LA BIENAL DE FOTOGRAFÍA 2006 EN EL MAZ / Natalia Cadena Romo

El Museo de Arte de Zapopan (MAZ) será sede del 25 de julio al 28 de octubre de este certamen, el de mayor prestigio a nivel nacional. Aquí se alberga el talento de distintos artistas, los cuales a través de sus fotografías buscan transmitir al público sus emociones.

Tanto los temas como las técnicas de cada artista son completamente variados, por lo que cada trabajo tiene un encanto especial, sin embargo, como era de esperarse, hubo algunos que me gustaron más que otros. Lo interesante de la exposición es que tú como espectador puedes ver la foto y percibir en tí ciertos sentimientos, puedes tener tu propia interpretación del trabajo de otro, pero en el momento en que lees lo que el autor en realidad quiso transmitir, te cambia toda la perspectiva y vuelves a ver la foto desde un enfoque completamente distinto. En mi caso, muchas de esas fotos me removieron experiencias personales, cosa de la cual yo misma me sorprendí…en ese momento pude comprobar que si bien cada persona es distinta, las emociones a fin de cuentas son las mismas y es aquello que crea un vínculo entre las personas; este tipo de muestras artísticas crea una especie de interacción entre el autor, el espectador y el objeto.

De entre todas las obras, muchas fueron las que causaron un impacto en mí, sin embargo, ninguna fue capaz de literalmente dejarme paralizada unos segundos como el trabajo de Federico Gama, titulado:Mazahuacholoskatopunk, Una serie de diez fotografías que retratan a distintos jóvenes en locaciones urbanas. El elemento común que se puede notar en ellos es que todos portan un “look” rebelde, cada uno en diferente estilo (de allí el título de la foto), algunos traen el cabello erizado y pintado de distintos colores, otros portan vestimenta negra con cadenas y picos como parte de su decoración, otros al puro estilo “cholo” y otros más americanizados: camisas enormes de béisbol con gorras de lado. Si en un principio no lees el recuadro que está por un lado de éstas, donde el autor sintetiza en unas cuantas líneas la intención de sus imágenes, puede pasar desapercibida toda la esencia de éstas.

Aquí el punto central está en que todos estos jóvenes retratados con ese aire rebelde y urbano no son sino miembros de distintas comunidades indígenas que migraron a la ciudad de México en busca de mejores condiciones. Me parece increíble y bastante triste que nuestro país cada día esté perdiendo más y más su identidad, sus raíces, aquello que nos hace únicos y auténticos ante el resto del mundo. Sea por cuestiones económicas o simplemente el miedo al rechazo, estos jóvenes, la esencia de nuestra cultura, se están viendo orillados a adoptar híbridas identidades con el único afán de pertenecer y ser reconocidos en esta sociedad de estereotipos.

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LA OBSCURIDAD DEL CUERVO / Karen Hach

En la Galería Sánchez Villanueva se presentó una exposición de diversos artistas llamada “Colectiva de Dibujo y Grabado”. Una de las obras que más llamó mi atención fue la de José Pérez, titulada “El Cuervo”. La técnica utilizada en dicha obra fue Agua Tinta Bruñida.
En el cuadro se observa la espalda de una mujer desnuda en posición encorvada. En su hombro derecho, posa un cuervo de frente al espectador y en la esquina superior derecha se observa la luna llena. La pintura se encuentra en tonos sombríos, teniendo como luz única la de la luna ya mencionada.
Al tratar de entender el sentido de la obra, se puede llegar a interpretar un trasfondo un tanto melancólico y un sentimiento de soledad. Los colores, el cuervo, la luna y la posición de la mujer, nos ayudan a concretar la atmósfera oscura que acompaña el cuadro.
En términos semiológicos, el cuervo representa distintas percepciones: dolor, traición, maldad, muerte… En el cuadro puede significar que la mujer ha sufrido o ha padecido algunas de estas situaciones. La desnudez, en mi parecer, simboliza la vulnerabilidad de la persona al haber atravesado por tales experiencias. Finalmente, la luna llena representa el fin de algo. Uniendo todos estos conceptos, podemos inferir que el pintor quiso describir una situación escatológica de sufrimiento y traición.
El hecho de que la mujer esté de espalda al espectador y el cuervo de frente, para mí puede significar que la mujer se rehúse a ver alguna experiencia dolorosa. Sin embargo, el cuervo de frente y erguido, confirma la veracidad del hecho que se supone.
Esta obra, en mi opinión, sí puede ser considerada una obra de arte. Pues, el trabajo que requiere lograr el realismo y el juego de sombras es digno de reconocimiento. Por otro lado, se puede decir que forma parte del arte moderno, ya que permanece y perdura.

Foto 1 y 2: El Cuervo (2007), José Pérez
Autor de la foto: Karen Hach

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En la Galería Sánchez Villanueva se presentó una exposición de diversos artistas llamada “Colectiva de Dibujo y Grabado”. Una de las obras que más llamó mi atención fue la de José Pérez, titulada “El Cuervo”. La técnica utilizada en dicha obra fue Agua Tinta Bruñida.
En el cuadro se observa la espalda de una mujer desnuda en posición encorvada. En su hombro derecho, posa un cuervo de frente al espectador y en la esquina superior derecha se observa la luna llena. La pintura se encuentra en tonos sombríos, teniendo como luz única la de la luna ya mencionada.
Al tratar de entender el sentido de la obra, se puede llegar a interpretar un trasfondo un tanto melancólico y un sentimiento de soledad. Los colores, el cuervo, la luna y la posición de la mujer, nos ayudan a concretar la atmósfera oscura que acompaña el cuadro.
En términos semiológicos, el cuervo representa distintas percepciones: dolor, traición, maldad, muerte… En el cuadro puede significar que la mujer ha sufrido o ha padecido algunas de estas situaciones. La desnudez, en mi parecer, simboliza la vulnerabilidad de la persona al haber atravesado por tales experiencias. Finalmente, la luna llena representa el fin de algo. Uniendo todos estos conceptos, podemos inferir que el pintor quiso describir una situación escatológica de sufrimiento y traición.
El hecho de que la mujer esté de espalda al espectador y el cuervo de frente, para mí puede significar que la mujer se rehúse a ver alguna experiencia dolorosa. Sin embargo, el cuervo de frente y erguido, confirma la veracidad del hecho que se supone.
Esta obra, en mi opinión, sí puede ser considerada una obra de arte. Pues, el trabajo que requiere lograr el realismo y el juego de sombras es digno de reconocimiento. Por otro lado, se puede decir que forma parte del arte moderno, ya que permanece y perdura.
Foto 1 y 2: El Cuervo (2007), José Pérez
Autor de la foto: Karen Hach

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MAZAHUACHOLOSKATOPUNK / Carolina Toussaint Fonseca


El título de esta obra es largo y en un principio resulta difícil de pronunciar porque, en una palabra, Mazahuacholoskatopunk, Federico Gama probablemente busca reunir lo que en su creación refleja. Es decir los jóvenes provenientes de comunidades indígenas y rurales que habitan la Ciudad de México trabajando generalmente como albañiles o empleadas domésticas. Han creado un estilo propio diferente, con una fuerte personalidad y toques de rebeldía. Al igual que los cholos, skatos y punks representan una contracultura que no tiene como prioridad el factor económico sino su vida urbana y el orgullo de cómo la saben llevar. Todo lo mencionado tiene como origen el hecho de que han sido marginados y discriminados, implica cuestiones sociales y políticas de nuestro país. Aún así, al verlos en la Alameda Central pareciera que no pertenecen a nuestra sociedad y son vistos de una manera distinta. Es un error, ya que son un grupo con una nueva cultura urbana mestiza que mediante su moda y actitud están expresando mucho, resulta interesante poner atención como lo ha hecho el artista. Al observar las imágenes sentía como si en realidad estuviera frente a las personas presentadas, creo que su esencia fue capturada excepcionalmente porque inspira esa seguridad y visión ante el mundo. Se exhibe en el Museo de Arte de Zapopan (MAZ), dentro de la Sala Juan Soriano en la sección de la XII Bienal de Fotografía.


Foto1: Mazahuacholoskatopunk (2007), de Federico Gama
Autora de la foto: Carolina Toussaint Fonseca
Foto2: Mazahuacholoskatopunk (2007), de Federico Gama
Autora de la foto: Carolina Toussaint Fonseca

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PELIGRO DE BEBER / Pedro H. García Arias

Peligro de beber fue el performance de bajo perfil realizado el lunes 27 de agosto en el Tecnológico de Monterrey Campus Guadalajara. El proyecto consistió en que algunos alumnos llevaran agua en un envase de cloro, la famosa Cloralex, para que tomaran agua de ella, aludiendo (y eludiendo) la típica imagen de la botella de agua con la que se suelen pasear los alumnos por la universidad.

¿Una veintena de estudiantes tomando Cloralex? La reacción inmediata de las personas que los veían hacerlo era de sorpresa. ¿Cómo era posible que anduvieran por ahí tomando cloro?. Incluso algunas personas impedían a sus conocidos que tomaran agua de esa botella aunque en el fondo sabían que no contenía nada venenoso.

La sensación de peligro era en realidad la intención del performance: sí se movieron sentimientos y sensaciones en las personas que estuvieron expuestas.

En lo personal se me hizo una gran idea el hacerlo; todos los días damos por hecho que el agua está ahí e incluso damos por hecho que el agua está muy limpia y es saludable para nosotros; pero la realidad de las cosas es que el agua no va a estar para siempre y que no siempre estará limpia y lista para que la bebamos.

Fue un buen performance porque, además de que fue hecho de manera que la mayoría del cuerpo estudiantil del Tecnológico estuvo expuesta a él, logró despertar esos sentimientos de peligro en las personas con sólo cambiar el empaque en algo que solemos hacer todos los días.

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FAROS DE LA NOCHE, OSCURIDAD DE SUS CASAS/ Saúl Zuno


A la Noche, exposición colectiva de Luly Sosa (foto), Sofía Crimen (escultura-instalación) y Rocío Sáenz (pintura), nos muestra un panorama entre etéreo y mágico, oscuro y perturbador de lo que sucede durante las horas a las que nunca les da el sol. Entre homenaje y crítica a la ciudad contemporánea, a la Guadalajara de hoy. Cuerpos sin sus miembros o con nuevos artefactos en su lugar, cuerpos desnudos flotando, perros en los sueños, compartiendo sueños o como observadores de los sueños de sus dueños, un osito de peluche con alfileres, changuitos místicos, bolsas de basura, paradas de camión, calles transitadas y ruidosas, tacones de aguja y mucho pintauñas rojo.

El trabajo de Rocío Sáenz es el más directamente urbano: un conjunto de paisajes que retratan avenidas enormes, con sus puentes y sus embotellamientos; Tríptico de la Basura es más un ejercicio curioso de reflexión que un folleto aburrido relleno de frases trilladas. Aunque también se suma al ambiente onírico del conjunto, con óleos que nos presentan mujeres durmientes, ya sea flotando en medio de la ciudad o vomitando en el subconsciente de sus mascotas.



La obra de Sofía Crimen es la que más suma el elemento de perturbación al conjunto, con esculturas de cuerpos femeninos, siempre de pechos flácidos (con un solo pezón, el otro reemplazado por una cicatriz en forma de equis), siluetas rollizas, piel grisáceo-amarillenta y pies (cuando los hay) semidescalzos, sustituyendo con frecuencia partes de los cuerpos, con recurrencia desmembrados, con objetos como lavamanos y poleas. Salta a la vista su instalación al fondo de la sala, compuesta por una cama hecha de tuberías, llaves de paso y esferas rojas, rodeada de alguna especie de primates pequeños (y hasta un cerdo entubado por ahí), con dibujos de mujeres soñando con armas de fuego, ejemplificando la magia de la noche, que nos permite vivir todas nuestras fantasías sin que nadie se entere, sin que haya consecuencia: saborear el anhelo por un instante.

Por último (aunque no por ello menos importante), tenemos a la fotógrafa Luly Sosa, quien nos muestra una serie de trucos visuales entre desnudos voladores, leche derramada, juegos de luz y perros psicoanalistas; la esquina de un cuarto más bien simple (paredes, puertas y techo blancos, alfombra café) se transforma en un lugar insólito susceptible de provocar amplia variedad de reacciones en el espectador. Sosa presenta además otras fotos en exteriores que siguen también la línea de lo urbano y lo oscuro, como Magdalena con Piedra, imagen de una mujer a la que uno identifica sin mucho trabajo como una prostituta, nos enseña sus bragas (el cierre de sus pantalones de mezclilla abajo) y hace alguna especie de malabar con unas piedras. El juego de conceptos y palabras nos puede remitir tanto a “fumar piedra” como a “el que esté libre de pecado, que tire la primera piedra”.


A la Noche (2007). Exposición de Luly Sosa, Sofía Crimen y Rocío Sáenz.
Lugar: galería del Ex Convento del Carmen.
Montaje y museografía: Miguel Alcaráz, Juan Manuel García, Juan Francisco García, Christian Montes y Francisco Barreda. Fotos: Ricardo Balderas.

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47 PESOS / Rodolfo Márquez

Millones de mexicanos tienen que trabajar arduamente para poder sobrevivir en este país tan desigual, donde unos cuantos tienen el poder y la riqueza del país y el resto de la población soporta sumisa los mensajes que los mismos ricos y poderosos les mandan a través de los medios de comunicación.Con el discurso de la globalización y el concepto de modernidad, las empresas envían mensajes que proponen estilos de vida a los mexicanos donde el consumo de sus productos es parte de sus metas.

Precisamente esto es lo que nos refleja Luis Alberto Calderón Bandera en su obra fotográfica 47 pesos (agosto 2007, MAZ) en el museo MAZ, Zapopan, Jalisco. Es una imagen que nos muestra el interior de un refrigerador: uno viejo, un poco oxidado, casi vacío. En la parte inferior hay algunos vegetales y en la parte superior lo único que hay son dos botellas de refresco casi vacías; una Coca Cola y una Manzanita Sol, ambas de la empresa refresquera más grande del mundo.

Desde mi perspectiva, el título de la obra, 47 pesos, hace referencia justamente al promedio de un salario mínimo en México. Si observamos la fotografía podemos observar el marco social que se quiere representar: el poco alimento que hay está por agotarse, claro, pero la mercadotecnia llega hasta las casas más pobres del país. Probablemente una familia no puede comprar un tipo de alimento más nutritivo, precisamente por su sueldo, pero la “Coca” no debe faltar jamás en una casa decente.

Exposición: Luis Alberto Calderón
Museo de Arte de Zapopan (MAZ)
Zapopan Jalisco
agosto y septiembre, 2007

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