene 8 años y está conformado por 5 miembros. Tocan música del mundo y componen tanto sus rtimos como sus canciones; cuentan con 2 discos grabados y el 28 de febrero presentarán su tercer disco en el Teatro Diana.

En este momento y hasta mediados de este mes (febrero) estarán exponiendo Alicia Ceballos y Rodrigo Ballester.


Radaid Acústico, miércoles 28 de febrero de 20009


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Una flecha....cuántas cosas!


David Agredano, escultor tapatío que experimenta en crear sus obras con variedad de materiales, actualmente presenta en la Galería Sánchez Villanueva la colección “Señales”. Agredano, a lo largo de sus 22 años de carrera artística, ha tomado diversos temas para representarlos en piezas que se caracterizan por evolucionar tanto en las técnicas de elaboración así como en los materiales utilizados. Su trayectoria comprende más de 55 exposiciones, tanto individuales como colectivas, y su recorrido abarca países como Argentina, España, Perú y por supuesto, México. Ha sido acreedor a varios reconocimientos y premios en concursos de escultura así como en exposiciones.
La serie “Señales” toma como punto de partida la flecha, símbolo que según el propio autor, ha tenido diversas connotaciones a lo largo de la historia, ya sea como un signo de supervivencia en épocas prehistóricas, de defensa y lucha posteriormente, y en la actualidad como algo que puede decir mucho sin necesidad de palabras.
La exposición cuenta con 19 piezas, y se divide en representaciones de las flechas pero en 2 distintos materiales. La primera parte son flechas hechas con papel algodón, utilizando contraste de fondo negro y la flecha en blanco, seccionada en 3 partes, que aisladas son simples polígonos y figuras geométricas. La técnica que utiliza para estos lienzos de 40 x 30 cm es la de barniz blando. Los títulos de las piezas son de acuerdo con la orientación de la flecha: Norte, Sur, NE, SE, NO, etc.

Pieza elaborada en papel algodón


La segunda parte de la colección sigue el mismo concepto de las flechas seccionadas y apuntando a varias direcciones, pero éstas están hechas en lámina de acero oxidado, empleando la técnica de lámina calada. Las flechas se forman con espacios huecos dentro de la placa de metal, dándole la voluminosidad que el propio material y técnica requieren para proyectar la figura.


Pieza en técnica "lámina calada"

Esta colección fue inspirada, según Agredano, por una exposición realizada hace un tiempo en la ciudad de México sobre instrumentos de tortura empelados en la Edad Media, de allí partió para desarrollar este concepto y ampliarlo en la combinación de dos tipos de materiales y técnicas distintas.
Las piezas como tal son simples, pero considero que el tomar un símbolo poco explotado dentro del ámbito artístico es interesante. La deformidad de las figuras y la diversidad de orientaciones son elementos que hacen a las piezas objetos estéticos. Creo que el proyectar simpleza fue uno de los objetivos del autor, ya que seguramente el realizarlas no fue tarea simple. La exposición no representa variedad, pero el hecho de otorgarle un significado a las piezas la hará entretenida. Si se dispone de tiempo hay que visitarla. Se encuentra en la Galería Sánchez Villanueva, Pablo Neruda 2520-B.

Jorge Alejandro Murillo Cortés/1132739

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"¡ten cuidado! es una antigüedad"


Ser joven no siempre es ventaja, mucho menos cuando se convierte en el primer prejuicio de un vendedor de antigüedades. Quizá con una barba y bigote tupido, boina, pipa sin tabaco, unatuendo estrafalario y treinta años más, me hubieran echo caso, por lo menos tomado enserio.

Pues ¿qué puedo saber yo de antigüedades si apenas tengo poco más de dos décadas de vida?

Tres galerías de antigüedades visitadas, ninguna me tomó con seriedad, más bien yo era peligroso en la tienda (como si conocieran mi torpeza y distracción para tirar cosas frágiles). Pregunté con seguridad: “¿cuánto vale esta pintura? (de estilo virreinal y firmada en 1958) respondían en una afrenta: “treinta y cinco mil pesos”.

Para calcular el nivel de soberbia le pregunté: “y ¿a qué se debe el valor? ¿cómo sabes que esta pintura vieja, no la hizo alguien la semana pasada, para que parezca antigua?”. El señor inclinó su cabeza, bajó sus lentes a la punta de la nariz y me miró por el espacio que queda entre la parte baja de las frente y encima de los lentes, esa mirada de desprecio. Y me dijo: “a muchos factores (sin decirme cuales), los materiales no pueden ocultar la edad, hay gente que los entierra para que parezcan viejos, sólo echan a perder las piezas”.

No quise preguntar más, miraba en silencio, con detenimiento y sin asombro, creó que eso le molestaba más. Él me vigilaba como quien pone toda su atención y aparenta estar haciendo otra cosa.

Cristalería detallada al extremo, muebles rústicos (entre más grandes y atascados de adornos más caros), oleos románticos (la réplica en dimensiones de la mona-lisa, ¿quizá es la robada? O ¿será que la verdadera mona-lisa es la que está en todas las casas del mundo?), sillas viejas, mucha porcelana china, tocadores, un reloj como el que hay en casa de mi abuela, esos que cada hora despiertan a la colonia, muchas piezas en bronce, intentos de estatuas de mármol, el mejor de todos sin duda por ser la impresión inborrable y más desagradable, un enorme cristo crucificado.

Tenerlo en un espacio tan pequeño y verlo tan de cerca es más peor aún que verlo en el templo todos los domingos , en verdad esa es una obra de arte, ¿cómo metió semejante cristote en su tiendita? Ese sí es un desafío total, el cristo totalmente cubierto de polvo, en una posición inclinada hacia la izquierda como si se fuera a caerse de la cruz.

Lo más interesante es el celo de los galeros de antigüedades para escoger sus piezas (en una galería el señor sólo atiende con cita, tiene a la vista pero cerrada, te atiende si vas a comprar, nada más), a diferencia de un museo, la obra de arte de un galero de antigüedades es en sí la suma de sus obras escogidas.

La lección es: ni conservando y atesorando piezas del pasado puedes escapar del cambio. El tiempo es el valor de sus piezas. Conocen la dinámica a la perfección y si entras a la galería piensas que es inmutable, inamovible, más su galería no es estática, mañana llegarán nuevas-viejas piezas, se venderán otras y la tienda no será la misma de ayer.

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Vientos gallegos soplan en Guadalajara / Montserrat Diosdado


El Instituto Cultural Cabañas (ICC) acoge desde el 21 de enero y hasta el 27 de marzo la exposición Viento del Este, viento del Oeste, una selección de la colección de la Fundación Caixa Galicia que incluye obras de Miró, Dalí, Picasso y Laxeiro, provenientes del mayor acervo privado de arte ibérico. Sesenta y cinco obras entre pintura, escultura y fotografía de 42 artistas forman parte de esta exposición que hace su segunda parada en México depués de haber sido presentada en el Museo de San Ildefonso.
(En fotografía: Máscaras con mariposas, de Antonio Murado)
El título de la exposición, también nombre del libro de 1924 de Pearl S. Buck, hace referencia al arte proveniente del Este de la península ibérica, Galicia y Portugal, y su encuentro con el del Oeste, resto de España, pero también del venido del Este (España) a México (Oeste) y el intercambio cultural tras el exilio provocado por la Guerra Civil Española.


El viento que circula de un lado a otro sopla también a lo largo de esta exposición, montada por el equipo del ICC y a cargo del curador Alfonso de la Torre, que nos recibe con tres piezas de artistas contemporáneos y nos va llevando por las primeras vanguardias del siglo XX con piezas de Miró, Dalí y Picasso, para después introducirnos en el arte en el exilio con obras de autores como Arturo Souto y más tarde dejarnos reposar en los trabajos de la Movida Madrileña de los años ochenta y las últimas obras de algunos de los artistas contemporáneos más importantes de la Madre Patria conocidos como el grupo Atlántica.

Esta colección sale por primera vez de España en una búsqueda por retomar el vínculo con América Latina, concretamente con nuestro país ya que México significó un apoyo fundamental a muchos de los creadores de la diáspora española y representó un importante espacio e influencia creativa para todos ellos.
(En fotografía: Muda o Cacho, de Francisco Leiro)


La exposición es una muy buena opción para todos aquellos que deseen empaparse del arte del siglo pasado español además de que representan una excelente oportunidad para ponerse cara a cara con obras de maestros de talla mundial que pocas veces tenemos la oportunidad de admirar en la ciudad y al mismo tiempo nos muestra algo del arte contemporáneo de los últimos tiempos con propuestas que van desde lo divertido hasta lo intimidante pero que requieren de la participación activa del observador.


Los costos de entrada van de los 70 pesos para extranjeros a los 10 pesos para estudiantes con credencial y adultos mayores con credencial del INSEN, por lo que no hay motivo para perderse esta exposición, además que por el mismo precio de entrada se puede admirar la colección Italidea presente en el recinto desde el 28 e noviembre con motivo de la presencia de Italia como invitado de honor en la última edición de la Feria Internacional del Libro.

Artistas:Helena Almedida, Dario Álvarez Basso, Eduardo Arroyo, Miquel Barceló, Francisco Bores, José Manuel Broto, Berta Cáccamo, Carmen Calvo, Miguel Ángel Campano, Vari Caramés, Manuel Colmeiro, Salvador Dalí, Isaac Díaz Pardo, Óscar Domínguez, Xosé María Fernández Freixanes, Eugenio Fernández Granell, Carlos García Alcolea, Tino Grandío, María Gutiérrez blanchard, Menchu Lamas, Antón Lamazares, Laxeiro, Francisco Leiro, Urbano Lugrís, Cristino Mallo, Maruja Mallo, Julia Minguillón, Joan Miró, Juan Muñoz, Antonio Murado, Antón Patiño, Alfonso Rodríguez Castelao, Pablo Ruiz Picasso, Luis Seoane, Soledad Sevilla, José María Sicilia, Susana Solano, Arturo Souto, Joaquín Torres-García, Xesus Vázquez y Hernando Viñes.



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Torneo de Box "Orgullo Nacional"

Auditorio Telmex transformado para el evento.

Por Pilar Gómez Bilbao


El pasado sábado 31 de enero de 2009 se organizó en el recurrido auditorio metropolitano de la ciudad (Telmex) un torneo de box que constó de doce peleas. La transformación del auditorio en una arena consistió en la inserción del ring en medio y gradas adentro del escenario junto con dos pantallas laterales.
Aún pese a que la cita era a las 19:00 fue hasta las 20:00 que se dio comienzo al evento con una pelea femenina encarnada por la “princesa” tapatía contra la “preciosa” de azul. Después de despeinarse un poco en varios rounds ganó la princesa vestida de rojo. En seguida vinieron peleas pactadas a cuatro, seis y ocho rounds entre boxeadores nacionales. Cabe señalar, que en el box son las mujeres las que llevan protección en la cara, los hombres solamente llevan en los dientes.





La Princesa Tapatía vestida de rojo contra la Preciosa de Azul

fueron la pelea de apertura.


Los efectos sonoros aparecían con las peleas estelares. La primera fue la del campeonato mundial juvenil de peso ligero entre el mexicano Saúl “La Cobra” Carreón y el nicaragüense René “Chirizo” González. El resultado fue a favor del nicaragüense que festejó sólo con su equipo ya que, el público lo abucheaba. La segunda pelea estelar para la eliminatoria del campeonato del mundo en peso pluma fue a cargo del estadounidense Ramont Monty Meza-Clay, quien hizo su entrada triunfal con su equipo al ritmo de música rapera, versus el mexicano Jorge “Coloradito” Solís, quien acompañado de una ranchera se hizo ovacionar por los espectadores. El perdedor de ésta contienda fue Ramont que llevaba un uniforme con la bandera de México y de Estados Unidos. No obstante, el momento más esperado de la noche, el encuentro entre el mexicano Marco Antonio Barrera y el cubano Freudis Rojas dejó mucho que desear cuando se anunció la victoria del primero por descalificación. Un golpe en la cara de Barrera fue motivo suficiente para que los jueces decretaran la descalificación del cubano Rojas. Por último vino Víctor “Kalucha” Palacios representando al mercado Felipe Ángeles contra Carlos “El Feo” Rodríguez del mercado de Abasto, quienes aguantaron pero volvieron su pelea monótona sin el tan ansiado knock-out. El “Kalucha” consiguió el triunfo con los puntos que acumuló a lo largo de los rounds.








El festejo de la victoria del Coloradito sobre Ramont.





Chirizo derribo a la Cobra por knock-out técnico.









Barrera contra Rojas en un duelo que terminó rápido.



A lo largo de aproximadamente cinco horas el público participó incentivado por el alcohol y la emoción, el arte de las ocurrencias y vulgaridades tales como “después de esto vamos a unas carnitas en su tubo”, “Ay mamita te compraría si no fueras mía”, o de repente se ponían a cantar a capella, etc. Las señoritas que anunciaban los rounds lograron silbidos y piropos constantes y los boxeadores apodos como el “cursi” por portar rayos güeros en su cabellera o tatuajes, tal y como el actor Gael García en la película “Rudo y Cursi”.Otro personaje que se llevó rechiflas fue el presidente municipal de Zapopan que al ser mencionado en los agradecimientos por el anunciador causó disgusto. El auditorio no se llenó más que los lugares más cercanos al ring, ojalá haya sido porque había puente y no debido a que este tipo de eventos deportivos son demasiado populares para la calidad de eventos por los que se destaca el Telmex.











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Javier Marín: Algo Hermoso pero Triste / Carolyn Black 1221394

“Este joven artista que ha conseguido ya pleno reconocimiento internacional ha desarrollado en su trabajo aspectos del arte que históricamente son universales. Partiendo de la figura humana como lenguaje formal, aborda múltiples temas, desde la fragilidad de la existencia hasta la condición del hombre transformador del mundo, sin dejar de lado el valor que la materia tiene para transmitir significado.” (El Informador – Enero 14 2009)


El arte de Javier Marín, escultor, llegó al Museo del Arte de Zapopan el viernes 16 de Enero y hasta marzo el museo va a exponer 66 piezas del artista que tratan con el tema de imperfección. Sus piezas son de figuras humanas y la mayoría de ellos son de resina y bronce. Sus obras más conocidas son muy grandes y muy fuertes, pero los que son más pequeños como “Hombrecitos y Mujercitas” (de 2001) producen el mismo efecto para esforzar su mensaje.

Marín nacío en 1962 en Michoacán, México y su arte refleja las influencias de las tradiciones de artistas internacionales pero también de su propia cultura. Por ejemplo las figuras “Hombrecitos y Mujercitas” son parecidas a las obras de mármol de la época renacimiento. Pero las caras de sus figuras son de origen étnico, quizás de una influencia Azteca o de los Mayas. Es posible que representen muchas personas indígenas del mundo que fueron rápidamente y violentamente apretado en la edad moderna.

Su arte represente el imperfección y el declive de humanidad. Las figuras son compuesto de partes diferentes por metal pero no unen perfectamente y por eso producen algo muy trágico y llena de angustia.

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Ricardo Sevilla 956741 Las Manos de Javier Marín








Escultura de Javier Marin. Horario de Martes a Domingo de 10 AM a 18 PM. Museo de Arte de Zapopan. Andador 20 de Noviembre 166 frente al ayuntamiento. El evento se llevo a cabo desde el 16 de Enero hasta la clausura de Febrero.

Al estar recorriendo el sitio de las artes plásticas, el reconocido artista mexicano saco igualmente una serie de fotografías serie platino para dejar en claro todo lo que ha podido realizar; procedente de Michoacán en 1962 usa el estilo expresionista contemporáneo usando el cuerpo humano, donde sus obras demuestran movimiento y celebración en la piel.

Estan hechas de barro, bronce, amaranto, resina, tabaco y tierra aunque la gente menciona que sus raíces son clasicas el autor esta demostrando que va un paso adelante del arte conceptual ya que su arte es más figurativo debido a que le da importancia a los objetos que retoman los fundamentos del trabajo directo de los artistas.

Su significado podría ser considerado como la situación actual del ser humano cuando la informacion es instantánea, es decir un registro de lo que hemos llegado a ser después de tanta historia con lo que debería llamar representaciones plasticas.

En opiniones personales, envuelve los temas malancolicos y el tema de las diferencias entre generos aunque pude observar que la mayoría son desnudos que tienen expresiones de hambruna, retomando acercamientos al rostro, los pies y las manos que de hecho estan desproporcionados y muestran el tiempo del individuo.

Por un momento llegue a pensar que se trataba de cadaveres o trataba de crear una referencia a las quemaduras, pero empeze a compararlos con dioses ya que en cierto momento sentí que llevaban un aire de misticismo; de cualquier forma hasta me daba impresión que se trataba de fantasmas o sombras, con diferentes variaciones de blanco y negro.

Como siempre usaron un fondo blanco, y en los fragmentos escritos venía una parte donde asemejaban las obras con Eros y Thanatos, pero lo que llamo más la atencion fue la parte donde mencionan la tortura ya que estan desarticuladas ya que representarían de igual manera un paraíso perdido aunque sin entender si es realismo o no.

El cuello de ciertas esculturas no concuerda bien, pero lo feo tambien puede ser bello ya que ciertos gestos mostraban agresiones u obsesiones, mezclas, lo positivo con lo negativo en la sección donde aparte se usaron petalos de rosa con fierro; existieron algunas en posiciones fetales, donde lo relacione con el sentido de la intimidad o hasta lo avergonzante.

Son exposiciones altamente recomendables ya que me agradaron lo versatil, ya que uno podría pensar que son solo desechos pero la verdad es que no puedes juzgar los libros por las portadas, lo unico negativo es que ahora todos se creen críticos de arte.














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