Frida Kahlo en el MARCO -Miguel Duarte
Cuando llegué a la exposición de Frida, que estuvo en el Museo de ARte COntemporáneo (MARCO), lo primero que me llamó la atención fue la enorme fila afuera del museo. Nos tardamos en entrar alrededor de una hora. Después me enteré que la exposición terminaba el domingo, por eso estaba así de lleno, además había roto records de asistencia con más de 10 mil asistentes y con justa razón.
A través de más de 150 pinturas, dibujos, cartas y fotografías, se puede echar una mirada más personal, más íntima a la vida de la artista manejando una temática con relación al dolor frente al arte y la vida.
Los dibujos que hizo desde los 19 años dejan ver su evolución artística. Las fotografías nos muestran su relación con Diego Rivera.
Dentro de las obras más representativas de Frida Kahlo estuvieron "Columna Rota", "Las Dos Fridas" y "Hospital Henry Ford".
SALON DE LA FOTO/ Andres Barrientos
El Color ya esta aqui y solo faltas tu! ese fue el slogan de la muestra a la que fui esta vez.
En esta ocasión decidí realizar una visita al Centro de Arte Moderno de Guadalajara A.C, ubicado en Sao Paulo #2045, Col Providencia. Esta vez decidí investigar un poco antes de lanzarme a buscar una galería y durante me búsqueda encontré que en esta galería se estaba llevando a cabo una exposición de fotografía llamada “Salón de
Yo visite dos veces esta galería, la primera fue el miércoles 25 de septiembre y la segunda fue el miércoles 4 de octubre, no fue porque me hayan encantado tanto las fotos como para ir 2 veces, sino porque en la primera ocasión no me dejaron fotografiar la obras por lo que me dedique a ver las fotografías. El 4 de octubre regrese y fotografié algunas de las fotos que quedaban para subirlas al blog.
Las paredes del inmueble estaban pintadas de blanco y había muy buena iluminación por lo que las fotos se veían bastante bien. En su mayoría las técnicas usadas en las fotos eran digitales pero había dos que tres fotos tomadas con la técnica de impresión cromógena. Había gran variedad de fotos y temas en esta exposición, la verdad muchas de las fotos estaban muy bien tomadas y también había algunas un poco extrañas, pero en general diría que si valió la pena. Les recomiendo que vallan a ver la próxima exposición que se va a realizar en esta galería, se llama “Salón de la escultura” y comenzara la próxima semana estará hasta finales de Octubre.
La primer foto es mi favorita de toda la expo, se llama Lolita pop y la foto fue tomada por Rebecca López Vera y la técnica usada es salida digital.
la segunda foto es parte de una serie que se llama Santos, esta foto fue tomada por Cuitlahuac Correa.
ARRIBA EL TELÓN/ Guillermo Terán
Primero, es importante señalar que la galería es muy reducida y cuenta con dos niveles, a pesar de no contar con mucho espacio para exponer las obras, del poco espacio existente había gran parte desaprovechada, ya fuera porque las obras estaban arrinconadas o incluso había muchas que ni siquiera estaban colocadas sobre la pared. Aunado a esa desatención, los pocos cuadros en exhibición tenían muy poca o nula iluminación, lo que perjudicaba en cierta forma la apreciación de las pinturas.Pero como no hay mal que por bien no venga, dentro de las diversas obras que parecía fueron parte de una exposición colectiva, hubo una pieza que llamó mucho mi atención, se trataba de una obra en acrílico titulada Teatro, creada por el pintor tapatío y docente de la U. de G., Sergio Murillo.
Se trata de una obra llamativa, aunque no cuenta con muchos elementos que la compongan, los pocos que se ven sirven para provocarnos toda una serie de sensaciones diversas, lo primero que destaca es la máscara blanca en la parte superior, un símbolo tradicional cuando se trata de referirse al teatro; por otro lado, se observa cómo la máscara está sacando humo de su boca y cubriendo por completo el resto de la pieza, un aspecto muy recurrente en algunas obras de Murillo.Ambos elementos de la obra guardan un aire de misterio y secreto, evocando lo que sería una obra de teatro, donde no sabemos lo que sucederá en la misma. La máscara la podríamos interpretar como las distintas facetas que toma una persona en la vida misma, pues si lo pensamos bien, nuestra misma existencia podría considerarse una obra en proceso de creación. El humo bien podríamos pensar que representa el presente, que aparece como una cortina que no nos permite ver más allá de lo actual, lo que nos permite siempre vivir con gran expectativa.
Realmente la pintura de Sergio Murillo fue una grata sorpresa que resaltaba sobre las demás obras, y a su vez rescataba la situación en que se encontraba la galería, sería bueno que se pusiera atención en esos detalles para permitir que los asistentes puedan disfrutar su momento de estadía al interior del lugar.
Foto 1. Galería Sánchez Villanueva. Guadalajara, Jalisco.
Foto2. Teatro,de Sergio Murillo.
Autor de las fotos: Guillermo Terán
Balcones de ensamble | 360 grados
El jueves 27 de Septiembre del 2007 en la Galería Pablo García, ubicada en la colonia providencia, Guadalajara Jalisco, se presentaron las exposiciones de Mónica Escutia y Francisco Gomes llamadas Balcones de ensamble y 360 grados. La primera, una excelente exposición fotográfica la cuál, en su mayoría es en blanco y negro o sepia. Todas las fotografías tienen movimiento, emplea varias técnicas para lograr los efectos; algunos efectos los hace por medio de barridos, es decir, deja abierto el obturador de la cámara por más tiempo. Otras fotografías son retocadas; pega varias, crea efectos con el ordenador, etc., están impresas en una especie de lona mate, en gran formato. Aproximadamente un metro por dos metros y medio.
Balcones de ensamble de Mónica Escutia, son obras de acrílico. Utiliza la misma gama de colores en todas sus obras; azul cielo, azul aqua, naranja, morado y rojo. Crea sus obras uniendo figuras de distintos colores, como si fuera un rompecabezas. También hay otras piezas que las figuras se forman en distintos planos, y no están pegadas como en las otras.
Creo que esta exposición que realmente vale la pena las fotografías son interesantes por las técnicas empleadas y las obras de Mónica Escutia son muy coloridas y con una técnica muy llamativa.
Ciudad silenciosa/ Mario A. Medina
Dentro de la exposición de esta temporada en la galería “Aqua Gallery” encontré varias pinturas interesantes del autor mexicano, originario de Michoacán, Enrique Magaña que tiene entre sus obras una muy interesante titulada Ventanas.
Es una obra que a mi parecer tiene elementos abstractos ya que de manera un tanto extraña y estilizada representa edificios altos con sus respectivos y característicos ventanales y que conforman la mayor parte de las vistas urbanas de hoy en día.
A un nivel muy básico y personal la obra goza de mi agrado ya que los colores y el tipo de temática que maneja me resultan muy interesantes e inspiradores.
Tiene cierto equilibrio manejando colores claros arriba y se degrada hacia abajo con colores mas oscuros, ciertos detalles y motivos con colores rojos y azules dan un realce y variedad cromática a la pintura.
Es una crítica, siento yo, hacia la sociedad urbana actual con colores industrializados (tonos de gris) y con algunos despuntes de color y de esa forma se crea una especie de sentimiento de soledad y abatimiento que permiten la reflexión e interiorización del espectador.
En general las obras de este autor mantienen este sentimiento de soledad y simpleza que reflejan tranquilidad y toda una gama de sentimientos que invitan a la auto contemplación.
Contando historias/Anabel Casillas
Cada obra de arte tiene una historia como base, y esta es una de las premisas del pintor regio Jaime José. Sus pinturas son fácilmente reconocibles ya que están hechas a base de colores vivos, típicos del folklor mexicano. La obra de arte que elegí esta vez para dar mi punto de vista se titula “La jaula de oro” y me hace pensar en aquellas personas atrapadas en su opulencia, incapaces de ser completamente libres. Las aves, que son una figura identificada con las jaulas y vivir en cautiverio, los miran desde fuera como si se burlaran del falso libre albedrío del que se jactan.
Podemos ver que el cuadro está completamente equilibrado y que da la sensación de profundidad. Me parece que la jaula resalta aun más por los colores verdes y azulosos del fondo, además de que los pájaros amarillos que se miran parecen ser uno de los componentes del cuadro que más llaman la atención así como el ave negra que permanece solitaria en la esquina derecha del cuadro.
La obra fuera de parámetros de Adrii Juan Kraeppellin
Por Sarahy Sigie
Admirar las obras de Kraeppellin nos llevan a un estado de reflexión profunda, de confusión, de explosión de emociones, de la búsqueda y/o entendimiento de otras realidades que probablemente no podamos ni imaginar, y este estado de tensión intensa nos lleva a analizar los aspectos trascendentales de nuestra vida tal y como Kraeppellin lo comenta: “Mi pintura guarda un secreto que te plantea: ¿dónde estabas antes de nacer? (cuando apenas empieza la obra) ¿a dónde quieres ir después de morir? (cuando termina la obra)”[1].
La forma física en que el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, lugar donde la exposición se está llevando a cabo, montó este “monumento de expresiones artísticas” y el conjunto de ideas plasmadas en cada obra, nos llevan a perdernos en un laberinto en donde el tiempo parece no transcurrir y donde los pensamientos van a “mil por hora”. Durante el recorrido de este laberinto llamaron mi atención varias obras, sin embargo, mencionaré una que lleva a sintetizar a las demás; ésta es el autorretrato de Kreaeppelin, titulada I’m Golf Bledo in the Forest Rain, que nos lleva a entender a través del uso de colores y la lectura de los pensamientos de este autor (que se encuentran junto a la obra) su forma de ver la vida, de experimentarla y de reconocer en él el vacío existencialista que le provoca el vivir, la incertidumbre de no saber a dónde vamos. Analizar todo esto nos lleva a comprender las características, la profundidad mental y espiritual que se encuentran en la abstracción de sus obras y saber el porqué el artista se define a sí mismo de las siguiente manera: “Nunca tuve adolescencia, no tuve amigos ni grandes interrogantes, nunca me pregunté si era hombre o mujer, como si el mundo no estuviera en mí y como si yo no existiera en el mundo… soy un personaje de las cavernas del conocimiento que se atrevió a mirarse en el espejo de un riachuelo, en el espejo de los aires de la fantasía… me la paso como el gato Rión: arriba del árbol esperando a Alicia”[2].
Visitar la exposición de Adrii Juan Kraeppellin es darte la oportunidad de analizar los aspectos más ocultos, íntimos y profundos del ser humano a través de la apreciación de mundos inexistentes, de la fantasía y de la soledad.
[1] KREAEPPELIN, Adrii Juan. Kraeppellin. Pintura de Adrii Juan Kraeppellin. Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara. Del 7 de septiembre al 4 de noviembre 2007.
[2] KREAEPPELIN, Adrii Juan. Kraeppellin. Pintura de Adrii Juan Kraeppellin. Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara. Del 7 de septiembre al 4 de noviembre 2007.
El Círculo de Manjarrez / Karen Hach
El 26 de Octubre de este año, visité la galería Factor Arte Galeria ubicada en Rubén Darío. En dicha galería se presentó una exposición del artista Juan Carlos Manjarrez. La exposición, en su mayoría, eran oleos en tela, a mi parecer todos muy buenos. Sin embargo, una de las que más me gustó fue la obra titulada El Círculo. La obra es un oleo sobre tela de medidas de 80 x 80 cm.El cuadro está conformado por tres manos que forman un círculo. Las manos son delicadas y, al parecer, femeninas. La pintura es en blanco y negro con un juego de sombras. Es simple, pero al mismo tiempo, a mi parecer, es atractiva a la vista.
La obra pertenece al movimiento del realismo, ya que el tema principal está basado en la realidad. Se cuida de cada detalle plasmado como los de un retrato humano. La enciclopedia de arte Fotonostra dice que esto es parte de un lenguaje artístico que utiliza imágenes tomadas del mundo exterior, frente a la abstracción que sustituye dichas imágenes por gestos o signos sacados de un proceso mental, es decir, del mundo interior del artista. Lo que da fuerza a lo que estoy diciendo.
Si analizamos el cuadro desde la perspectiva de la composición, podemos observar que es una
obra bien compuesta. Es un cuadro equilibrado y que mantiene muchas de las reglas establecidas por el canon. Mantiene una simetría y las proporciones de las figuras corresponden.Ahora, en términos semióticos, el círculo simboliza ante todo, el tiempo: sin principio ni fin, como una sucesión continua e invariable de instantes, idénticos unos a otros. Así también hay una implicación psicológica profunda en este significado como perfección. Por otro lado, están las manos. La mano simboliza nuestros medios de acción; es lo que diferencia al hombre de los animales; puede ser un arma, una herramienta. También es importante mencionar que son 3 manos. El número 3 se vincula al placer, a la alegría de la vida, se focaliza en la solución. Es el número del talento, de la expresión. El 3 es el número de la perfección, el número divino.
A raíz de esto, puedo decir que el cuadro me transmite es un sentimiento de esperanza. Está en nosotros lograr un cambio, llegar a la perfección. Nosotros somos esa herramienta para lograr metas y que necesitamos de otros para llegar a nuestro objetivo. Cada uno de los elementos del cuadro simboliza belleza y perfección, y al menos en mi parecer puede figurarse el mundo. Es como una propuesta de esperanza del artista.
Autor de la Fotografía: Karen Hach Pinto
ONÍRICO Y CHELERO/ Saúl Zuno
Imágenes como una mujer negra con un planeta, una cabeza humana soñadora y un changuito a cuestas; un anciano apacible que amedrenta a una multitud de leones; un oscuro antro concurrido por sacerdotes de diversas religiones de sabor antiguo y una mujer vestida sólo por una gabardina abierta que monta una vaca halada de un hilo rojo por un maloso fumador de sombrero; un hombre agujerado, hueco su cuerpo a excepción de gusanos, cargando a un bebé en similares condiciones, pero más muerto; una mujer de atavío colorido haciendo un split en el suelo, con cara de algo entre la agonía y el placer y un edificio saliendo de su oreja derecha; entre otras, pintadas casi siempre en acrílico sobre tela (uno que otro óleo perdido por ahí), cuelgan de las paredes del lugar, aderezada la atmósfera con música entre olides sesenterones e indie del que todavía es underground, y una buena luz tenue para rematar.El marcado realismo logrado en la intención figurativa de los cuadros impresiona y magnifica la sensación de imposibilidad y locura que transmiten, la calidad lograda hace de esta exposición una propuesta sin duda notablemente superior a lo que suele ser presentado en los lugares de este tipo y de la zona.
MORFOZOOARIO/ Danya Hernández
Como lo dice la palabra (Morfozooario) es un juego constante de palabras y de imágenes. Son cuadros que están basados en la composición de una palabra pero al mismo tiempo los mezcla con imágenes de animales dando una relación tanto a la imagen como a la palabra, dándoles un contexto diferente.
“Caballete” es la obra que llamo más mi atención pero además tiene mucho juego respecto al titulo. Es una pintura al óleo sobre un lienzo, el restante de sus obras están echas con la misma técnica. Esta obra esta cotizada con la módica cantidad de 10,000 pesos mexicanos.
Existen dos tipos de caballete en esta pintura pero los dos sirven como herramienta para sostener algo, un caballete en donde los pintores sostienen sus lienzos para hacer sus obras y el otro es el lomo del caballo.
En la pintura Caballete ella nos esta demostrando dos aspectos o figuras diferentes que no tienen relación alguna a la vista pero si nos ponemos a pensar estas dos figuras son algo mas que una simple relación ya que por una parte nos demuestra el caballete que es el objeto, el utensilio que nos ayuda a sostener los lienzos sobre ellos y poder pintar con mayor facilidad, es por ello que vemos algunos cuadros para pintar que cuelgan o nacen de una pequeña y delgada rama de madera que cuelga hasta el piso, no se encuentra un caballete físico pero esta la representación de la madera con la rama. Sin embargo en realidad la composición de esta palabra significan Lomo de Caballo y es por ello que nos esta demostrando al pequeño pintor sobre el lomo de un caballo en el cual sostiene todo su peso mientras el pinta algunos cuadros. El caballo es una mezcla porque tiene manos de humano, cara cuerpo y cola de un caballito del mar pero en la cabeza t
iene unos pronunciados cuernos rojos que llaman mucho la atención. El juego de colores es interesante la parte donde esta el pintor tiene mucha luz las otras tres esquinas de la pintura son sombras, los colores que utilizo son una mezcla agradable para la vista la de las persona.
Los invito a ver esta exposición, a pesar de que es pequeña es muy interesante.
Kraeppellin, los colores de la vida
La exposición de Juan Kraeppellin fue bastante interesante, esto debido a que no sabía que esperar y a final de cuentas fue una experiencia por demás agradable. En sus obras nos muestra de una manera muy personal lo que para él son las dudas que tiene sobre lo que es ser un hombre, en el sentido humano.
Tenían una gran colección de obras en el Museo de las Artes de la UDG, en estos trabajos se destaca más que la fígura y las formas los tonos y el juego con los colores. Además de que plasma temas de la cotidianidad que hacen que entre la complejidad de sus obras de arte sea más fácil la comprensión de los mismos, los sentimientos y experiencias que son muy comunes entre las personas día a día.
Como mencioné antes usa una gran variedad de colores, contrastados con lineas provocadoras que le dan una sensación de movimiento a sus obras. La exposición fue una experiencia bastante agradable ya que a final de cuentas pude ver que el autor dentro de sus obras que pueden llegar a ser bastante confusas de alguna manera si llega a transmitir las emociones que quiere transmitir como sus dudas acerca de la sexualidad y lo que es hombre o lo que es ser mujer.
Pedro H. García Arias
Un Kraeppellin cae en GDL/ Mario Medina
Esta exposición, que al parecer retomaba los trabajos del autor desde que comenzó a crear a mediados de los 70, mostraba diversas obra
s desde pinturas y dibujos hasta esculturas e instalaciones todas con un punto de ver y entender el mundo de forma muy particular.Como común denominador en sus obras se aprecia una gran aceptación y gusto por los colores vivos y llamativos, la saturación y la expresión de sentimientos y tribulaciones cotidianas desde el existencialismo hasta el erotismo.
En cuanto al diseño ciertas obras están compuestas de manera caprichosa y altamente llamativas, sin duda Kraepellin es un artista muy expresivo que se vale de sus sentimientos y vivencias para crear piezas de alto impacto visual y emocional y que evocan en cierto modo un estilo de diseño digerible para todos debido a su simpleza y su poder.
Al otro lado del charco/ Anabel Casillas
¿Quién es José Hernández Claire?, ¿qué busca al fotografiar migrantes?, o ¿qué lo hace ponerse del otro lado del muro? Este artista orgullosamente tapatío es capaz de inmortalizar, con el poder de la lente, una realidad dramática en blanco y negro, cuya misión va más allá del arte, tiene un propósito social.
ionetas repletas de hombres y la figura tétrica de un muro imponente que sirve como parte aguas entre la necesidad y el sueño americano. Sin embargo, algo que me agradó bastante es que este fotógrafo también representa la permanencia de la identidad mexicana por encima de la adversidad, mostrando caras felices en las fiestas que caracterizan a nuestro país.
DE LA CALLE/ Sonia Escoto
En la ciudad de Guadalajara no es difícil encontrarse con paredes repletas de graffitis que toman un papel importante sólo para los que las hacen. Firmas o dibujos como forma probablemente de marcar un territorio o simplemente dejar un legado para las personas que más adelante transitarán esa calle. Lo que sí es seguro es que la mayoría de las personas, si bien por el hecho de pasar todos los días frente a ese montón de rayas casi ilegibles, no le toman mayor importancia, o por otro lado es posible que las personas vean esto no como arte urbano sino como contaminación visual en una ya de por sí sucia ciudad: el graffiti es lo último en lo que pensarían como una propuesta de arte.
Todo lo contrario se percibe en ACNE en donde se hace una atenta llamada al Arte Contemporáneo Nada Elegante, parafraseando las siglas, galería de arte que se ubica en las nueve esquinas. En donde si bien lo que proponen es hacer una invitación a los artistas que tengan algo que proponer, esta galería verdaderamente está comprometida con lo que hace. A lo largo y ancho de sus paredes se encuentra un buen número de graffitis hechos por una iniciativa del colectivo Freakolors que hicieron extensa una invitación al grupo VRS (Verdadera Realidad Social).
No só
lo es el hecho de que al entrar a la galería encuentras las paredes totalmente cubiertas con distintos materiales como el aerosol, esténcil, stiker y acrílico sino que de manera inexplicable te hace sentir cómodo con lo que ves, es decir, que a pesar de que se trata de un montón de graffitis de diferentes colores no muy diferentes a los que normalmente podrías encontrar a lo largo de las calles de la Av. Federalismo te hacen hacer comentarios como lo magnífico que se torna un graffiti al verlo de cerca y tratar de ver qué es lo que te quiso decir el “artista” o todo el trabajo que implica hacer una de estas expresiones contemporáneas de arte. 
Como conclusión de lo anterior, no se trata más que de un ejercicio de descontextualización, ya que sin temor a equivocarme, el graffiti se torna diferente y mucho más bello en una galería que en la pared de nuestra casa.
GRAFFIKA 02, 2007
Mujer… ¿Seductora? / Rafael Luengas
El método que el usa es a base de fotografiar desnudos y después de un arduo análisis se hace la selección de la fotografía para pintarla.
La pintura que observamos es totalmente realista, ya que plasma en sus cuadros casi el retrato de figuras humanas desnudas, muestra mucho el detalle de cada arruga, de cada gesto que las personas hicieron en la fotografía, maneja las proporciones de manera muy exacta y es casi imperceptible la diferencia entre una foto y una pintura.
Este autor tiene la característica de pintar e blanco y negro o en escala de grises, claro que tiene sus excepciones, pero la mayoría de sus obras tienen esta características.
El cuadro lo que me quiere trasmitir es que la seducción se da de una manera muy pura, por lo que la representación de no estar observando me dice que es un sentimiento puro que no necesita de los cinco sentidos en este caso la vista para ser detectado, o para ser expresado, el hecho de expresar este deseo pasional en la mujer le da un sentido extra, un sentido de pureza y de belleza.
Definitivamente es arte moderno porque lo puedes colocar en tus paredes y no importa si pasa el tiempo pues nunca desaparecerá, como ocurre con el arte contemporáneo.
Foto1.- “Seduction” 2007, Juan Carlos Manjarréz.
Autor de la foto.- Rafael Luengas
Foto2.- “Seduction” 2007, Juan Carlos Manjarréz
Autor de la foto.- Rafael Luengas
Galeria de la loteria
Es un cuadro muy interesante por los elementos que contiene y que me parece transmiten un sentiimento extraño el cual no solo se limita a recordar si no volver a vivir lo que se revive en esta obra de arte.
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