ARRIBA EL TELÓN/ Guillermo Terán
Me encontraba por la Colonia Providencia en busca de una galería que pudiera llamar mi atención cuando tuve la fortuna de encontrar la Galería Sánchez Villanueva ubicada sobre la Av. Pablo Neruda, aunque fue un hallazgo fortuito terminó muy rápido el gusto de haber encontrado dicho lugar.
Primero, es importante señalar que la galería es muy reducida y cuenta con dos niveles, a pesar de no contar con mucho espacio para exponer las obras, del poco espacio existente había gran parte desaprovechada, ya fuera porque las obras estaban arrinconadas o incluso había muchas que ni siquiera estaban colocadas sobre la pared. Aunado a esa desatención, los pocos cuadros en exhibición tenían muy poca o nula iluminación, lo que perjudicaba en cierta forma la apreciación de las pinturas.
Pero como no hay mal que por bien no venga, dentro de las diversas obras que parecía fueron parte de una exposición colectiva, hubo una pieza que llamó mucho mi atención, se trataba de una obra en acrílico titulada Teatro, creada por el pintor tapatío y docente de la U. de G., Sergio Murillo.
Se trata de una obra llamativa, aunque no cuenta con muchos elementos que la compongan, los pocos que se ven sirven para provocarnos toda una serie de sensaciones diversas, lo primero que destaca es la máscara blanca en la parte superior, un símbolo tradicional cuando se trata de referirse al teatro; por otro lado, se observa cómo la máscara está sacando humo de su boca y cubriendo por completo el resto de la pieza, un aspecto muy recurrente en algunas obras de Murillo.
Ambos elementos de la obra guardan un aire de misterio y secreto, evocando lo que sería una obra de teatro, donde no sabemos lo que sucederá en la misma. La máscara la podríamos interpretar como las distintas facetas que toma una persona en la vida misma, pues si lo pensamos bien, nuestra misma existencia podría considerarse una obra en proceso de creación. El humo bien podríamos pensar que representa el presente, que aparece como una cortina que no nos permite ver más allá de lo actual, lo que nos permite siempre vivir con gran expectativa.
Realmente la pintura de Sergio Murillo fue una grata sorpresa que resaltaba sobre las demás obras, y a su vez rescataba la situación en que se encontraba la galería, sería bueno que se pusiera atención en esos detalles para permitir que los asistentes puedan disfrutar su momento de estadía al interior del lugar.
Foto 1. Galería Sánchez Villanueva. Guadalajara, Jalisco.
Foto2. Teatro,de Sergio Murillo.
Autor de las fotos: Guillermo Terán
Primero, es importante señalar que la galería es muy reducida y cuenta con dos niveles, a pesar de no contar con mucho espacio para exponer las obras, del poco espacio existente había gran parte desaprovechada, ya fuera porque las obras estaban arrinconadas o incluso había muchas que ni siquiera estaban colocadas sobre la pared. Aunado a esa desatención, los pocos cuadros en exhibición tenían muy poca o nula iluminación, lo que perjudicaba en cierta forma la apreciación de las pinturas.Pero como no hay mal que por bien no venga, dentro de las diversas obras que parecía fueron parte de una exposición colectiva, hubo una pieza que llamó mucho mi atención, se trataba de una obra en acrílico titulada Teatro, creada por el pintor tapatío y docente de la U. de G., Sergio Murillo.
Se trata de una obra llamativa, aunque no cuenta con muchos elementos que la compongan, los pocos que se ven sirven para provocarnos toda una serie de sensaciones diversas, lo primero que destaca es la máscara blanca en la parte superior, un símbolo tradicional cuando se trata de referirse al teatro; por otro lado, se observa cómo la máscara está sacando humo de su boca y cubriendo por completo el resto de la pieza, un aspecto muy recurrente en algunas obras de Murillo.Ambos elementos de la obra guardan un aire de misterio y secreto, evocando lo que sería una obra de teatro, donde no sabemos lo que sucederá en la misma. La máscara la podríamos interpretar como las distintas facetas que toma una persona en la vida misma, pues si lo pensamos bien, nuestra misma existencia podría considerarse una obra en proceso de creación. El humo bien podríamos pensar que representa el presente, que aparece como una cortina que no nos permite ver más allá de lo actual, lo que nos permite siempre vivir con gran expectativa.
Realmente la pintura de Sergio Murillo fue una grata sorpresa que resaltaba sobre las demás obras, y a su vez rescataba la situación en que se encontraba la galería, sería bueno que se pusiera atención en esos detalles para permitir que los asistentes puedan disfrutar su momento de estadía al interior del lugar.
Foto 1. Galería Sánchez Villanueva. Guadalajara, Jalisco.
Foto2. Teatro,de Sergio Murillo.
Autor de las fotos: Guillermo Terán
Balcones de ensamble | 360 grados
El jueves 27 de Septiembre del 2007 en la Galería Pablo García, ubicada en la colonia providencia, Guadalajara Jalisco, se presentaron las exposiciones de Mónica Escutia y Francisco Gomes llamadas Balcones de ensamble y 360 grados. La primera, una excelente exposición fotográfica la cuál, en su mayoría es en blanco y negro o sepia. Todas las fotografías tienen movimiento, emplea varias técnicas para lograr los efectos; algunos efectos los hace por medio de barridos, es decir, deja abierto el obturador de la cámara por más tiempo. Otras fotografías son retocadas; pega varias, crea efectos con el ordenador, etc., están impresas en una especie de lona mate, en gran formato. Aproximadamente un metro por dos metros y medio.
Balcones de ensamble de Mónica Escutia, son obras de acrílico. Utiliza la misma gama de colores en todas sus obras; azul cielo, azul aqua, naranja, morado y rojo. Crea sus obras uniendo figuras de distintos colores, como si fuera un rompecabezas. También hay otras piezas que las figuras se forman en distintos planos, y no están pegadas como en las otras.
Creo que esta exposición que realmente vale la pena las fotografías son interesantes por las técnicas empleadas y las obras de Mónica Escutia son muy coloridas y con una técnica muy llamativa.
Rodolfo Márquez
Ciudad silenciosa/ Mario A. Medina
Dentro de la exposición de esta temporada en la galería “Aqua Gallery” encontré varias pinturas interesantes del autor mexicano, originario de Michoacán, Enrique Magaña que tiene entre sus obras una muy interesante titulada Ventanas.
Es una obra que a mi parecer tiene elementos abstractos ya que de manera un tanto extraña y estilizada representa edificios altos con sus respectivos y característicos ventanales y que conforman la mayor parte de las vistas urbanas de hoy en día.
A un nivel muy básico y personal la obra goza de mi agrado ya que los colores y el tipo de temática que maneja me resultan muy interesantes e inspiradores.
Tiene cierto equilibrio manejando colores claros arriba y se degrada hacia abajo con colores mas oscuros, ciertos detalles y motivos con colores rojos y azules dan un realce y variedad cromática a la pintura.
Es una crítica, siento yo, hacia la sociedad urbana actual con colores industrializados (tonos de gris) y con algunos despuntes de color y de esa forma se crea una especie de sentimiento de soledad y abatimiento que permiten la reflexión e interiorización del espectador.
En general las obras de este autor mantienen este sentimiento de soledad y simpleza que reflejan tranquilidad y toda una gama de sentimientos que invitan a la auto contemplación.
Contando historias/Anabel Casillas
Cada obra de arte tiene una historia como base, y esta es una de las premisas del pintor regio Jaime José. Sus pinturas son fácilmente reconocibles ya que están hechas a base de colores vivos, típicos del folklor mexicano. La obra de arte que elegí esta vez para dar mi punto de vista se titula “La jaula de oro” y me hace pensar en aquellas personas atrapadas en su opulencia, incapaces de ser completamente libres. Las aves, que son una figura identificada con las jaulas y vivir en cautiverio, los miran desde fuera como si se burlaran del falso libre albedrío del que se jactan.
Podemos ver que el cuadro está completamente equilibrado y que da la sensación de profundidad. Me parece que la jaula resalta aun más por los colores verdes y azulosos del fondo, además de que los pájaros amarillos que se miran parecen ser uno de los componentes del cuadro que más llaman la atención así como el ave negra que permanece solitaria en la esquina derecha del cuadro.
La obra fuera de parámetros de Adrii Juan Kraeppellin
Por Sarahy Sigie
Cuando alguien presenta una propuesta que sale de los parámetros aceptados, generalmente es poco entendido y rechazado en un principio; esto mismo ocurre cuando alguien es capaz de decir lo que piensa, vivir como piensa, experimentar lo que quiere, dejando de lado lo que es socialmente correcto; es experimentar una libertad mental, corporal y espiritual que nos lleva a encontrar dentro de las cosas simples su profundidad, dentro de las cosas complejas su sencillez, nos lleva a comprender la trascendencia de la historia, del pasado, de lo mágico, del futuro, de lo inexplicable, de lo prohibido, de lo socialmente aberrante, tal es el caso del artista Adrii Juan Kraeppellin.
Admirar las obras de Kraeppellin nos llevan a un estado de reflexión profunda, de confusión, de explosión de emociones, de la búsqueda y/o entendimiento de otras realidades que probablemente no podamos ni imaginar, y este estado de tensión intensa nos lleva a analizar los aspectos trascendentales de nuestra vida tal y como Kraeppellin lo comenta: “Mi pintura guarda un secreto que te plantea: ¿dónde estabas antes de nacer? (cuando apenas empieza la obra) ¿a dónde quieres ir después de morir? (cuando termina la obra)”[1].
Admirar las obras de Kraeppellin nos llevan a un estado de reflexión profunda, de confusión, de explosión de emociones, de la búsqueda y/o entendimiento de otras realidades que probablemente no podamos ni imaginar, y este estado de tensión intensa nos lleva a analizar los aspectos trascendentales de nuestra vida tal y como Kraeppellin lo comenta: “Mi pintura guarda un secreto que te plantea: ¿dónde estabas antes de nacer? (cuando apenas empieza la obra) ¿a dónde quieres ir después de morir? (cuando termina la obra)”[1].
Nosotros y nuestro amigos que se han ido.
Óleo sobre cartulina 35x57cm1982
Su obra trata temas mágicos, de sexualidad, de muerte, de vida, de nacimiento, de lo “antiguo”, del futuro “desconocido”, de la conformación mental y espiritual del hombre, de su razón de existir, del cumplimento de su destino, de la soledad, del individualismo, del dolor. Me pareció sorprendente el uso de colores de Kraeppellin, pues a pesar de utilizar tonos que al pensarlos denotan alegría, logra crear un ambiente de nostalgia, reflexión, confusión, soledad…
La forma física en que el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, lugar donde la exposición se está llevando a cabo, montó este “monumento de expresiones artísticas” y el conjunto de ideas plasmadas en cada obra, nos llevan a perdernos en un laberinto en donde el tiempo parece no transcurrir y donde los pensamientos van a “mil por hora”. Durante el recorrido de este laberinto llamaron mi atención varias obras, sin embargo, mencionaré una que lleva a sintetizar a las demás; ésta es el autorretrato de Kreaeppelin, titulada I’m Golf Bledo in the Forest Rain, que nos lleva a entender a través del uso de colores y la lectura de los pensamientos de este autor (que se encuentran junto a la obra) su forma de ver la vida, de experimentarla y de reconocer en él el vacío existencialista que le provoca el vivir, la incertidumbre de no saber a dónde vamos. Analizar todo esto nos lleva a comprender las características, la profundidad mental y espiritual que se encuentran en la abstracción de sus obras y saber el porqué el artista se define a sí mismo de las siguiente manera: “Nunca tuve adolescencia, no tuve amigos ni grandes interrogantes, nunca me pregunté si era hombre o mujer, como si el mundo no estuviera en mí y como si yo no existiera en el mundo… soy un personaje de las cavernas del conocimiento que se atrevió a mirarse en el espejo de un riachuelo, en el espejo de los aires de la fantasía… me la paso como el gato Rión: arriba del árbol esperando a Alicia”[2].
La forma física en que el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, lugar donde la exposición se está llevando a cabo, montó este “monumento de expresiones artísticas” y el conjunto de ideas plasmadas en cada obra, nos llevan a perdernos en un laberinto en donde el tiempo parece no transcurrir y donde los pensamientos van a “mil por hora”. Durante el recorrido de este laberinto llamaron mi atención varias obras, sin embargo, mencionaré una que lleva a sintetizar a las demás; ésta es el autorretrato de Kreaeppelin, titulada I’m Golf Bledo in the Forest Rain, que nos lleva a entender a través del uso de colores y la lectura de los pensamientos de este autor (que se encuentran junto a la obra) su forma de ver la vida, de experimentarla y de reconocer en él el vacío existencialista que le provoca el vivir, la incertidumbre de no saber a dónde vamos. Analizar todo esto nos lleva a comprender las características, la profundidad mental y espiritual que se encuentran en la abstracción de sus obras y saber el porqué el artista se define a sí mismo de las siguiente manera: “Nunca tuve adolescencia, no tuve amigos ni grandes interrogantes, nunca me pregunté si era hombre o mujer, como si el mundo no estuviera en mí y como si yo no existiera en el mundo… soy un personaje de las cavernas del conocimiento que se atrevió a mirarse en el espejo de un riachuelo, en el espejo de los aires de la fantasía… me la paso como el gato Rión: arriba del árbol esperando a Alicia”[2].
I'm Golf Bledo in the forest.
Óleo sobre cartulina 67.5x55.5cm (1995)
Visitar la exposición de Adrii Juan Kraeppellin es darte la oportunidad de analizar los aspectos más ocultos, íntimos y profundos del ser humano a través de la apreciación de mundos inexistentes, de la fantasía y de la soledad.
Sín Título.
Óleo sobre cartulina 57.5x66.5cm (1996)
KREAEPPELIN, Adrii Juan. Kraeppellin. Pintura de Adrii Juan Kraeppellin. Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara. Del 7 de septiembre al 4 de noviembre 2007. Avenida Juárez 975, planta bajaCP. 44100, Guadalajara, Jalisco, México Teléfono y fax: (33) 3134-1664
[1] KREAEPPELIN, Adrii Juan. Kraeppellin. Pintura de Adrii Juan Kraeppellin. Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara. Del 7 de septiembre al 4 de noviembre 2007.
[2] KREAEPPELIN, Adrii Juan. Kraeppellin. Pintura de Adrii Juan Kraeppellin. Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara. Del 7 de septiembre al 4 de noviembre 2007.
El Círculo de Manjarrez / Karen Hach
El 26 de Octubre de este año, visité la galería Factor Arte Galeria ubicada en Rubén Darío. En dicha galería se presentó una exposición del artista Juan Carlos Manjarrez. La exposición, en su mayoría, eran oleos en tela, a mi parecer todos muy buenos. Sin embargo, una de las que más me gustó fue la obra titulada El Círculo. La obra es un oleo sobre tela de medidas de 80 x 80 cm.El cuadro está conformado por tres manos que forman un círculo. Las manos son delicadas y, al parecer, femeninas. La pintura es en blanco y negro con un juego de sombras. Es simple, pero al mismo tiempo, a mi parecer, es atractiva a la vista.
La obra pertenece al movimiento del realismo, ya que el tema principal está basado en la realidad. Se cuida de cada detalle plasmado como los de un retrato humano. La enciclopedia de arte Fotonostra dice que esto es parte de un lenguaje artístico que utiliza imágenes tomadas del mundo exterior, frente a la abstracción que sustituye dichas imágenes por gestos o signos sacados de un proceso mental, es decir, del mundo interior del artista. Lo que da fuerza a lo que estoy diciendo.
Si analizamos el cuadro desde la perspectiva de la composición, podemos observar que es una
obra bien compuesta. Es un cuadro equilibrado y que mantiene muchas de las reglas establecidas por el canon. Mantiene una simetría y las proporciones de las figuras corresponden.Ahora, en términos semióticos, el círculo simboliza ante todo, el tiempo: sin principio ni fin, como una sucesión continua e invariable de instantes, idénticos unos a otros. Así también hay una implicación psicológica profunda en este significado como perfección. Por otro lado, están las manos. La mano simboliza nuestros medios de acción; es lo que diferencia al hombre de los animales; puede ser un arma, una herramienta. También es importante mencionar que son 3 manos. El número 3 se vincula al placer, a la alegría de la vida, se focaliza en la solución. Es el número del talento, de la expresión. El 3 es el número de la perfección, el número divino.
A raíz de esto, puedo decir que el cuadro me transmite es un sentimiento de esperanza. Está en nosotros lograr un cambio, llegar a la perfección. Nosotros somos esa herramienta para lograr metas y que necesitamos de otros para llegar a nuestro objetivo. Cada uno de los elementos del cuadro simboliza belleza y perfección, y al menos en mi parecer puede figurarse el mundo. Es como una propuesta de esperanza del artista.
Fotos 1 y 2: “El círculo”(2007), Juan Carlos Manjarrez
Autor de la Fotografía: Karen Hach Pinto
Autor de la Fotografía: Karen Hach Pinto
ONÍRICO Y CHELERO/ Saúl Zuno
En La Barra de Tomás -especie de bar/café/galería del Centro Histórico muy propio para nerds, intelectuales, pretenciosos y demás fauna bohemia, sobre todo en el after de alguna inauguración de viernes por la noche- podemos encontrar en exposición una serie de cuadros surrealistas de autores como José Infante y Edgar Badial (además de una foto intervenida que no viene mucho al caso).
Imágenes como una mujer negra con un planeta, una cabeza humana soñadora y un changuito a cuestas; un anciano apacible que amedrenta a una multitud de leones; un oscuro antro concurrido por sacerdotes de diversas religiones de sabor antiguo y una mujer vestida sólo por una gabardina abierta que monta una vaca halada de un hilo rojo por un maloso fumador de sombrero; un hombre agujerado, hueco su cuerpo a excepción de gusanos, cargando a un bebé en similares condiciones, pero más muerto; una mujer de atavío colorido haciendo un split en el suelo, con cara de algo entre la agonía y el placer y un edificio saliendo de su oreja derecha; entre otras, pintadas casi siempre en acrílico sobre tela (uno que otro óleo perdido por ahí), cuelgan de las paredes del lugar, aderezada la atmósfera con música entre olides sesenterones e indie del que todavía es underground, y una buena luz tenue para rematar.
El marcado realismo logrado en la intención figurativa de los cuadros impresiona y magnifica la sensación de imposibilidad y locura que transmiten, la calidad lograda hace de esta exposición una propuesta sin duda notablemente superior a lo que suele ser presentado en los lugares de este tipo y de la zona.
Imágenes como una mujer negra con un planeta, una cabeza humana soñadora y un changuito a cuestas; un anciano apacible que amedrenta a una multitud de leones; un oscuro antro concurrido por sacerdotes de diversas religiones de sabor antiguo y una mujer vestida sólo por una gabardina abierta que monta una vaca halada de un hilo rojo por un maloso fumador de sombrero; un hombre agujerado, hueco su cuerpo a excepción de gusanos, cargando a un bebé en similares condiciones, pero más muerto; una mujer de atavío colorido haciendo un split en el suelo, con cara de algo entre la agonía y el placer y un edificio saliendo de su oreja derecha; entre otras, pintadas casi siempre en acrílico sobre tela (uno que otro óleo perdido por ahí), cuelgan de las paredes del lugar, aderezada la atmósfera con música entre olides sesenterones e indie del que todavía es underground, y una buena luz tenue para rematar.El marcado realismo logrado en la intención figurativa de los cuadros impresiona y magnifica la sensación de imposibilidad y locura que transmiten, la calidad lograda hace de esta exposición una propuesta sin duda notablemente superior a lo que suele ser presentado en los lugares de este tipo y de la zona.
Fotos: Ricardo Balderas.
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